Christopher and his Kind(Reino Unido, 2011)

O estilo de vida conservador e burguês na Inglaterra era exatamente o oposto da vida que Christopher Isherwood(Matt Smith) desejava ter quando jovem. Em Berlim as coisas seriam diferentes para o autor de ‘A Single Man’, que era homossexual numa época em que tal estilo de vida tinha que ser escondido a todo custo.

Christopher and His Kind conta a história do tempo de Christopher em Berlim. Um tempo de grande liberdade e paixão com os garotos de aluguel, de fantasiosas e ousadas conservações com a sensacional e comovente Sally Bowles(Imogen Poots); e o primeiro vislumbre do amor verdadeiro em um momento de grande medo e ansiedade quando o comando nazista começa.

O filme por um lado, mostra as grandes realizações de um homem gay durante esse período, que publicaria muitos romances e se tornaria um grande sucesso na literatura queer. Os relacionamentos de Christopher são tratados entre  altos e baixos. A única complicação, como seria ironicamente, é quando ele tenta salvar seu amante do partido nazista, trazendo-o para a Inglaterra como empregado doméstico de sua família. 

São os casos de amor de Isherwood com o sexy acompanhante Caspar(Alexander Doetsch) e, em particular, seu desejo pelo rapaz local Heinz(Douglas Booth) que fornecem as correntes emocionais deste trabalho, uma força que deve ser reconhecida quando Caspar mostra suas verdadeiras cores em um momento em que o antissemitismo era uma maré crescente, que acabaria levando Isherwood a retornar à Inglaterra completo com Heinz na mão, em suas tentativas malfadadas de salvar seu amante dos nazistas.

Christopher sempre aparece como um homem gentil, mas pessoalmente egoísta no filme, talvez isso mostre ainda mais quando você considera que sua escrita era sobre ele e não sobre a maior luta da população maior daqueles que compartilhavam seu próprio estilo de vida.

Dirigido por Geoffrey Sax, para a rede de televisão britânica, BBC, o filme é contado em retrospecto por meio de um Isherwood idoso escrevendo suas memórias em Los Angeles em 1976 e arraigado com toda a sensação característica de um filme biográfico televisionado, o resultado é um lembrete gráfico dos tempos em que o abandono gay selvagem estava na sombra da ascensão do fascismo. 

Winning Dad(EUA, 2015)

Em Winning Dad, Colby é gay, algo que seu pai conservador, Michael(Chuck Sigars), nunca aceitou adequadamente. No entanto, Colby agora encontrou um homem que ele acha que pode ser 'o cara' e então traça um plano para seu pai conhecer Rusty, interpretado pelo diretor Arthur Allen,  sem que ele perceba que é o namorado de seu filho. Colby diz a seu pai que Rusty é seu amigo direto e futuro parceiro de negócios, que ele convidou para um acampamento anual com eles.

Quando chega a hora da viagem, Colby diz que não pode ir de última hora, então Rusty e Michael partem sozinhos. Inicialmente, parece que eles vão se dar bem, mas conforme os homens ficam mais à vontade um com o outro, Rusty começa a pensar que talvez possa contar a verdade a Michael,  embora, se o fizer, não há garantia de que Michael aceitará e o as repercussões podem não apenas separar a família de Colby, mas também seu relacionamento com Rusty.

Embora Winning Dad às vezes tenha uma tendência a ser um pouco exagerado, o que sempre o mantém unido é o fato de ter uma imensa empatia por seus personagens. Isso não é verdade apenas para Rusty e Colby, mas também para Michael, com quem o filme nunca concorda, mas que nunca é mostrado como um vilão declarado. Em vez disso, ele é um homem lutando contra atitudes arraigadas que não sabe como mudar. 

O filme mostra que todos são capazes de cometer erros e, com a quantidade certa de humildade, realização e comunicação, a redenção é possível , e isso não vale apenas para pessoas homofóbicas.

No geral, Winning Dad é um filme com charme, algum humor e personagens cativantes. Também é bom ver que os gays apresentados no filme, são caras comuns. De fato, é um filme absolutamente imerso na vibe meio-americana, que transparece em tudo, desde o tom até a fotografia. Juntamente com um roteiro que é incrivelmente empático e ocasionalmente incisivo, ele supera qualquer pequeno problema que apareça no meio do caminho.

Sodom(Reino Unido, 2017)

Algemado a um poste de luz em Berlim com maquiagem em volta dos olhos e completamente nu, Will (Pip Brignall) é encontrado pelo belo e estranho Michael (Jo Weil). Os dois trabalham juntos para libertar Will do poste e vão para o apartamento de Michael.

