Sing in Love( ‘恋い焦れ歌え, Japão, 2022)

Sing in Love, de Izuru Kumasaka, é um filme japonês sobre um professor que sofre um trauma de agressão sexual. Um predador violento ataca o personagem principal no meio da noite, deixando-o psicologicamente marcado. Apesar de denunciar o crime, a polícia não efetua uma prisão. 

O enredo é perturbador, os temas angustiantes e o comportamento do antagonista desconfortável. O filme explora o trauma de agressão sexual e seu tormento psicológico através de uma lente escura e retorcida. 

Uma noite, Jin(Yu Inaba) está voltando do trabalho. Ele faz uma pausa no parque. De repente, um homem emerge das sombras e o ataca. O agressor desconhecido domina Jin, subjuga-o e retira suas roupas à força. O predador agride sexualmente Jin, que é impotente para revidar.

Após o ataque, Jin relata seu estupro à polícia. Apesar das promessas de investigar o caso, eles não encontram pistas. Três meses depois, a polícia ainda não fez uma prisão. Enquanto isso, Jin tenta deixar de lado o incidente traumático e seguir em frente. Jin não contou à esposa o que aconteceu. No entanto, ela desconfia. Ele começa a procurar um terapeuta e ajuda profissional.

Um dia, um jovem chamado Kai(Kenshin Endo) se aproxima de Jin e revela que ele é o abusador. Kai provoca sua vítima e ri do incidente, chamando-se de caçador. Ele ataca Jin, que cai inconsciente. Jin acorda e se encontra em um terreno abandonado ocupado pelos amigos de Kai. Kai revela a todos o que aconteceu com Jin. Ele ainda ameaça machucar a esposa.

Um Jin humilhado tenta confrontar seu inimigo, mas Kai e seus amigos revidam. O grupo domina o professor. Kai provoca Jin ainda mais ao subir ao palco e fazer um rap sobre a agressão sexual. Jin o ataca no palco. No entanto, os amigos de Kai filmaram o encontro violento. As imagens vazam para a escola, destruindo a reputação do professor. 

A experiência traumática abala profundamente a certeza de Jin sobre os pilares de sua vida, incluindo seus desejos. Ele perde o apetite sexual e não quer se envolver em afeto físico. A incapacidade de Jin de ser íntimo de sua esposa o manda para uma toca de coelho. Ele começa a ficar confuso sobre sua sexualidade. Jin, que já se identificou como um homem hétero, pesquisa palavras-chave gays online e visita um profissional. Essas ações erráticas vêm da turbulência interior do protagonista. Ele não se conhece mais. Ele está perdido e procurando uma explicação que valide seu vazio.

Afire(Roter Himmel, Alemanha, 2023)

Há o mito do artista egocêntrico e atormentado. Em Afire, o diretor Christian Petzold questiona essa ideia com muita sagacidade e humor. Leon (Thomas Schubert) viaja com seu melhor amigo Felix (Langston Uibel) para uma casa dos sonhos de frente para o mar Báltico para fugir da civilização e terminar seu livro.

No entanto, quando chegam, descobrem que precisam dividir o lugar com Nadja (Paula Beer), uma mulher que curte os prazeres paradisíacos da praia. Sua jovialidade só irrita Leon, que não entende como alguém parece entender a seriedade de seu trabalho.

Através de um cenário simples, poucos personagens e um roteiro extremamente astuto, Petzold mostra o quão ridícula é a arrogância do artista que acredita estar acima dos outros. Leon não faz nada além de fugir da grande beleza e diversão que o rodeia com a desculpa de estar trabalhando. No entanto, em vez de admitir seu bloqueio criativo, ele culpa os outros por seu pouco progresso e torna a vida amarga.

