Climax(França/Bélgica/EUA, 2018)

Em 1996, vinte dançarinos franceses se juntam para um ensaio de três dias para uma turnê nos Estados Unidos em um internato fechado no meio do campo, e terminam com uma festa. Alguns estão em relacionamentos uns com os outros, alguns só querem fazer sexo com os outros, um deles até tem seu filho pequeno presente. Alguns se dão bem, outros não. Mas todo mundo parece querer dançar ao som das músicas que estão sendo tocadas pelo DJ Daddy. No entanto, de repente torna-se aparente que alguém tinha batizado a sangria com LSD ou alguma outra droga.

Supostamente baseado em um esboço de uma única página, sobre uma lenda urbana de uma festa de dança onde o soco foi cravado com LSD, Clímax, de Gaspar Noé, é um golpe duro. Sua narrativa de forma livre flutua entre os protagonistas, seguindo-os por meio de planos prolongados de câmera fixa em um formato episódico. 

O macrocosmo é mais importante do que qualquer pessoa em particular. Ao permitir um contraste com as sequências anteriores sonhadoras, Noé encapsula perfeitamente o momento em que a sala começa a girar. E gira. À medida que a noite avança, a câmera onisciente gira e gira por todo o lugar, a ponto de enjoar, passando para diferentes grupos de pessoas. É desorientador, hipnótico e totalmente imersivo.

É uma orgia de música e dança; um pulsar martelando aos sentidos. Noé nos seduz para o mundo de uma experiência trepidante e desorientadora através de sons que batem o coração, música groovy e a enxurrada de visuais desconcertantes, que posteriormente desembocam em um caos alternado entre uma bad trip frenética e o drama humano sinistro sob a influência de drogas. 

A trilha sonora perfeitamente estruturada mistura os sons familiares de nomes como Daft Punk, Soft Cell, Giorgio Moroder e Aphex Twin com faixas mais sombrias, mais industriais, mais claustrofóbicas que servem bem como sublinhar as canções como personagem.

Quase não há um enredo. É um A Divina Comédia. de Dante, ao contrário. No entanto, a experiência é tão fascinante que mantém a narrativa direta e sem esforço, reforça com a energia frenética e a dinâmica entre os personagens. Na experiência Satanás dança no inferno ao som do mestre Gaspar Noé.

Dear David(EUA, 2023)

Adam (Augustus Prew) trabalha para o BuzzFeed, ele tem um namorado, Kyle (René Escobar Jr.), luta para impressionar seu chefe, Bryce (Justin Long), no trabalho, e mora sozinho. Depois que ele responde "GDIF" (Go Die in a Fire) a um troll online, ele experimenta paralisia do sono e atividade paranormal dentro de seu apartamento, enquanto o fantasma de um garoto chamado David o assombra. Qualquer pessoa que interaja com David online só pode fazer-lhe duas perguntas; quaisquer outras levarão à sua morte.

Um prólogo estabelece o menino, obviamente chamado David (Cameron Nicoll), e sua obsessão por uma internet florescente durante a década de 1990. Ele sofre bullying online por algumas pessoas anônimas, e depois disso, sua alma infecta a rede mundial de computadores, levando a alguns fóruns e contas online com o nome "Dear David".

Vagamente baseado em uma thread real do Twitter, um dos temas aqui é um aviso sobre o uso do anonimato e o reino impessoal da internet para insultar ou prejudicar intencionalmente os outros. E tudo bem, essa é uma boa lição.

John McPhail, de Anna e o Apocalipse(2017), é o diretor com roteiro de Evan Turner e Mike Van Waes. Como já mencionado, o filme é baseado na thread viral do Twitter do quadrinista Adam Ellis, do BuzzFeed. Eles optaram por pegar esse tópico e a origem do artigo e incluí-lo muito diretamente no filme. Não há necessidade de mudar seu nome ou a HQ pela qual é conhecido.

O que facilmente poderia ter sido um típico filme de gênero procurando inspirar uma franquia, entrega um conto baseado em personagens que apresentam um arco de história que é influenciado pelos elementos sobrenaturais. Não é um estudo de personagem tão aprofundado, nem reinventa a roda, mas é no mínimo interessante.