Encontrando uma atração imediata, os dois homens fazem sexo antes de Will revelar que está noivo de uma mulher e que está na cidade para despedida de solteiro. Will continua tentando ir embora, mas é atraído de volta para Michael e os dois confiam um no outro enquanto compartilham histórias sobre si mesmos.

A história se passa em apenas um cenário: os limites do apartamento de Michael. O filme não se propõe a contar uma história multifacetada e complicada. Em vez disso, é o retrato direto de dois homens com seus passados, sentimentos, medos e esperanças.

Sodom é o primeiro longa-metragem do roteirista e diretor Mark Wilshin. Com apenas dois atores, o filme parece que poderia funcionar muito bem como uma peça de teatro e há muita pressão sobre suas estrelas Pip Brignall e Jo Weil para carregá-lo. Desde o momento em que se conhecem, a química entre Will e Michael é eletrizante.

Uma vez que Will admite que está noivo de uma mulher e se recusa a ter sua sexualidade rotulada, todas as apostas são canceladas quando ele entra em uma discussão com Michael. Will parece sentir vergonha de suas ações, levando Michael a acreditar que seu relacionamento é um caso secreto. Will não consegue explicar por que está tão atraído por Michael enquanto Michael compartilha informações sobre seu passado e seus arrependimentos após o rompimento de um relacionamento de longo prazo.

Curiosamente, a parte sexual da história de Michael e Will é surpreendentemente curta. Se você espera muito sexo terá que se contentar com a pele e a nudez dos protagonistas. Sodom é realmente um estudo de personagem muito satisfatório.

O filme poderia ter sido uma maratona de sexo com pouco contexto, mas Wilshin se aprofunda para um retrato íntimo de dois homens compartilhando uma conexão inesperada ao longo de uma noite que ressoará em seu público-alvo.

Há um desequilíbrio perfeito entre essas duas figuras, um é livre de amarras e rótulos, o outro é reprimido e não consegue aceitar sua natureza. O confronto deles explora suas diferenças, mas também todas as possibilidades que ambos estão perdendo.

Poucas Cinzas: Salvador Dalí(Little Ashes, Reino Unido/Espanha, 2008)

Espanha, 1922. Um lugar repleto de novas ideias - intelectuais, artísticas e políticas. Três jovens amigos se encontram na universidade - Luis Buñuel(Matthew McNulty), destinado a se tornar um cineasta icônico; Salvador Dalí(Robert Pattinson), que se tornaria um dos maiores pintores do mundo; e Federico García Lorca(Javier Beltrán), um poeta que teve sucesso limitado em sua vida, mas passou a ser reconhecido como um dos escritores mais importantes do país e um crítico fundamental do fascismo.

As amizades que se formam são intensas, a atmosfera elétrica. Mas a conexão intelectual apaixonada entre Federico e Salvador gradualmente se espalha para outra coisa, deixando Luis marginalizado e amargo, e ameaçando a destruição mesmo em seus belos momentos.

Poucas Cinzas, de Paul Morrison, foca em uma atração não consumada entre Dalí e Garcia Lorca, que na flor do idealismo juvenil e com o despertar da carne, começou a confundir sexualidade com arte. 

Poucas Cinzas mostra as personalidades de três gênios sendo formadas. Garcia Lorca, que é honesto consigo mesmo sobre seu amor por outro homem, acaba encontrando o verdadeiro amor com uma mulher, sua colega de classe Margarita (Marina Gatell).

Dali, que se apresenta sempre muito excêntrico, nega todos os sentimentos e, como muitos puritanos, termina como voluptuoso. Buñuel, o mais talentoso de todos, termina como todos os bons diretores de cinema, consumidos por seu trabalho.

A obsessão de García Lorca por Salvador Dalí é bem reconhecida e aqui tratada com simpatia; afinal, não deve ter sido fácil se apaixonar por um homem quase tão famoso por seu egoísmo quanto por suas pinturas.

Poucas Cinzas também lançou Robert Pattinson, recém-saído da saga Crepúsculo, para um desempenho sólido na carreira. No entanto, é Javier Beltrán quem é o verdadeiro destaque, entregando uma performance que poderia facilmente ter escorregado para o sentimentalismo com uma precisão de partir o coração. 

O filme é belo para os olhos, com figurinos e locações adequados e uma bela fotografia de Adam Suschitzky, e no final das contas faz um bom trabalho ao usar sua história de amor central para fazer comentários mais sofisticados sobre arte e política. 

Darkroom: Tödliche Tropfen(Alemanha, 2019)

Uma questão que tem ocupado a humanidade há séculos, fascinado de forma assustadora e repetidamente produzido atrações promissoras, é a de "Por quê?" Por que se torna um homem um assassino. Essa pergunta também é feita em segundo plano pelo longa-metragem de Rosa von Praunheim, Darkroom , que é baseado no caso real do chamado assassino da sala escura, de Berlim, em  2012.