O caso de Leon contrasta fortemente com a situação de seu amigo, bissexual,  Felix, que também está em processo de montagem de seu portfólio fotográfico. Em vez de se isolar ou se frustrar como Leon, ele se diverte com Nadja e o belíssimo salva-vidas Devid (Enno Trebs): ele se junta aos jogos deles, flerta e se deixa levar pelo mar. O progresso de seu trabalho e descoberta artística, para aborrecimento de seu amigo, progride de forma muito mais natural e fluída.

Petzold e seu colaborador frequente, o diretor de fotografia Hans Fromm, permitem que a luz brilhante dos dias de verão costeiros fale por si, o brilho dos verdes da floresta, as paisagens ensolaradas que reverenciam os filmes de Eric Rohmer – e os amigos comparativamente felizes de Leon – contrastando fortemente com o humor perpetuamente sombrio do personagem principal.

Como pano de fundo da história há uma série de incêndios florestais que dão título ao filme. Nenhuma obra de arte pode se opor à grandeza da natureza, seja em sua beleza, seja em sua capacidade de nos destruir. O protagonista é tão egocêntrico e frustrado que não calcula os grandes (e terríveis) acontecimentos que ocorrem ao seu redor.

O fogo conota muitas coisas: luz, criatividade, amor, sofrimento interior, um planeta moribundo. A partir desses elementos, Afire constrói uma história que começa como uma comédia, mas gradualmente se torna uma conflagração em câmera lenta que não oferece respostas fáceis.

Como grande parte do trabalho de Petzold, Afire captura interações humanas complexas em um estilo de sobriedade lúcida. Ele é construído a partir de ângulos limpos e cortes precisos e discretos que enfatizam a performance e a narração visual em detrimento do espetáculo melodramático.

One of the Boys (En af drengene, Dinamarca, 2023)

A bela minissérie, de Teys Schucany, One of the Boys, entende o período de autorreflexão e aceitação da identidade queer, com medo, saudade e desejo oculto enquanto, o criador reflete sobre sua própria juventude crescendo em uma pequena cidade dinamarquesa.

Ao longo de quatro episódios ,de menos de 20min, Schucany explora a hipermasculinidade, o conflito interno, a amizade e o bullying enquanto acompanhamos Lau (Jonathan Meinert Pedersen) em um acampamento de verão para meninos. O acampamento tem como objetivo fazer homens a partir de adolescentes através de atividades de destreza física, trabalho em equipe e orientação.

Mas, para Lau, o acampamento também destaca seus sentimentos ocultos de diferença e desconexão. É também onde ele conhece um novo garoto que se mudou recentemente de Copenhague, Aksel (Jacob Spang Olsen). Aksel é diferente dos outros meninos e não quer estar lá, assim como Lau.

Com atuações marcantes de seu elenco jovem e uma bela cinematografia, Schucany criou um notável drama de curta duração que fala diretamente com todos os jovens LGBTQ+ que tentam definir seus sentimentos, emoções e lugar em um mundo heteronormativo que muitas vezes pode parecer assustador e estranho às suas necessidades.

A necessidade de aceitação de Lau o leva a tomar algumas decisões erradas, mesmo que ele deva sacrificar alguns aspectos de sua nova amizade, mas ao mesmo tempo essa ebulição interior faz com que ele permaneça em uma atitude defensiva constante diante do ambiente dominante que o cerca.

A virtude desta minissérie está nos detalhes, na troca de olhares e abordagens, e na capacidade de Tey Schucany como diretor de manter um certo suspense diante da possível reação, e da resposta imprevisível, de Lau diante de Aksel.  Abordando as complexidades da manifestação da sexualidade dentro de um ambiente heteronormativo, com certa poesia, há também reflexos do bullying e de uma masculinidade incompreendida. 

Bottoms(EUA, 2023)

Bottoms é uma comédia, com muitas referências oitentistas, ocasionalmente sangrenta que fica alegremente absurda numa história sobre duas melhores amigas lésbicas que começam um clube de luta só de mulheres em sua escola. 

Dirigido e co-escrito por Emma Seligman, o filme é uma bagunça da melhor maneira possível. O primeiro longa de Seligman, Shiva Baby, foi uma série de eventos tensos, mas hilários, que se desenrolaram ao longo de uma shiva.