O Animal Cordial(Brasil, 2017)

Funções diárias no restaurante La Barca: A equipe da cozinha, incluindo o chef Djair (Irandhir Santos), que está insatisfeito com as condições de trabalho. Os garçons estão exaustos e tensos, com Sara (Luciana Paes) em particular se atormentando através de um estado que combina degradação externa e autodesprezo interior, enquanto o chefe do restaurante, Inácio (Murilo Benício) finalmente quer receber sua primeira estrela Michelin, mas tem que colocar a realização desse desejo nas mãos de seus funcionários. 

Depois de não apenas dois clientes rudes, capitaneados por Camila Morgado, se perderem em La Barca pouco antes do horário de fechamento e quererem ser tratados com o melhor vinho e uma delícia culinária extraordinária,  também dois jovens tentarem esvaziar a caixa registradora a mão armada, Inácio saca uma pistola e, sem cerimônia, atira no peito de um dos ladrões.

A situação se agrava, mas o tiro foi apenas o começo e O Animal Cordial progride passo a passo na natureza sombria do homem, que foi trancado atrás das conchas domesticadas da civilização. Inácio une forças com Sara, assumindo o controle aparente da situação, enquanto os demais são intimidados, ameaçados e imobilizados. 

A diretora Gabriela Amaral Almeida fala sobre o poder e suas formas divergentes. O homossexual, interpretado pelo magistral Irandhir Santos, é oprimido, ele sofre assédio moral, mas possui um ímpeto, que apesar de toda a carnificina caracteriza a esperança no filme. Ele é o Chef.

Inácio, que vê seu orgulho masculino ferido por não conseguir ser criativo para iniciar o sucesso pessoal sozinho, finalmente tem a oportunidade de tornar as pessoas dóceis com a arma na mão. Sara, que é oprimida e explorada, até por ser mulher, se apega a Inácio para, aos poucos, criar uma plataforma para si mesma que lhe dê influência, respeito e força.

O retorno aos instintos primordiais, ao original e ao reprimido, cristaliza uma lei do selvagem na demarcação local da cozinha, cativeiro e depósito, que representa o microcosmo de um Brasil atual,  na qual Inácio sucumbe impiedosamente a seus criados no decorrer da história.

O Animal Cordial não é apenas um jogo de poder de gênero, mas também uma reflexão crua e sugestivamente organizada de realidades sociais, em que a luta de classes flui tanto quanto os conflitos sexistas. O que une todos os personagens é a sua carne. 

Destaque para a conceituada diretora de fotografia uruguaio-argentina Bárbara Álvarez, cujo filme mais famoso entre sua impressionante filmografia talvez seja o uruguaio Whisky(2004). Ela não se coíbe de usar espelhos como metáfora para aumentar a consciência de personalidades duplicadas. Ela também usa o espaço de forma quase teatral para demarcar diferentes zonas da política interpessoal, seja entre estranhos ou colegas de trabalho.

Feral(EUA, 2017)

Seis estudantes de medicina partem para a floresta para um acampamento longe da agitação da faculdade. A líder de fato de seu pequeno grupo é a hematologista Alice (Scout Taylor-Compton, de Halloween, de Rob Zombie), e quando a noite chega a conversa noturna gira principalmente em torno de se seu romance com a recém-chegada Jules (Olivia Luccardi).

No momento em que todos estão adormecendo, um grito ecoa pela floresta, todos saem de suas barracas para ver o que está fazendo tanto barulho. Há algo lá fora na escuridão, uma criatura que tem fome de carne humana, Alice e seus amigos todos alvos potenciais para este animal afundar seus dentes.

O diretor e coroteirista Mark H. Young compõe uma história que verifica a maioria dos contos de zumbis como metáfora para infecção viral por sua oferta de terror sangrenta Feral.

Eventualmente, Alice e seus amigos sobreviventes se veem presos dentro da cabana de um caçador curiosamente útil chamado Talbot (Lew Temple), todos eles forçados a fazer o que for preciso para viver a noite enquanto também esperam que eles não acabem jantando para uma dessas coisas ou, pior ainda, transformados em uma cortesia de arranhão ou mordida.