O filme segue principalmente a perspectiva do perpetrador Lars (Božidar Kocevski), um enfermeiro de Saarbrücken. Lá ele conheceu o encaracolado e cantor Roland (Heiner Bomhard) no bar gay ‘Madame’, que mora com sua avó conservadora (Christiane Ziehl), que o monopoliza.

Os dois se apaixonam e depois de algum tempo se mudam para Berlim juntos, onde mantêm um relacionamento aberto. Durante um passeio noturno, de pegação no parque, Lars entra em contato com GHB, que induz uma viagem sólida sem álcool, mas pode ser fatal rapidamente com álcool.

Lars conhece Bastian (Bardo Böhlefeld), Manuel (Lucas Rennebach,) e Roland com quem inicia um relacionamento. Pouco depois, ele comete seu primeiro assassinato em Bastian. Depois disso, é suposto são conhecidos aleatórios que ele mata ou tenta matar em pouco tempo. A polícia investiga rapidamente, mas Lars não consegue se conter e continua em seu caminho sombrio até ser finalmente pego e levado à justiça.

Darkroom joga em diferentes níveis de tempo, pulando para frente e para trás. Há o tempo em Saarbrücken, o início em Berlim, o tempo dos assassinatos e a audiência em que Katy Karrenbauer, como promotora pública, apresenta uma performance que está entre uma caricatura de drama íntimo e um thriller.

No entanto, isso não é sem planejamento, a alternância entre cenas “abertas” e “fechadas” faz sentido e se enquadra na narrativa não cronológica, mas reveladora, na qual Lars também atua como narrador em alguns momentos e de forma como se ele estivesse falando consigo mesmo em sua cabeça. 

Rosa von Praunheim, escreveu o roteiro junto com Uta Eisenhardt, que relatou o processo judicial em 2012 e escreveu um relatório inédito sobre o caso, não cai na armadilha de superpsicologizar a coisa toda. Ele deixa espaço para suas próprias interpretações e algumas ambivalências.

Especialmente nos momentos em que nós espectadores percebemos que Lars também não parece estar entusiasmado com suas ações, mas simplesmente não consegue parar, fica quase espantado com seus atos certamente nos perguntamos: quanto desespero sobre sua própria escuridão espiritual e humana há nele?

Darkroom apenas sugere onde pode estar a raiz do problema, principalmente no apelo da promotora quando ela se pronuncia. O filme tem outro nível quando amigos e parentes das vítimas ou sobreviventes têm sua opinião. Isso acontece, é claro, na audiência do tribunal, mas também em cenas de entrevista que são quase documentais.

Desta forma, Rosa von Praunheim trabalha repetidamente com proximidade e distância no longa, dando às ações e seus efeitos outra nuance emocional e nos dando mais para pensar, até mesmo processar. Porque a complexidade, ou as ambivalências devem ser suportados para assistir Darkroom. 

Joyland(Paquistão, 2022)

Em sua estreia, Joyland, o cineasta paquistanês Saim Sadiq, venceu o Prêmio do Júri, Un Certain Regard e o Queer Palm, em Cannes. Não é uma história feliz. É uma interrogação agridoce e melancólica da sexualidade e dos papéis de gênero, que dá muitos golpes.

O filme captura a vida de uma família tradicional paquistanesa, com foco em Haider Rana (Ali Junejo), um homem quieto que vive com sua esposa Mumtaz (Rasti Farooq) à sombra de seus familiares. A oportunidade de ser um dançarino de apoio para uma artista trans, Biba (Alina Khan), abre um novo mundo para Haider, que desafiará as normas e expectativas da sociedade para ele e toda a sua família.

Haider (Ali Junejo) nunca consegue agradar seu pai tradicional (Salmaan Peerzada). Enquanto sua esposa vai feliz para trabalhar como cabeleireira (ela gosta de sua independência), Haider fica em casa para cozinhar e cuidar das filhas de seu irmão machista Saleem (Sohail Sameer). Para provar seu valor, Haider precisa desesperadamente de um emprego.

Um velho amigo lhe oferece um show como dançarino de apoio para Biba, uma dançarina exótica transgênero. O Haider perna de pau é imediatamente arrebatado por Biba. Seu despertar ameaça a reputação de sua família e pressiona sua esposa.

Sadiq e a coroteirista Maggie Briggs entendem como fazer um personagem complexo, mas falho, sem difamá-lo. julgá-lo ou absolvê-lo. Haider muitas vezes luta para enfrentar seu pai; ele também cede ao irmão. Tanto assim, ele se curva aos papéis de gênero esperados ao concordar em fazer de Mumtaz uma esposa, dona de casa e tentar ter filhos, dois resultados que ela se opõe.