O filme acompanha as melhores amigas  PJ (Rachel Sennott) e Josie (Ayo Edebiri), ambas virgens, estudantes do último ano da Rockridge Falls High School. Suas fantasias são perder a virgindade para as cheerleaders, que são suas maiores crushes.

Elas iniciam um clube de luta feminino com a esperança de que isso as leve a perder a virgindade com as líderes de torcida Isabel (Havana Rose Liu) e Brittany (Kaia Gerber). Elas acabam empoderando várias de suas colegas mais marginalizadas para se defenderem contra a tirania misógina dos heróis do futebol da escola, liderados por Jeff(Nicholas Galitzine, de Vermelho, Branco e Sangue Azul).

PJ é mandona e desagradável, mas também é hilária e uma amiga geralmente leal. Josie é mais sensível e ponderada, mas também é muito insegura e atormentada por dúvidas sobre si mesma. Nas conversas sobre a perda da virgindade, PJ está confiante de que isso acontecerá com ela antes de se formar no ensino médio.

O enredo de Bottoms é bastante simples, com homenagens às comédias dos anos 1980 para todo lado.  No entanto, os diálogos ágeis do filme e a ótima química cômica entre o elenco (especialmente entre Sennott e Edibiri) definitivamente não são previsíveis e fazem o filme brilhar. 

No final, Bottoms é sobre solidariedade feminina tanto quanto é sobre meninas querendo transar com suas rivais escolares. O filme exalta o absurdo e a loucura, mas nunca perde o humor mordaz e espirituoso que provavelmente definirá a carreira de Seligman. É um presente sangrento, cheio de tesão e frescor. Apesar de muito oitentista, o filme soa moderno e é potencializado pela trilha sonora, uma mistura de baladas poderosas dos anos 80, com Charli XCX e músicas como Complicated, de Avril Lavigne. 

Cassandro(México/EUA, 2023)

Cassandro, a estreia na ficção de Roger Ross Williams, remonta a história real do "Liberace da lucha libre", Cassandro, um dos poucos luchadores abertamente gays do México na cena wrestling de Juárez. Tudo é reforçado com uma atuação tour de force de Gael García Bernal.

Saúl Armendáriz(Bernal), está exausto por jogar como El Topo, um mascarado que sempre perde suas lutas. Quando sua nova treinadora, Sabrina (Roberta Colindrez), sugere que ele comece a interpretar um exótico extravagante e muitas vezes afeminado, Saúl estreia o extravagante e poderoso Cassandro, que capta a atenção e o carinho da multidão. No entanto, essa transição tem um efeito sobre a mãe idosa de Saúl e seu amante secreto, Gerardo (Raúl Castillo).

Filho de mãe solteira Yocasta (Perla De la Rosa), seu vínculo íntimo é bem apresentado e resolvido no filme, seu relacionamento se nutre e permite que Saul seja ele mesmo. Assim, Cassandro funciona tanto como uma ótima história de mãe e filho quanto como uma poderosa expressão da confiança LGBTQIA+ em uma cultura mergulhada em papéis de gênero rígidos, fanatismo religioso e hipermasculinidade.

O filme capta a confusa dicotomia do mundo da lucha libre de entretenimento, seu comportamento extravagante e trajes exuberantes emparelhados com uma masculinidade sem filtros com o fascínio do mundo da lucha libre em relação à força e à dinâmica de poder.

O gentil Saúl navega nesse ambiente, muitas vezes,  com uma apreensão cautelosa até sair do armário da cultura da lucha libre para o desafiadoramente queer Cassandro. Ele quer contar histórias e trazer um pouco de poesia para a modalidade.