O filme, apesar da representatividade, é desprovido de qualquer originalidade.  Por mais louvável que isso possa ser, e por mais crível que seja em seus respectivos papéis como Taylor-Compton e Luccardi provam ser, a falta de algo que se assemelhe a uma surpresa é um obstáculo muito grande para o filme superar.

A natureza da ameaça, as intenções potencialmente nefastas de Talbot, a ordem em que os personagens são infectados ou completamente mortos, tudo isso segue um padrão previsível, mas, no entanto, não estragam a diversão do filme que tem uma boa direção a seu favor.

Carmilla(Reino Unido, 2019)

A diretora inglesa Emily Harris filmou a última adaptação cinematográfica do clássico romance de Joseph Sheridan Le Fanu, Carmilla.  A trama se concentra em Lara Bauer (Hannah Rae), de 15 anos, que cresce no século 19 em uma cidade rica, mas bastante solitária, sem mãe.

Seu pai, muitas vezes ausente (Greg Wise), colocou a criação de sua filha nas mãos da governanta Miss Fontaine (Jessica Raine). Quando a estadia planejada de outra garota é cancelada porque ela está doente, Lara fica inconsolável. Mas logo depois, após um acidente de carro, outra garota (Devrim Lingnau) é levada para dentro de casa. Ele não menciona seu nome, possivelmente por motivos de perda de memória, e é por isso que Lara dá a sua nova companheira o nome de Carmilla.

Uma atração misteriosa emana da ruiva Carmilla (mas talvez as duas garotas simplesmente se apaixonem). Isso não passa despercebido pela senhorita Fontaine. A governanta suspeita que Carmilla seja uma vampira!

A designer de produção Alexandra Walker, que esteve envolvida em três filmes de "Harry Potter" como diretora de arte, e o figurinista vencedor do Oscar John Bright fornecem cenários requintados. Em um ritmo narrativo lento, Emily Harris encena uma história de amadurecimento como terror gótico romântico.

Os elementos de terror são comedidos. O maior horror é desdobrado pelas restrições puritanas impostas a Lara por Miss Fontaine, incluindo golpes nas mãos. Lara anseia por quebrar esses constrangimentos sociais e encontrar-se. Também para encontrar sua sexualidade.

A atração erótica que as duas jovens desenvolvem uma pela outra não é de forma alguma uma contribuição construída para o debate de gênero e diversidade de hoje, mas é coerentemente retirada do romance – embora seja formulada ali de forma muito mais contida devido às condições sociais da época.

Com seus sons eletrônicos, a trilha sonora contrasta com o cenário histórico do filme. Foi escrita por Philip Selway, baterista da banda britânica Radiohead. Um delicioso contraste com os acontecimentos, que se estende do arco ao aqui e agora e dá independência a "Carmilla".

A chegada de Carmilla, mais do que o vampiro predador da história de Le Fanu, aqui é um gatilho para uma longa batalha entre repressão e liberdade individual.  Carmilla, que não tem nome até que Lara lhe forneça um, é quase uma resposta construída às restrições da casa. Lara vê sua amizade com Carmilla como libertação.

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Acampamento Sinistro(Sleepaway Camp, EUA, 1983)

 Acampamento Sinistro, de Robert Hiltzik, nos leva a um passeio selvagem e transgressor que culmina no plot twist mais chocante e controverso de um filme slasher. O longa acompanha Angela Baker(Felissa Rose), uma adolescente tímida e introvertida. O passado traumático de Angela é revelado através de flashbacks, mostrando que ela perdeu seu pai e irmão gêmeo em um trágico acidente de barco anos antes. Depois de perder sua família, Angela é enviada para viver com sua excêntrica tia e seu primo protetor. Tia Martha(Desiree Gould) faz um discurso estranho sobre como será um verão maravilhoso antes de empurrar os dois jovens adolescentes para o acampamento.