Mas Haider é covarde e, consequentemente, egoísta. Seu ego o coloca em desacordo com Biba, mesmo quando o casal desenvolve um amor florescente, porque Haider ignora quem ela realmente é. E tudo desaba sobre o personagem de maneiras trágicas e de partir o coração.

Sadiq e o diretor de fotografia, Joe Saade, oferecem composições evocativas em sua história provocativa. A obra também exibe um maravilhoso senso de som, especificamente dinâmico, especialmente durante as sequências de dança.

O que poderia ter sido apenas a saída de um jovem frustrado pelo peso sufocante do patriarcado no Paquistão, torna-se a história mais complexa de vários personagens intimamente ligados por um contexto social onde decisões e não decisões são interdependentes.

Do extravagante melodrama baseado numa doce e maravilhosa aspiração ao amor, o filme ousa a audaciosa crônica de vida de todo um grupo social: o de uma família conservadora em transição. Entre a frágil sororidade e a cumplicidade de sensibilidades colocadas à margem da sociedade, tecem-se elos, avançando a trama ao mesmo tempo em que relembra o peso sufocante de um horizonte patriarcal sombrio.

A história é tão complexa quanto original, conseguindo destacar, numa brilhante síntese, diferentes personagens, vítimas de um quadro social rígido cuja estupidez reacionária irrompe a qualquer momento, desfocando o que realmente sustenta a vida como impulso revigorante e espontâneo para a elaboração da humanidade.

Laços de Amor(Anchor and Hope, Reino Unido/Espanha, 2017)

É depois que o gato morre que se torna impossível esquecê-lo. Sim, elas poderiam conseguir outro, mas não preencheria o vazio em sua vida que Eva (Oona Chaplin) tem lutado para lidar. Ela quer um bebê. Ela sabe que vai ser difícil viver no barco do canal, onde vive, mas não está ali para sempre. E seu amigo Roger (David Verdaguer) está disposto a ajudar, então por que não?

A namorada Kat (Natalie Tena) não tem tanta certeza, mas tenta submergir sua inquietação porque quer que Eva seja feliz. Ela também é próxima de Roger, mas o que funciona muito confortavelmente como uma amizade, mesmo dentro dos limites do barco, começa a deixá-la desconfortável quando começa a se tornar uma família.

Não ajuda que eles não conheçam mais ninguém vivendo em um arranjo semelhante, que eles não tenham modelos. Embora jovens, eles estão todos prontos para serem adultos sobre isso, eles entendem que manter relacionamentos requer sacrifício e esforço contínuo, mas talvez eles não se entendam, ou a si mesmos, tão bem quanto pensavam.

O filme, de Carlos Marques-Marcet, é um retrato lindamente desenhado de uma situação complexa que não recorre às habituais suposições vazias de que nada como isso pode funcionar. Laços de Amor apresenta performances dedicadas de um elenco jovem altamente capaz. 

Tena torna Kat sexy e confiante, mas totalmente dependente de Eva de maneiras que talvez nem Eva compreenda. A neta de Chaplin é cheia de alma e às vezes frágil como Eva, mas desliza muito facilmente para o papel clássico romântico de uma jovem fazendo o trabalho emocional necessário para assumir o controle de seu próprio destino. Verdaguer fornece a maior parte da comédia. Ele também é desajeitado o suficiente para garantir que o drama nunca se transforme em uma paixão óbvia.

Há também uma boa virada com a grande Geraldine Chaplin, a mãe de Oona, na vida real, como Germaine a mãe de Eva, uma hippie envelhecida cuja abordagem cautelosa da situação levanta questões sobre o que é e o que não é possível nas relações humanas, o quanto isso pode ser influenciado pela sociedade em geral e como o mundo está mudando.

A sexualidade nunca é um problema aqui e nunca há uma suposição de que o relacionamento de Roger com as mulheres será diferente de platônico, o que significa que as coisas chatas podem ser deixadas de lado em favor de uma história focada no personagem.

Todo o longa é lindamente filmado, desde uma cena de abertura lenta enquanto o barco passa por baixo de uma ponte de canal até uma cena de fechamento nítida no ar que parece conter quase tanto água como o próprio canal. Se há um rival amoroso neste romance, é o canal. Kat nunca vai querer deixá-lo. Eva anseia por terra firme, e é aí que reside o verdadeiro problema. O amor pode ser grande o suficiente para dar espaço não apenas para várias pessoas, mas para seus diferentes sonhos?