À medida que Cassandro se torna mais popular, fica mais difícil manter o maior segredo de Saúl. Essa é a relação sexual que ele tem com Gerardo, também conhecido como El Comandante. Algumas das cenas mais comoventes e sensuais do filme são entre Saúl, que está confortável em sua sexualidade e quer um parceiro para combinar, e o enrustido Gerardo, que quer manter sua família e seu sustento. 

Todas as relações que Saúl tem estão se alimentando de alguma forma. A proximidade entre ele e Yocasta é quase mais fraterna do que mãe e filho. Eles têm sua própria língua, compartilham os mesmos cigarros, assistem às mesmas telenovelas e também têm alguns dos mesmos vícios quando se trata de homens. Há também uma amizade muito colorida com o filho do promotor interpretado pelo rapper Bad Bunny, que rende algumas reviravoltas interessantes. 

O diretor de fotografia, Matias Penachino, filma o longa capturando a luminosidade do cenário de Juárez, enquanto exibe um interior sombrio para os locais de luta livre, muitas vezes pobres. A fusão polarizadora dessa garra com o mundo dos exóticos cria um ângulo narrativo fascinante, ao mesmo tempo em que proporciona momentos eufóricos.

Bernal hipnotiza em sua representação maravilhosamente humana de Saúl. O ator se joga com tudo no ringue e aborda esse conto de identidade queer com sensibilidade e sagacidade, retratando um pioneiro que nunca se propôs a se tornar um – prosperando como uma pessoa LGBTQIA+ em um ambiente de machismo descarado.

O filme não ousa falar de forma mais drástica e aberta sobre temas como homofobia e violência física e verbal contra homossexuais. Mas estes são basicamente os assuntos essenciais associados ao personagem de Saúl vulgo Cassandro.

My Animal(Canadá, 2023)

My Animal, uma nova analogia sobre a  licantropia, rodado em uma pequena vila de Ontário, é o primeiro longa-metragem da cineasta Jacqueline Castel cheio de atmosferas visuais elaboradas e sons new wave, que substituem a conhecida carnificina.

My Animal é concebido como um longo vídeo de música synthpop ao mesmo tempo sedutor e perturbador. Close-ups na lua, iluminação vermelha saturada, paisagens sonoras cativantes. O resultado  aguça os sentidos. A banda americana Boy Harsher  assina a trilha sonora através do gênio criativo Augustus Muller.

Isso não ocorre, porém, às custas do desenvolvimento da narrativa, que trata do tema da autoaceitação de forma sensível. A relação que lenta mas seguramente se desenvolve entre Heather (Bobbi Salvör Menuez) e Jonny (Amandla Stenberg), cabe a qualquer pessoa, mas a diretora prefere encaixar seu filme sob um prisma queer.

À medida que as duas se aproximam, Heather luta para aceitar seu aspecto de lobo. Como o filme que ela assistiu, há uma esperança de que o amor possa torná-la bonita.
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Questões de amadurecimento estão por toda parte, incluindo saída do armário, perda, experiência sexual, drogas e até mesmo uma mudança de cabelo.  Ao longo da vida de Heather, alguém não está disposto a aceitar suas identidades. O treinador do hóquei adulto que ela quer integrar nega porque ela é uma menina. Sua mãe sente que sua identidade de lobisomem automaticamente a torna mais filha de seu pai.

A transformação do lobisomem é muitas vezes uma metáfora para identidade queer, e aqui Heather é ambos. Mas você não pode abraçar um aspecto de si mesmo enquanto se ressente do outro. Ela vive uma vida contida, temendo o que pode acontecer se ela desencadear suas paixões.

Rotting in the Sun(EUA/México, 2023)

Na metacomédia, Rotting in The Sun, o diretor chileno Sebastián Silva pinta um retrato depreciativo de si mesmo e desaparece na trama. Depois disso, o influencer Jordan Firstman, passa a procurá-lo, representando o meio hedonista que colide com a realidade de uma faxineira mexicana.

No filme, Sebastián Silva está na Cidade do México para pintar quadros e escrever um diário filosófico. Então, ele pode achar sua vida agradável, mas não o faz. Ele se embriaga com entorpecentes, e suas anotações giram em torno do desejo de acabar com sua vida.