Ao chegarem ao Acampamento Arawak, Angela se torna alvo de ridicularização e bullying de seus colegas, bem como de alguns membros da equipe. Ela se recusa a falar com qualquer pessoa, exceto o primo, Ricky (Jonathan Tiersten). O cozinheiro do acampamento tenta molestar Ângela, apenas para ser severamente queimado por uma panela de água fervente. Embora tenha sido claramente intencional, o proprietário do acampamento, Mel(Mike Kellin), tenta minimizar o incidente. Mas, à medida que o verão avança, uma série de assassinatos horríveis e misteriosos atormentam os campistas e funcionários.

Naturalmente, Mel fica cada vez mais paranoico sobre a reputação de seus negócios e suspeita que Ricky seja o assassino. Enquanto isso, um campista chamado Paul(Christopher Collet) desenvolve um interesse romântico em Angela, e eles compartilham um beijo, o que alimenta ainda mais as fofocas do acampamento. À medida que a contagem de corpos aumenta, a polícia começa a procurar os campistas desaparecidos, apenas para fazer uma descoberta genuinamente chocante.

Neste ponto, você provavelmente está se perguntando como Acampamento Sinistro se qualifica como um filme de terror LGBTQ+,  por isso se não assistiu NÃO PROSSIGA. Grande parte disso tem a ver com o final. O plot twist é infame: Angela é revelada como transgênero da maneira mais gráfica e estranhamente assustadora possível.

Mas essa não é a única razão pela qual Acampamento Sinistro se enquadra no subgênero queer..Não podemos deixar de notar os shorts curtos, abdomens trincados em croppeds e traseiros masculinos em um banho de lago noturno. Claro, estamos nos anos 80, e os homens usavam shorts apertados, mas em um gênero que objetifica quase exclusivamente o corpo feminino para o público masculino heterossexual, a objetificação do corpo masculino surpreende. 

Todo o filme é uma metáfora para as ansiedades adolescentes e as provações de crescer. É igualmente uma alegoria sobre como a sociedade impõe papéis e estereótipos de gênero em uma medida prejudicial. 

O policiamento de gênero leva Angela ao isolamento, deixando-a ainda mais vulnerável a todos aqueles predadores à espreita, finalmente deixando-a com uma opção: assassinato.  Acampamento Sinistro não é o auge do esclarecimento sobre os estudos de gênero, também não está tentando fazer com que alguém transgênero seja um assassino, uma aberração ou qualquer coisa nesse sentido. É uma escolha narrativa, e não é a primeira vez no cinema que ela é tomada.

A história é simbólica do processo violento, brutal e implacavelmente confuso pelo qual tantas pessoas passam enquanto lidam com as difíceis idiossincrasias de crescer questionando o gênero simultaneamente.

O Samurai(Der Samurai, Alemanha, 2014)

Uma aldeia rural alemã torna-se o lar de um lobo supostamente cruel que fez da floresta seu novo solo. Um policial de olhos brilhantes e sério, Jakob (Michel Diercks) está determinado a resolver a situação, mas acaba encontrando um homem estranho não identificado em um vestido (Pit Bukowski). Jakob deve derrotar esse maníaco assassino antes que sua vila seja fatiada.

O Samurai, do diretor Till Kleinert, é sobre um maníaco homicida empunhando uma katana e usando um lindo vestido branco. Ele está lentamente destruindo a comunidade e a sanidade do policial Jakob, cujas tentativas obstinadas de capturá-lo e subjugá-lo lentamente se tornam uma obsessão.

O jogo é de gato e rato entre Jakob e o Samurai, enquanto o primeiro tenta deter a mutilação e morte do segundo torna-se quase uma dança. Eles se movem juntos por florestas escuras, iluminadas apenas pela tocha policial em algumas cenas incrivelmente atmosféricas.

Dierks faz o papel de Jakob com toda a facilidade, arrancando o comportamento de um policial não comprometido, cujo estado mental lentamente desmorona em um estado de medo e obsessão de uma maneira totalmente cativante. Bukowski é hipnotizante em seu papel como o Samurai, com caos e instintos animalescos do Coringa; e também elementos de A Noiva, de Kill Bill, de Tarantino.

