A Solidão que nos Une(Glue, Argentina/Reino Unido, 2006)

Cheio de hormônios furiosos, o roteirista e diretor Alexis Dos Santos entrega em seu trabalho de estreia uma obra ejaculando os desejos físicos e sexuais da adolescência. Lucas está ansioso para experimentar os impulsos sexuais da vida, apenas para se refugiar em sua estreita amizade com Nacho(Nahuel Viale), estrela do time de futebol local e um garoto cuja constituição atlética não passou despercebida por Andrea(Inés Efrón); uma adolescente de óculos desejando seu primeiro beijo 

Nahuel Pérez Biscayart como Lucas é um menino que não apenas questiona sua  aparência física desajeitada, mas igualmente sua sexualidade; um momento se envolvendo em uma série de encontros homoeróticos com seu melhor amigo Nacho, que não é avesso à experimentação sexual.

“Não aguento mais essa incerteza”, diz Lucas em uma espécie de diário Super 8, girando em seu próprio eixo com os olhos fechados e a música martelando em seus ouvidos. No universo da puberdade todas as rotações são egocêntricas.

"Você pode ser um órfão mesmo com os pais se você não tiver nada em comum com eles." O mundo está desolado e vazio, assim como a infinita estepe patagônica que cerca a cidade natal sem nome do protagonista.

Glue reflete vividamente a juventude entediada à deriva de um encontro episódico para outro, apenas para que suas vidas sejam aumentadas por meio de conflitos familiares, rock’n roll e o terreno desértico varrido pelo vento da Patagônia.

No entanto, em tal mistura, Santos injeta momentos de esplendor que adiciona uma textura a um filme aberto que, por sua simplicidade e aqui pensa em orçamento apertado, é muito mais representação natural do despertar sexual adolescente, do que muitos filmes com grandes enredos.

O filme move os mais diversos aspectos sociais para dentro do quadro com despreocupação astuta, fala de um machismo que pode ser reformado apesar de toda tradição e do avanço inexorável da autonomia da mulher mesmo com todo o assédio moral.

Tudo isso faz de Glue muito mais do que apenas um coming-of-age. É um filme inventivo  de um país que, após inúmeras guerras de independência, ditadura militar e escândalos de anistia, ainda está, como seus heróis,  em busca de uma identidade moderna e adulta.

Trevor: O Musical(Trevor: The Musical, EUA, 2022)

O musical é uma adaptação do curta-metragem vencedor do Oscar, Trevor, dirigido por Peggy Rajski, produzido por Randy Stone e escrito por Celeste Lecesne. Inspirou a organização sem fins lucrativos The Trevor Project, agora a mais importante organização mundial de prevenção de suicídio e saúde mental para jovens LGBTQIA+.

A demonstração cativante de coragem de Trevor(Holden Hagelberger) é capturada em cada momento do musical que dá vida à história de muitos adolescentes gays vítimas de bullying. Trevor tem treze anos e sonha em ser um artista. Ele está tentando terminar seu último ano do ensino médio e lidar com os valentões que o incomodam desde a infância.

A diversidade do elenco torna cada performance mais acessível e mantém sua atenção focada e investida em ambas as histórias que estão sendo contadas. O musical faz maravilhas como uma vitrine espetacular para as histórias LGBTQIA+.

Trevor: O Musical é edificante e empoderador que educa as pessoas sobre a importância da aceitação e da bondade. A peça segue a história de vida desse personagem, apresentando um elenco adolescente cativante e uma trilha animada inspirada em Diana Ross, que aparece em diversos momentos.

O filme pode oferecer mais do que apenas uma história sobre auto-aceitação e apoio. Ele faz isso de maneiras que aqueles que não estão familiarizados com o material de origem, ou com produções teatrais ao vivo, mantenham o interesse.

A obra não remexe em tristeza ou tragédia, mas celebra a coragem de Trevor e o impacto que seu ativismo de curta duração teve em sua escola. No final, como a mensagem é esperança para uma comunidade mais ampla de estudantes, ela alcança um equilíbrio eficaz entre pedir ação e mostrar os efeitos positivos de não desistir.

Os Tempos de Harvey Milk(The Times of Harvey Milk, EUA, 1984)

Os Tempos de Harvey Milk descreve as vidas e mortes de Milk e do prefeito George Moscone, que foram assassinados a tiros, em 1978, por Dan White, um dos supervisores de Milk. Também descreve o clima político e social em São Francisco, que durante as décadas de 1960 e 1970 começou a atrair um número crescente de gays por causa de sua atitude tradicionalmente permissiva.