Ao cheirar constantemente quetamina, Sebastián se refugia no sono no estúdio onde pinta e dorme. A empregada doméstica e faxineira Verônica (Catalina Saavedra) observa com preocupação o uso de drogas de Sebastián.

Em uma viagem a uma praia de nudismo gay, ele conhece a estrela das redes sociais Jordan Firstman. Ele quer desesperadamente desenvolver um programa de TV com a ajuda de Sebastián, que o despreza, e também seu meio de sobrevivência, as redes sociais.

A comédia atrevida e de humor ácido caminha rapidamente para um thriller policial. Silva e Firstman se satirizam na forma de seus alter egos cinematográficos na própria trama ficcional.

Além disso, o filme desmonta com prazer a convenção ainda não superada no mercado cinematográfico, do nu masculino frontal. Há pênis em todas as formas. Há cenas de sexo que podem chocar os mais desavisados.

Rotting in the Sun deixa dois mundos opostos colidirem na história. Os mais ou menos criativos, que incluem Sebastián, Jordan Firstman e seu grupo misantropista, estão preocupados consigo mesmos, com seus celulares e com seus estilos de vida hedonistas. Eles desprezam os trabalhadores mexicanos.

Outro tema satírico são as redes sociais. Firstman é uma bola de energia, caótica, cheia de vida e diversão, e contrasta nitidamente com o Silva um pouco amargo e suicida. Os dois, no entanto, têm uma ótima físico-química. 

Em vez de transformar o filme em um thriller hitchcockiano, o cineasta  toma  uma direção completamente diferente, menos convencional, tornando Rotting in the Sun um estudo de personagem provocativo com um toque de comédia sombria e ambiguidade moral.

Catalina Saavedra, que já havia trabalhado com o diretor em ‘La Nana’, se destaca entre o bom elenco por ter o papel mais complexo e bem escrito. Felizmente, o roteiro não apenas lhe dá espaço para dar vida à sua personagem, mas ela dá uma performance matizada que humaniza a obra.

Todos Estão Mortos(Todos Están Muertos, Alemanha/Espanha/México/França, 2014)

Na década de 1980, Lupe(Elena Anaya) foi uma estrela do rock da Movida Madrileña e celebrou grande sucesso junto com seu irmão Diego(Nahuel Pérez Biscayart) sob o nome de "Groenlandia". Até o grave acidente de trânsito em que seu irmão morreu. Desde então, ela não quis sair de casa, sofrendo de agorafobia. A avó de Pancho(Christian Bernal), Paquita(Angelica Aragón), portanto, mantém a casa funcionando; Basicamente, ela é mãe e pai de Pancho ao mesmo tempo desde que ele nasceu. 

Em seu filme de estreia, a diretora espanhola Beatriz Sanchis reúne duas épocas e três gerações. Porque Pancho sabe muito pouco sobre sua família; no entanto, ele suspeita que os dias de Paquita estão contados. Esta é provavelmente uma das razões pelas quais a avó tenta de tudo para que a filha volte a assumir a responsabilidade pela sua vida e a do filho.

Para isso, ela, que tem origens mexicanas, está disposta a usar qualquer meio; um amiga curandeira milagrosa, interpretada por Patrícia Reyes Spíndola, deve trazer Diego de volta à vida após a morte. Ele realmente retorna, mas apenas Lupe pode vê-lo; Paquita tem que usar drogas para falar com ele.

Devido à presença de Diego, Lupe desperta de seu pesadelo interior. Enquanto isso, Pancho está procurando uma nova orientação em sua vida. Ele é fascinado por Victor(Patrick Criado), um jovem guitarrista que só está interessado em Lupe e sua lenda.

Tudo parece caótico, e é, mas a produção consegue dar estrutura e, acima de tudo, profundidade à confusão emocional e narrativa. Todos Estão Mortos é sobre lidar com o passado, com o presente e a questão do que você pode levar consigo para o futuro.