No entanto, o personagem titular transcende uma mera homenagem, sendo uma entidade totalmente realizada e arrepiante por direito próprio, movendo-se ferozmente e silenciosamente, aparecendo aqui e ali na floresta enquanto o infeliz Jakob tenta caçá-lo. À medida que a trama avança, tanto o espectador quanto Jakob começam a questionar o quão real O Samurai é e o quanto disso é uma espécie de conto de fadas ou pesadelo.

Nem por um momento a ação cessa.  Lindamente executado, O Samurai contém alguns momentos de cinema alegremente sombrios e aterrorizantes. Uma obra de energia sexual tensa e palpável.

O Samurai é sobre ultrapassar limites. Seu anti-herói homônimo é tão perigoso, acorrentado quanto armado, constantemente tentando extrair algo que Jakob há muito mantém enterrado, seja sua sexualidade ou uma raiva assassina nascida de anos de tormento. 

O Internato(Boarding School, EUA, 2018)

Boaz Yakin escreveu e dirigiu O Internato.  Jacob(Luke Prael) é apenas um menino introvertido no meio da puberdade. Esta é uma fase difícil da vida, que impõe grandes desafios, especialmente para os pais. À noite, o menino acorda encharcado de suor porque é atormentado por pesadelos. Não é um momento fácil para a mãe, que não consegue mais dormir por causa dos gritos do menino.

Mas o destino não é gentil com o garoto. Quando a avó morre de repente, os pais não sabem o que fazer. O adolescente refugia-se em seu próprio mundo para poder processar golpes dolorosos do destino. Esse é um dos principais motivos pelos quais o excêntrico é enviado para um internato. 

Lá ele deve aprender a voltar ao caminho certo. Infelizmente, os diretores escolares usam seus próprios métodos para disciplinar os alunos. Em vez de livros didáticos, há livros sobre Deus. E quando se trata de castigo, os professores tendem a confiar em métodos conservadores. Fatos que os jovens logo questionarão, pois aparentemente há algo de errado com essa escola particular.

O Internato é sobre pessoas de fora que estão procurando o porquê e a si mesmos em uma escola. Por que eles estão aqui? Por que os professores se comportam de forma tão estranha? O diretor faz um segredo de sua história. Ele joga várias ideias.  Há um conto de amor adolescente, assassinatos sangrentos, uma busca pela própria identidade, flashbacks nazistas e segredos sombrios.

O filme lida com muitos temas emocionais. Entre eles: a decepção dos pais, o bullying e a busca pela própria identidade de gênero. Jacob se sente orgulhoso ao colocar o vestido da avó. O foco é em uma história de amadurecimento que foi expandida com elementos de terror.

Yakin fez um filme sobre monstros onipresentes e a luta contra eles, que pode transformá-lo em um também. O bem e o mal dificilmente podem ser separados um do outro, em O Internato, já que o filme de terror mostra um mundo em que não há espaço para o bem.

The Loneliest Boy in the World(Reino Unido, 2022)

 

O filme do diretor Martin Owen, The Loneliest Boy in the World, protagonizado por Max Harwood, conhecido por sua performance transformadora no musical, Everybody's Talking About Jamie, canaliza o deslocado em todos nós através de sua representação do problemático e bondoso Oliver, que só precisa de um amigo. 

Lindamente filmado em tons pastéis, com muito rosa e lilás, o filme é ambientado em Hubris, EUA, em outubro de 1987. Dois funcionários do Serviço Social, Margot (Ashley Benson) e Julius (Evan Ross),  estão monitorando de perto o problemático Oliver, recém-saído de um instituto psiquiátrico, ele ainda não superou o "acidente" que tirou a vida de sua mãe. 

Agora, aos 18 anos, ele mora na casa de uma família, assistindo atentamente a todos os programas favoritos de sua mãe na televisão para que ele possa visitar seu túmulo e contá-los em detalhes minuciosos. Mas, Margot e Julius trazem más notícias.

Em apenas sete dias, se Oliver não conseguir provar que está de mente sã e pelo menos tentar fazer amigos, Julius o mandará de volta para o reformatório. "Seja natural, seja verdadeiro, seja você", aconselha Margot. 