Frida: Viva a Vida(Frida - Viva la Vida, Itália, 2019)

A obra de Giovanni Troilo é um filme intenso, quase dolorosamente reverente, sobre Frida Kahlo, a artista mexicana que – como este documentário parece sugerir – adquiriu o status de uma santa moderna em sua terra, quase tão adorada quanto a Virgem de Guadalupe.

Claro, isso está realmente tomando uma sugestão de Kahlo, que empregou o estilo tradicional de pintura retablo do México para se tornar o tema de uma forma auto-inventada de iconografia religiosa, apoiada por sua vida pessoal tumultuada e perseguida por problemas de saúde.

Qualquer pessoa que não esteja particularmente familiarizada com a cronologia e os detalhes da vida e obra de Frida Kahlo, precisa de uma apresentação. Este filme não tem como objetivo servir como uma introdução ao trabalho, mas comunicar apaixonadamente o que vê como o estado de espírito de Kahlo, conforme retratado em uma série de pinturas importantes.

A atriz Asia Argento foi convocada para falar eloquente para a câmera, dando à lendária artista alguma conexão moderna com a campanha #MeToo. O acesso a alguns dos pertences pessoais de Kahlo é fornecido por uma luva amorosa. vestindo Hilda Trujillo Soto, diretora do museu Casa Azul

O filme é uma mudança interessante em relação à linha do tempo e à abordagem de cabeças falantes das artes visuais. É justo dizer que esse trabalho emocionalmente impressionista turva as águas à medida que corta para sequências simbólicas

Temas-chave no trabalho de Frida Kahlo: o drama de sua dor física, seu senso de teatralidade  e sua capacidade de transformar detalhes anatômicos horríveis em arte simbólica vistos de perto, de dentro do Museu que une a casa dela à do marido, o muralista Diego Rivera, na Cidade do México, a tornam uma artista ainda mais fascinante.

Cola de Mono(Chile, 2018)

Chile, meados dos anos 1980. Os irmãos adolescentes Borja(Cristóbal Rodríguez Costabal) e Vicente(Santiago Rodríguez Costabal) preparam-se para celebrar o Natal. Não há clima festivo em sua casa - a menos que consideremos que seja uma noite juntos com uma bebida forte e um maço de cigarros.

O título é referência a uma bebida tradicional à base de pisco, ovos e cacau. Quando uma mãe viúva mistura pílulas com álcool e adormece na véspera de Natal, seus filhos se jogam na  noite. O mais velho vai em busca do êxtase sexual. O mais novo, Borja, descobre um segredo escondido pelo irmão.

Na produção de Alberto Fuguet - vagamente baseada em suas experiências pessoais - a estrutura estilística e as convenções do enredo se misturam. O diretor brinca com emoções e flerta com gêneros extremamente diferentes, do drama familiar ao slasher, mas os separa claramente um do outro, cada um celebrando separadamente.

O filme é baseado principalmente nas diferenças entre Borja e Vicente. Apesar da idade, o irmão mais novo é independente e mais liberal, e o irmão mais velho tem medo de sua sexualidade. O primeiro deles dança nu e beija a imagem do espelho, enquanto o segundo reza a Deus, prometendo que nunca irá para a chamada caça. Ambos os irmãos são gays, mas isso é tudo que eles têm em comum.

Cola de mono é uma combinação incomum de um filme de amadurecimento e um thriller erótico. Na tela há notas de rodapé de dicionário repetidamente, destinadas a explicar aos espectadores mais jovens o que são jockstraps ou cruising. É a partir delas que conhecemos a receita do drink-título – que vai acertar a cabeça de um dos heróis adolescentes.

O filme é claramente dividido em dois atos, o primeiro dos quais pertence a Borja: um forasteiro, um rebelde incorrigível e um ávido amante de fotografia. O menino é apaixonado pela prosa de Stephen King, e cita filmes de terror e filmes da marca MPAA. 

Fuguet também se inspirou nos giallos italianos dos anos 1970 e 1980, que são determinados, entre outros, por cores saturadas, caindo nos rostos dos personagens e suculento sangue artificial. A atmosfera descolada da realidade harmoniza-se perfeitamente com a narrativa fragmentada e a nudez onipresente, com o cheiro forte de sexo que enche os pulmões, Apesar de seus acentos surreais, continua sendo uma obra naturalista e frugal.

Música para os ouvidos são as canções synthpop de Sebastián Piga. Cola de mono se apresenta como um thriller chileno sobre a intimidade e os horrores da adolescência, sobre o homoerotismo fraterno e, finalmente, sobre o efeito da repressão. 