O filme é construído com confiança entre os diferentes níveis de lugar e tempo; ele capta enfaticamente o clima de ressaca do final dos anos 1990 na Espanha, a memória da "Movida", bem como o mundo dos imigrantes latino-americanos, a avó mexicana com seu imaginário do culto aos mortos, do xamanismo e dos "rancheros", as canções folclóricas rurais.

A diretora entrelaça uma história de puberdade com uma comédia familiar de realismo mágico, identidade juvenil com amor sombrio de irmãos. Todos Estão Mortos é sobre autodescoberta e autoafirmação, sobre morte e ressurreição.

O filme não só presta homenagem à década musical dos anos 80, como parece experimentar o tom dos primeiros filmes de Iván Zulueta, Bigas Luna e Pedro Almodóvar, a própria Elena Anaya protagonizou A Pele que Habito(2011).

Desperate Souls, Dark City And The Legend Of Midnight Cowboy(EUA, 2022)

O brilhante documentário, de Nancy Buirski, Desperate Souls, Dark City And The Legend Of Midnight Cowboy, revisita o clássico, de 1969, dirigido por John Schlesinger e o impacto que causou na sua década e também nas posteriores.

Buirski não fala apenas sobre este filme histórico, vencedor do Oscar, mas sobre como ele se encaixou no mundo em meados dos anos sessenta. Não era apenas o clima político na época que era uma questão importante, mas também o clima moral.

Midnight Cowboy é estrelado pelo ator então desconhecido, Jon Voight interpretando um prostituto com grandes referências sexuais e também cujo relacionamento na tela com Dustin Hoffman, como Ratso, tem fortes conotações homossexuais, antes de isso ser legalizado. 

Bob Balaban admite que foi uma maravilha que o filme tenha sido realizado pela Universal, um grande estúdio, e acrescenta que acreditava que nunca teria luz verde nos dias de hoje. Além de Balaban, há uma série de outras entrevistas com os atores de Midnight Cowboy, Jon Voight, Brenda Vaccaro e Jennifer Salt, além de Brian De Palma, Charles Kaiser, Edmund White, sobrinho de Schlesinger, o escritor Ian Buruma, e parceiro de Schelsinger por cerca de 30 anos, o produtor/fotógrafo Michael Childers. A ausência notável é a de Hoffman.

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Schlesinger era um paradoxo, já que depois de Midnight Cowboy ,em 1971 ele fez Sunday Bloody Sunday o primeiro filme abertamente bissexual e o primeiro beijo cinematográfico gay de todos os tempos. No entanto, ele ainda estava no armário na época.

O documentário sugestivo, abrangente e cada vez mais oportuno nos deixa no início com Jon Voight contando a história de seu encontro com John Schlesinger em plena dúvida no final das filmagens de Midnight Cowboy. O filme ganhou três Oscars, Melhor Filme, Melhor Roteiro Adaptado e Melhor Diretor. 

O teste de câmera de Voight o apresenta vestido com chapéu preto e camisa roxa, completo com flores vermelhas que lembram manchas de sangue. As imagens do Vietnã funcionam como um fio sinalizador para a época. As combinações incrivelmente intrincadas de visuais e sons  formam uma rede de significados, uma homenagem emocional e um chamado à conscientização para o momento presente.

Passo a passo, as referências se ampliam e o documentário se abre para a história do cinema e conceitos de masculinidade. E caminha, por A Noviça Rebelde, Roberto Rossellini, Vittorio De Sica, Jean-Luc Godard, até os dias de hoje. Esta é a lenda de Midnight Cowboy.