Oliver sendo o estranho peculiar que ele é torna-se alvo de vários valentões pela cidade. A nova garota Chloe (Tallulah Haddon) se conecta com Oliver fugazmente antes que ele compartilhe a história bizarra do falecimento de sua mãe. O flashback que mostra o ocorrido é um dos melhores momentos do filme.

O aparelho de TV de Oliver acaba ficando estranho durante um episódio de Alf, deixando-o sozinho em uma casa grande assistindo à televisão estática. Ele ouve uma mãe de luto chorando por seu filho, Mitch (Hero Fiennes), após seu trágico acidente de carro. Ela diz que ele era "amigo de todo mundo", e esse elogio desperta uma ideia dentro de Oliver, que desenterra o cadáver para fazer amizade.

O humor situacional com esse cadáver, e as situações de luto, é extremamente eficaz . Quando Oliver se liga ao corpo de Mitch, ele percebe que finalmente encontrou alguém para ouvi-lo. Isso o levará à sua próxima grande ideia. Uma nova família, incluindo a mãe, o pai, a irmã e um cachorrinho.

Com os corpos em decomposição, Oliver pode, no entanto, ter finalmente encontrado o amor e a aceitação de uma família que sempre desejou ter. Injetando esse poderoso elemento de realismo mágico, o roteiro, de Piers Ashworth eleva The Loneliest Boy in the World a um território memorável, caprichoso, quase de Tim Burton, mas em tons de rosa.

Piaffe(Alemanha, 2023)

A artista visual e cineasta Ann Oren usa a forma cinematográfica para estimular sensações, transmitir erotismo e analogar a experiência trans, em Piaffe, uma espécie de continuação de sua instalação de vídeoarte Passage.

Quando sua irmã mais velha, Zara (Jaikiriuma Paetau), sofre um colapso nervoso e é enviada para uma instituição, Eva (Simone Bucio) a substitui no trabalho para um comercial com cavalos. Ela visita um estábulo e logo começa a cultivar uma cauda antes de começar um relacionamento sexual com Novak (Sebastian Rudolph), um botânico.

A atriz mexicana Simone Bucio é perfeita para o papel. Ela já havia trabalhado em um filme que explorava os lados mais animalescos e fetichistas do sexo (A Região Selvagem, de Amat Escalante) e entende muito bem o que Oren procura transmitir. Através de pouquíssimos diálogos e tendo seu corpo como sua principal ferramenta, Eva passa da timidez à sensualidade absoluta de forma gradual.

Isso é apoiado pelas escolhas estéticas de Oren, que transforma o filme quase em uma experiência tátil. A textura do celuloide de 16 mm, imagens de samambaias se abrindo de forma semelhante a uma ereção, arreios de cavalo e mesmo as luzes neon, tudo é feito para estimular eroticamente o espectador sem mostrar explicitamente atos sexuais. 

Piaffe é um filme que coloca sua técnica a serviço de uma experiência imersiva que explora o desejo para além do gênero ou mesmo do humano. Mesmo as samambaias e o cavalo real fazem parte do trabalho delicada e meticulosamente pensado e não se reduzem a objetos ou a uma estética pura.

Assim, o filme também leva tempo para traçar paralelos com o desenrolar de novas folhas de samambaia, o acenar da cabeça quando o cavalo galopa e o rabo de cavalo de Eva, inicialmente pequeno, que a princípio parece uma nova planta saindo da terra e depois se torna um símbolo fálico. O rabo de cavalo não só continua sendo um fetiche e lugar de um crescente desejo erótico, mas também se torna um símbolo do próprio reconhecimento.

A constante transição corporal de Eva, juntamente com a fisicalidade quase simbiótica de sua irmã, por um lado, mas também atuando na direção oposta, por outro, também aproxima o filme das discussões políticas atuais que querem forçar corpos trans a normas e caminhos binários e ordens supostamente biológicas. Os corpos de Eva e Zara se rebelam contra isso, rejeitando totalmente a ideia de normatividade.

Seita Mortal(Red State, EUA, 2011)

A história em que o filme se baseia é inspirada na seita chamada Igreja Batista de Westboro, liderada por Fred Phelps, um homofóbico recalcitrante que também acusou todo o seu país de indigno com homossexuais. 