Chucky 2ª Temporada(EUA, 2022)

Após o sucesso da primeira temporada Chucky, de Don Mancini, está de volta e mais metalinguística do que nunca. Como da vez anterior, a série começa no Halloween, parece um aceno explícito de volta à estreia da série, embora sua representação da homofobia parental seja menos extrema.

Com  o fim da primeira temporada envolvendo Andy (Alex Vincent) sendo mantido sob a mira de uma arma por Tiffany (dublada por Jennifer Tilly) em um caminhão cheio de 72 bonecos Chucky, Jake(Zackary Arthur) e Devon(Björgvin Arnarson), órfãos, são mandados para uma instituição católica, junto de Lexy(Alyvia Alyn Lind), agora viciada em substâncias

A Escola do Senhor Encarnado é mais um componente significativo, ela colocará a religião em debate na série. No entanto, o tempo de Jake no sistema de assistência social reflete as experiências do mundo real da juventude LGBTQIA+ e apresenta um argumento sobre por que uma melhor educação e mais treinamento são necessários.

Tiffany (no corpo de Jennifer Tilly) está tentando forçar a mutilada Nica (Fiona Dourif). Enquanto Nica pode estar tramando com Chucky (Brad Dourif) dentro de sua cabeça, da perspectiva de Tiffany este é um relacionamento saudável. Diante a percepção de Nica é uma relação abusiva.

Para Jake, há algo novo no conceito de perdão, especialmente no que diz respeito a Chucky. É o que o faz impedir Devon de matar o boneco e o faz considerar uma maneira alternativa de lidar com seu algoz. Conhecendo Chucky, isso provavelmente será um erro, mas, por enquanto, é uma ideia intrigante.

No mundo exagerado da série, isso funciona como uma homenagem ao Tratamento Ludovico de Laranja Mecânica(1971), então os olhos do boneco são mantidos abertos por presilhas e ele é submetido a um fluxo constante de vídeos de Meu Querido Pônei. Na superfície, é uma tática divertida de como transformar uma boneco assinado em um Good Guy reiniciado. Sob a superfície é uma crítica aos tratamentos de conversão LGBTQIA+.

Chucky está implacável! O boneco se multiplica, encarna em corpos, apresenta talk-shows e comete crimes sangrentos e absurdos com uma pegada gore e bastante violenta. Visualmente é a consagração do personagem que a cada episódio aparece com uma elaborada inovação.

Damos as boas-vindas à Glen e Glenda (ambos interpretades pelu artista não-binárie Lachlan Watson) pela primeira vez desde sua introdução em O Filho de Chucky(2004). A conversa sobre pronomes no episódio “Death in Denial” obviamente tem um ângulo cômico; zombando das noções ultrapassadas de gênero.

Em vez de se preocupar em incorporar o romance gay perfeito pré-adolescente, Chucky se contenta em deixar Jake e Devon serem um pouco confusos e dramáticos sobre seu relacionamento. A série é cheia de personagens adoráveis ​​e fascinantes, começando por aquele que dá título a atração.

O padre Bryce, Devon Sawa, novamente na série, em outro personagem  nunca diz as palavras ‘eu sou gay’, mas a verdade é que ele não precisa. É claro como o dia, quando ele vê Devon e Jake se beijando e não os interrompe e nem os pune.

A segunda temporada de Chucky começou no Halloween e termina no Natal. O final guarda suas maiores surpresas para Tiffany. A temporada inteira lentamente tirou tudo da encantadora assassina. A vida confortável que ela construiu para si mesma no corpo de Jennifer Tilly enquanto mantinha a real enjaulada em forma de boneca se desfez tijolo por tijolo.

De muitas maneiras, o último episódio Chucky Actually parece mais um epílogo emocionante do que um final. A segunda temporada entregou um passeio insano e evoluiu a franquia de maneiras surpreendentes para a chegada de uma próxima.

Wandinha(Wednesday, EUA, 2022)

A série da Netflix, Wandinha, sobre a personagem do clã Addams imortalizada por Christina Ricci, nos anos 1990, combina com sucesso dois gêneros de uma maneira que faz mais sentido do que a maioria,  a história de amadurecimento adolescente e o enredo de mistério de assassinato. 

Wandinha  está matriculada na Escola 'Never More' para ‘excluídos, esquisitos, monstros’, em cujo pátio central há uma fonte de bronze com a escultura da afogada Ofélia shakespeariana, e outra escultura de Edgar Allan Poe com um livro aberto, contendo enigmas, de importância para a trama, em uma mão, e o famoso corvo na outra.