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PERDIDOS NA NOITE(MIDNIGHT COWBOY, EUA, 1969)

Unidentified Objects(EUA, 2022)

Peter H (Matthew Jeffers) é um homem tranquilo que prefere evitar seus vizinhos. Ele está cansado de ser objetificado por causa de seu nanismo e, neste momento da vida, também está lidando com o desemprego e a recente perda de um amigo muito amado. Ele também é gay, o que deveria oferecer alguma defesa contra os encantos de Winona J (Sarah Hay), que mora no mesmo prédio e usa esse pretexto frágil para tentar convencê-lo a dar-lhe uma carona para o Canadá, mas por mais que tente, ele simplesmente não consegue convencê-la a desistir. 

O motivo da viagem de Winona é inusitado. Ela diz ter sido abduzida por alienígenas há muitos anos, e agora eles entraram em contato com ela novamente e disseram a ela para encontrá-los para que eles possam levá-la embora de vez. Peter não está convencido, assumindo que ela está delirando, mas gradualmente vai percebendo o quão importante é para ela emocionalmente ver isso acontecer. 

Enquanto Peter e Winona viajam mais fundo no deserto canadense, eles encontram uma fascinante variedade de personagens e paisagens de tirar o fôlego. O filme captura com maestria a essência de seu relacionamento em evolução, usando uma cinematografia íntima para trazer à tona a bagagem emocional que ambos carregam. 

Em meio às cenas surreais e trágicas envolvendo policiais extraterrestres, o filme explora as profundezas de seu trauma, revelando que estar sozinho no universo pode ser tão perturbador quanto ser abduzido.

Mergulhando em temas de autodescoberta e conexão humana, o filme, de Juan Felipe Zuleta, apresenta uma perspectiva única sobre a aceitação da existência extraterrestre enquanto explora a verdade e a beleza encontradas aqui mesmo no planeta Terra.

Unidentified Objects mistura com sucesso elementos de comédia e drama, criando uma dramédia sombria que ressoa com seu público. O roteiro muito bem escrito por Leland Frankel dá vida às brincadeiras espirituosas entre Peter e Winona, mostrando suas personalidades e perspectivas contrastantes. 

Estranha Forma de Vida(Strange Way of Life, Espanha/França, 2023)

Para o seu segundo média-metragem rodado em inglês Pedro Almodóvar pega emprestado o famoso fado escrito, em 1965 e cantado pela portuguesa Amália Rodrigues, para a exemplo de Ang Lee, em Brokeback Mountain(2005), ou Jane Campion ,em Ataque dos Cães(2021), desconstruir o gênero, talvez mais masculino de todos, o faroeste.

Estranha Forma de Vida é tocada como interlúdio no início da trama, na voz de Caetano Veloso, em um momento de fantasia com Manu Rios. A trilha sonora é composta pelo premiado, e também constante parceiro de Almodóvar, Alberto Iglesias. 

Um homem atravessa o deserto que o separa de Bitter Creek à cavalo. Ele vai visitar o xerife Jake(Ethan Hawke). Vinte e cinco anos antes, tanto o xerife quanto Silva(Pedro Pascal), trabalharam juntos como pistoleiros. Silva vem sob o pretexto de se reunir com o amigo de sua juventude, e de fato eles comemoram seu encontro, mas na manhã seguinte, Jake lhe diz que o motivo de sua viagem não é a lembrança de sua antiga amizade

Embora na manhã seguinte, banhada por lembranças, o agora xerife Jake desconfia da razão da viagem de Silva, pois há outras motivações muito mais interessadas em seu antigo parceiro.

A trama de Estranha Forma de Vida se expande com a inclusão de Joe, (George Steane), filho de Silva, que assassinou uma mulher e que é o verdadeiro motivo da jornada de seu pai para se reunir com seu ex-amante e agora xerife. 

A edição, de Teresa Font, torna o resultado final brilhante com a inclusão de sequências de flashbacks entre Jake e Silva. Um recurso inteligente e bem dosado, que inclui parte de homoerotismo e um delicioso banho de vinho. O diretor de fotografia, é o habitual José Luis Alcaine, tão magistral como sempre, dessa vez referenciando Sergio Leone,  em sua já longa e importante filmografia.