Neste filme a manipulação do ser humano é magistralmente representada. Através da palavra, com sermões fantasticamente inflamados, chega-se a um paroxismo, a uma comunhão perfeita entre o absurdo e o terror, que leva ao limite que um ser humano pode chegar: o assassinato.

Três jovens querendo sexo fácil, fazem contato através de uma propaganda com uma mulher madura que os atrai para sua casa. Lá, os adolescentes, encontrarão outra coisa, serão, por assim dizer, um ponto em uma trama sombria e sinistra.

Estranhamente dirigido pelo descontraído Kevin Smith o filme é tão eficaz que brinca perfeitamente com a idiossincrasia da América. O roteiro é correto e quanto ao ritmo é um pouco irregular na apresentação das situações, muito minucioso em algumas cenas e muito superficial em outras.

Quanto às interpretações estão todas no lugar, destacando-se, evidentemente, a de Michael Parks, como líder da seita, incluindo uma dicção calma, manipuladora e muito original. John Goodman, desempenha um papel bastante empenhado e difícil.

As cenas de ação são bem filmadas e eficazes, com alguns movimentos de câmera nas perseguições bastante interessantes. A fotografia é notável em termos das diferentes exposições, sendo muito brilhante na maioria das cenas, mas conseguindo uma atmosfera sombria e escura nas cenas externas.

Liuben(Bulgária/Espanha, 2023)

Victor(Dimitar Nikolov), de 27 anos, que está voltando da Espanha para sua casa de infância na Bulgária para o funeral de seu avô, decide ficar o verão. Ao se reconectar com seu pai e o modo de vida da aldeia, ele inesperadamente encontra o amor em Liuben(Bojidar Iankov Asenov), um garoto cigano de 18 anos. Apesar de suas diferenças e dos conflitos que os cercam, eles encontram refúgio um no outro em meio a uma trama que os envolve devido à decisão da namorada de Liuben sobre o que ela fará com seu bebê quando ele nascer. 

Um ponto a favor de Liuben e que se torna um elemento contextualizador fundamental é a representação do povo búlgaro. Há uma insistência por parte do diretor, Venci Kostov, em mostrar a cidade, seu povo, sua cultura. Mas, em particular, o grupo étnico cigano, tão exclusivo e discriminado. Victor se interessa por isso e aumentará sua curiosidade sobre Liuben.

Além de refletir esse cenário social pelos olhos de Victor, a homossexualidade é um tema que está no centro. Ambos os personagens, Victor e Liuben, compartilham suas culturas, apoiam e precisam um do outro. Cresce uma amizade que levará Victor a adquirir uma confiança em Liuben que as pessoas próximas a ele rejeitam pelo simples fato de ele ser um jovem cigano.

Liuben é um exercício claro de cinema independente e de baixo orçamento, que começa com uma pequena história, mas mergulha na trama para nos fazer refletir. Seu estilo, com o uso de música instrumental sutil, o uso momentâneo de câmera lenta ou o compromisso com paisagens , dá o tom.

No entanto, a construção da relação entre os protagonistas permanece no meio do caminho, estagnada. Dá a sensação de que um possível romance está se formando, mas ao mesmo tempo a forma de apresentar os fatos é difusa, não se conectando totalmente com o espectador.

Vendido como uma das primeiras produções LGBTQIA+ da Bulgária, o filme pretende mostrar um mundo onde ainda há muito para melhorar em um país onde ainda há muita discriminação contra a liberdade sexual. A corrupção de políticos, o tráfico de crianças e a opressão de grupos étnicos ciganos de países, como a Turquia, também estão muito presentes.

Rebecca(EUA, 1940)

 

Em 1940, o mestre Alfred Hitchcock chegava aos Estados Unidos com Rebecca, uma adaptação do romance homônimo, de Daphne du Maurier, incrivelmente fiel à obra literária original e seus controversos subtextos. Uma história de amor gótica dominada pelo suspense, além disso, entrega um romance heterossexual fracassado.