Os alunos da escola são adolescentes de vários tipos de criaturas fantásticas, como lobisomens, vampiros, gárgulas e sereias que, apesar da marginalidade de seu corpo são tolerados na cidade de Jericó. devido às contribuições que sua diretora Larissa Weems (Gwendoline Christie) faz à cidade -leia-se a compra de políticos

A relutante Wandinha  arruma Enid Sinclair (Emma Myers) como sua companheira de quarto, uma garota licantropa com problemas em assumir sua natureza de lobo, uma sutil alusão ao despertar sexual, sempre identificada com o 'monstro interior'.

Quando um monstro ataca e aparentemente mata um dos alunos na floresta, a série desvenda mistérios, pistas, enigmas e segredos, 'minha mãe diz que segredo é como um zumbi, nunca morre' - envolvendo Gomez e Morticia, bem como o prefeito Noble Walker (Tommie Earl Jenkins), o xerife Donovan Galpin (Jamie McShane), além do antigo fundador da cidade, o peregrino do século XVII, Crackstone, assassino de 'bruxas', enquanto nossa heroína vivencia episódios que mostram que suas qualidades psíquicas estão despertando.

Mãozinha vive e em movimento, é um personagem completo com piadas contínuas sobre cuidados com a pele e manicure, além de um coração (apenas metafísico) próprio. Fred Armisen aparece no episódio sete como Tio Chico fazendo o papel do criminoso careca. E o show brinca com a dinâmica altamente sexualmente carregada entre Morticia (Catherine Zeta-Jones) e Gomez (Luis Guzmán). 

A atuação de Jenna Ortega como a personagem título eleva a série acima da pura nostalgia. Ortega, já familiarizada com o horror, se destaca no papel, inclinando-se para um humor ácido inexpressivo, ainda mais engraçado pela falta de interesse de sua personagem em qualquer coisa que se aproxime do riso.

Dentro da estética única de Tim Burton, os diretores do programa, tiram muito proveito da fisicalidade de Jenna Ortega, particularmente na espetacular cena de dança do ensino médio, onde ela consegue ser dona da pista enquanto permanece fiel à sua natureza sombria. 

A trilha sonora de Danny Elfman é um destaque. Wandinha habilmente toca violoncelo. Há canções de Wolf Larsen, Edith Piaff, Chavela Vargas, Metallica, Dua Lipa, The Cramps, Roy Orbinson e homenagens literárias (Edgar Allan Poe, Mary Shelley e Robert Louis Stevenson), a Carrie a Estranha(1976) e a série animada Scooby-Doo dão o tom sombrio e divertido.

A atração também utiliza enredos adolescentes clássicos para trazer leveza aos seus corredores escuros, começando com a turnê das panelinhas na nova escola de Wandinha. Ao longo do caminho, tudo funciona. O mistério é difícil de descobrir, mas claramente no lugar o tempo todo e conclui satisfatoriamente. A ação é cheia de suspense, com perigo real iminente para personagens simpáticos.  E o comentário social, sobre colonialismo, intolerância e diversidade é gratificante.

E ainda há a maravilhosa participação de Christina Ricci, como a monitora e professora de botânica Srta Thornhil. Ela representa a antítese da personagem de Ortega, é doce, gentil, preocupada, sorridente. Ela volta a trabalhar com Tim Burton, em uma atração sobre a personagem que a consagrou e é fundamental dentro da série.

Somando-se a esses elementos está a evolução de Wandinha ou pelo menos através da angústia adolescente. Ela é extremamente segura de si mesma, mas com muito o que amadurecer. Isso faz dela uma jovem extraordinária e típica, alguém que pensa que sabe tudo enquanto continuamente aprende mais. Ao longo da série, a vemos aprender valores sobre amizade, família, aceitação e gratidão.

É raro ver uma série misturar com tanto sucesso o desenvolvimento de personagens de amadurecimento com ghouls nojentos e sangrentos e um enredo de assassinato em série em cima de tudo. Se há um personagem para quem a morte e a escuridão não pesam, mas são uma parte normal de seus anos de ensino médio, é Wandinha Addams. 

Triângulo da Tristeza(Triangle of Sadness, Suécia/Reino Unido/França/ Grécia/ Dinamarca, 2022)

Há cinco anos, o diretor sueco Ruben Östlund  ganhou a Palma de Ouro por The Square. Este ano ele voltou a cometer o feito com Triângulo da Tristeza, seu primeiro filme em inglês que lida com o poder corruptor do capitalismo, mas também com a mudança de papéis e percepções de gênero e a crise da masculinidade moderna.

O filme abre adentrando nos bastidores do mundo da moda e com uma explanação de corpos masculinos. Somos então apresentados a Carl (Harris Dickinson) e Yaya (Charlbi Dean), que são modelos e influenciadores.

A ação prossegue para uma briga entre Carl e Yaya sobre quem deve pagar a conta em um restaurante caro, que é resolvido por acordo mútuo, com base em que suas carreiras se beneficiam de serem um casal de “celebridades”.