O figurino tem Saint Laurent de Anthony Vaccarello, que complementam sua participação como produtores. O média-metragem vai além, da homenagem indireta ao faroeste, ao desenvolver com grande sucesso o melodrama da turbulenta relação entre os dois personagens principais, em uma profunda discussão de relação.

Transcendendo para um grande melodrama das paixões humanas, o filme coloca seus dois protagonistas presos dentro de um triângulo com uma equação insolúvel, entre dever profissional, amor paterno e amor carnal.

São os dispositivos estilísticos do melodrama que o realizador espanhol brinca aqui. Apesar de toda a riqueza estética, no entanto, o filme tem um núcleo muito humano. Estranha Forma de Vida é sobre a saudade reprimida, as oportunidades perdidas e o sonho de uma vida diferente. 

A atuação de Hawke e Pascal é energia, sua química é simplesmente perfeita. Estejam eles discutindo ou fazendo amor, é um prazer assistir à performance desinibida e lasciva de duas estrelas de Hollywood, em um filme de Almodóvar.

Marte Um(Brasil, 2022)

Dirigido por Gabriel Martins, Marte um é um filme que mistura com muita sensibilidade momentos ternos e agridoces da vida de uma família negra de classe média no Brasil lidando com crescentes conflitos internos no contexto da eleição de um governo fascista, em 2018.

O chefe da família é Wellington (Carlos Francisco), porteiro de um condomínio residencial que está sóbrio há quatro anos e sonha que seu filho Deivinho (Cícero Lucas) seja um grande jogador de futebol, no entanto, ele tem pouco interesse por esportes e prefere passar o tempo estudando astronomia e sonha em chegar a Marte. 

Para o filho mais novo, Deivinho (Cícero Lucas), o projeto Marte Um, que pretende colonizar o planeta até 2030, é muito importante. A ressalva à missão – aqueles que viajam para Marte nunca mais voltarão – revela o desejo não verbalizado do garoto de escapar de sua realidade. 

A única que sabe disso é sua irmã mais velha, Eunice (Camilla Damião), que acaba de encontrar uma namorada e começa a almejar independência, mas ainda não sai na frente dos pais. Enquanto isso, a mãe Tércia (Rejane Faria), que sonha em ir para Paris, é vítima de uma ameaça de bomba na rua que acaba virando piada para a TV. O evento a deixa marcada.

Marte Um é uma bela obra de realismo social orquestrada a partir da observação, humor, ternura, dignidade e boas performances. Martins não deixa as questões políticas óbvias, mas permite entender de forma bem sutil como a vida de cada um dos membros dessa família cativante mudará com a ascensão de um regime retrógrado.

A retórica racista, classista e anti-LGBTQIA+ do novo presidente vai afetá-los em algum momento. No entanto, Marte Um nunca vai para o lado pessimista, pelo contrário, deixa claro que o amor sempre será maior que o ódio e que, não importa o que venha, essa família permanecerá unida e com a esperança viva de realizar seus sonhos.

Tudo isso cria um ambiente bastante tenso e caótico para a família, especialmente quando se trata de entender as diferenças um do outro, mas não é uma situação desprovida de amor. Por causa disso, há uma corrente muito terna e emocional fluindo profundamente pelo filme em meio a toda o conflito familiar.

Várias das cenas do filme mostram os membros da família seguindo suas vidas cotidianas. Mas algumas coisas cruciais acontecem que mudam a dinâmica pessoal desse grupo.

Marte Um mostra como esses quatro membros da família lidam com suas questões individuais, às vezes com sigilo e vergonha, às vezes com desafio e determinação. As tensões e medos subjacentes nessas dinâmicas interpessoais têm a ver com o sentimento de incerteza em relação a essa questão existencial assolando o país.

Martins mergulha o espectador em sua história habilmente escrita e multifacetada de crescimento interpessoal. Em Marte Um, objetivos individuais e comunitários se movem em trilhas paralelas através da trama em camadas.