Uma das personagens mais memoráveis do filme, a Sra. Danvers(Judith Anderson), oferece mensagens escondidas aos espectadores LGBTQIA+ dos anos 40. Desafiando o código de censura, a teoria queer se manifesta em Rebecca através do afastamento da heteronormatividade e da relação de poder convencional entre homens e mulheres.

A ausência de Rebecca torna possível o filme retratar o contexto proibido da homossexualidade através das emoções dos personagens. Levando a nova Sra. De Winter(Joan Fontaine) para um tour íntimo pelo quarto de Rebecca, a Sra. Danvers lembra como sua musa costumava contar suas histórias enquanto se despia.

Quando a Sra. Danvers fala sobre Rebecca, ela tende a olhar para longe e muda de tom. Essas pequenas mudanças de comportamento poderiam significar um forte apego emocional entre a Sra. Danvers e sua amada.

Mrs. Danvers demonstra a rotina diária de Rebecca para a nova Mrs. de Winter, agora a esposa de Maxim(Laurence Olivier). Independentemente de sua posição subordinada, a Sra. Danvers manipula a nova Sra. De Winter por sua extrema obsessão e lealdade para com Rebecca De Winter. 

Manderley mostra a presença assombrosa de um sistema patriarcal fracassado que leva os personagens à loucura e à hipocrisia. Apesar de sua tentativa de restaurar a masculinidade e o controle, exigindo sua nova esposa, Maxim é emasculado por seu medo em relação a Rebecca.

Adotando o emprego de uma esposa servil, a nova senhora tenta se encaixar no mundo de uma família rica devido ao medo de perder o marido. Ao descobrir as impressões das pessoas em relação à falecida primeira esposa de Maxim, ela se vê como uma estranha a essa família. Ela é uma substituta falha que não poderia fazer jus ao nome da amada Rebecca. 

Em Rebecca, a tipologia de personagens revela a percepção comum da homossexualidade na época. As aparições fantasmagóricas da Sra. Danver na mansão contribuem para sua espiritualidade sinistra em sua personagem. A Sra. Danvers perdeu-se no dia em que Manderley perdeu a mulher que a animava.

Harvest Lake(EUA, 2016)

Há muito sexo, em todas as variações, em Harvest Lake, terror cósmico de Scott Schirmer. O filme acompanha um grupo de amigos que  vão para a floresta comemorar o aniversário de Ben (Dan Nye). Ben, sua namorada Cat (Tristan Risk), e seus dois amigos Jennifer (Ellie Church) e Josh (Jason Crowe), acham que estão em um passeio simples, no entanto, a floresta e o lago próximo são tudo, menos comuns. Eles detêm uma força misteriosa e avassaladora que logo assumirá o controle.

A mudança do tom normal de amigos interagindo uns com os outros para o estranho e misterioso é tratada de uma maneira única. Os personagens, na maior parte do tempo, nem percebem o que está acontecendo com eles. O poder e a influência da selva muda a forma como pensam e agem. Tudo gira em torno de uma intensa energia sexual com uma forma alienígena ou monstruosa que quer usar os campistas para seus próprios propósitos.

É uma configuração intrigante,  Harvest Lake, em sua maior parte, marginaliza completamente a violência e faz do sexo o verdadeiro ponto focal. Certamente, esta não é a única vez que um filme de terror faz isso.

Atmosférico, o filme mistura momentos com os amigos que de repente se tornam intensos e líricos. É uma justaposição eficaz que se configura para o que vem a seguir. O uso de música e imagens revelam um design habilidoso e atraente.

O filme também vem com um grau substancial de conteúdo gay, muito é feito a partir da cena em que Kevin Roach é introduzido durante o jogo de fogueira de Verdade ou Consequência, quando ele escolhe beijar Dan Nye em vez de Ellie Church, além dos tentáculos alienígenas em formato fálico.

Harvest Lake pode não agradar a alguns, mas não há como negar que é único. E essa é uma boa palavra para descrever Scott Schirmer. Na paisagem indie, um suposto refúgio para a liberdade criativa, a maioria dos cineastas de gênero se contenta em apenas manter suas influências. Schrimer, no entanto, está esculpindo histórias que, tematicamente e visualmente, vão além de onde muitos estão dispostos a ir.