Em seguida eles estão a bordo de um iate de luxo cheio de pessoas extremamente ricas e uma tripulação pronta para atender a todos os seus caprichos com a perspectiva de uma gorjeta  gentil compartilhada no final da viagem. O jovem casal conseguiu o cruzeiro gratuitamente através de seu poder nas mídias sociais.

Com um diretor e roteirista ligado a jornadas de autodescoberta, Triângulo da Tristeza parte dos espaços hipermodernos da elite urbana para embarcar em um cruzeiro de luxo, que é uma vitrine privilegiada em partes iguais para a velha e a nova riqueza (um alvo rico rejuvenescido, pelas mídias sociais, o que não os isenta da idiotice). Östlund trabalha em um espaço de férias onde os dias são planejados ao milímetro para que tudo seja agradável, 'gourmet', simplesmente maravilhoso.

E com um Woody Harrelson bêbado em seu elemento lacônico como capitão a bordo, o que poderia dar errado? O navio navega em uma tempestade que dá a Östlund a desculpa perfeita para se soltar durante o jantar oferecido pelo capitão, quando os passageiros imundos e ricos em toda a sua elegância proporcionam um momento catártico.

O terceiro ato volta ao seu estado de natureza (também literalmente), com a entrada de Abigail (Dolly De Leon). Eles e reorganizam em um novo sistema político. Östlund zomba daqueles que afirmam que 'somos todos iguais' enquanto, nos momentos finais, ele se dá um tapinha nas costas e diz a si mesmo que classe, gênero e cor não importam, porque todos somos feitos da mesma matéria.

Östlund oferece algumas falas e situações incrivelmente engraçadas e obviamente adora o esforço coletivo de levar seu público para o passeio no que é uma montanha-russa dos efeitos do poder supremo corrompendo em absoluto.

Corsage(Áustria/Luxemburgo/Alemanha/França, 2022)

A realeza e o pedestal-prisão da feminilidade são o tema do filme da realizadora austríaca Marie Kreutzer, de O Chão Sob Meus Pés(2019), que imagina a vida doméstica da imperatriz dos Habsburgos, Elizabeth da Áustria, em 1877, ano do seu 40º aniversário. Como Maria Antonieta, de Sofia Coppola ou a princesa Diana, de Pablo Larraín, Sisi vive em um luxuoso delírio de solidão.

Elizabeth é brilhantemente interpretada por Vicky Krieps, premiada em Cannes, como misteriosa e sensual, imperiosa e severa: uma mulher de paixões e descontentamento que enfrenta aversão gelada da corte e da família de seu marido infiel, Franz Joseph (Florian Teichtmeister), isso é por causa de sua simpatia por a parte húngara do império dos Habsburgos e sua intimidade com o mundano conde Andrássy (Tamás Lengyel).

Servas e funcionários vienenses sorridentes impugnam suas lealdades austríacas enquanto envergonham o corpo de Elizabeth, todos os dias ela enfrenta a luta literal e figurativa para caber em seu corpete e chegar a terríveis 45cm ao redor da cintura.

Toda a vida de Elizabeth é velada, e o filme vê seu estilo de vestimenta e existência quase como uma variação do luto da corte. A obra a mostra vivendo em uma série de salões enormes e frios e salas de jantar sombrias, das quais ela se refugia em banheiros, submetendo-se a vários regimes de perda de peso automutilantes.

Além disso, Kreutzer escreveu o roteiro. Ela examina os muitos escândalos em torno da Imperatriz, incluindo casos de ambos os lados do leito conjugal, festas decadentes e a suposta anorexia nervosa e comportamento suicida. A política nacional também é discutida com a situação explosiva em torno dos sérvios no Império, eventualmente o gatilho para a Primeira Guerra Mundial.

A diretora se diverte com o uso de truques. A julgar pelos muitos anacronismos em Corsage, certamente não é um reflexo preciso e direto da realidade histórica. Além da trilha, por exemplo, há um servo com um aspirador de pó num quadro.  

Seu famoso cabelo, que chega até os tornozelos, simboliza o peso de seu papel, determinado a ser decorativo. A verdadeira Sisi se descrevia como uma "escrava" de seu cabelo, que levava várias horas para cuidar todos os dias. A fictícia Sisi apenas os corta em algum momento como forma de libertação.

Embora claramente contada dentro de um universo de privilégios, Corsage ressoa com o discurso atual sobre a hiper-visibilidade e invisibilidade feminina e a não conformidade dos papéis implícitos de gênero e envelhecimento. Sisi não aceita restrições, desafia as regras, quer moldar o mundo às suas ideias.