Milk era um desses gays, e em fotos antigas podemos vê-lo em seus longos cabelos beatnik e hippie dias antes de ele finalmente raspar a barba e abrir uma loja de câmeras no distrito de Castro.

Foi de Castro que Milk se candidatou e foi derrotado três vezes antes de finalmente vencer na mesma eleição que colocou no conselho a primeira sino-americana, a primeira mulher negra e a primeira feminista declarada. Milk era um mestre em autopromoção, e o filme inclui imagens de notícias de TV antigas mostrando-o fazendo campanha e em entrevistas estratégicas.

A eleição de Milk, em 1977, foi histórica, sua vitória foi selada por ele não apenas reunir o voto de gays e lésbicas para a política convencional pela primeira vez, mas também aliar seu eleitorado a outros marginalizados: comunidades étnicas há muito negadas, sindicatos e interesses comerciais nunca antes do mesmo lado de grupos gays

Há muitas imagens de Milk, Moscone e White. Ele é intercalado com entrevistas posteriores com muitos amigos de Milk, incluindo um veterano esquerdista que admite ter sido preconceituoso contra os gays por muito tempo, até que conheceu Harvey Milk e começou a entender as questões políticas envolvidas.

Um elemento da arte em Os Tempos de Harvey Milk é a seleção cuidadosa dos oito entrevistados, selecionados entre dezenas com quem o diretor Rob Epstein falou durante extensas investigações em vídeo. 

À medida que as formas documentais mudam em meio à corrida das novas tecnologias e redes sociais deste milênio, o filme  perdura e mantém seu status em como estruturar a narrativa documental para capturar a essência de um homem, uma comunidade e um momento na história.

Um documentário verdadeiramente poderoso, Os Tempos de Harvey Milk superou sua categoria original com o passar do tempo. É agora um arquivo, um estudo de caso político, geografia urbana, melodrama e expiação catártica. O ganhador do Oscar, de Melhor Documentário, em 1985, inspirou tanto uma ópera quanto um longa, dirigido por Gus Van Sant.

As Filhas do Fogo(Las Hijas del Fuego, Argentina, 2018)

As Filhas do Fogo, da argentina Albertina Carri, é um filme incendiário, meio pornográfico mas sem ser explícito o tempo todo com momentos artísticos nesse sentido. O longa tem uma carga pesada de pornografia de qualquer maneira, sendo o seu principal acontecimento.

Duas mulheres em uma viagem: uma quer fazer um filme pornô, a outra quer ver sua família. Elas costumavam ser amantes, agora elas são novamente. Elas pegam uma terceira mulher e, enquanto dirigem pelo sul da Argentina, conhecem mais mulheres, descobrindo a si mesmas e umas às outras através do sexo, conversando e viajando juntas.

Carri quer que essas mulheres façam o que quiserem, como uma ode à liberdade de fazer sexo o quanto quiser. Isso é queer, então ela clama por essa liberdade em voz alta, sem meias medidas. O grupo de mulheres não para de se beijar - todas as vezes - e fazer sexo umas com as outras, trocar de parceira e eventualmente chegar a uma orgia. 

Há momentos que são mínimos na trama, como Erica Rivas interpretando a mulher agredida, defendida pelo grupo de mulheres, "tortilleras", um termo pejorativo como o marido abusivo as chama; ou com a visita à mãe de uma das mulheres (Cristina Banegas) que prepara uma refeição com cogumelos alucinógenos, como parte da rebeldia geral e sentido de unidade.

O filme pertence ao reino das mulheres, não há homens, não é o seu filme nem a sua poesia, nem o seu lugar de fala. Até a mãe de uma das mulheres que a visita é viúva, embora se lembre com amor do marido. A mensagem é clara: Abaixo o Patriarcado.

O grupo de mulheres é variado, há todos os tipos de corpos, gordos ou magros, também tons, não se trata de estética, mas da variedade e reverência de todos os corpos existentes no mundo. Não há diferença entre as mulheres, Carri celebra a liberdade sexual, ser lésbica em todos os gostos, intensidade e desejo idolatrado em estado de poliamor, de amar muitas e entre todas.

Queen Loretta(Królova, Polônia, 2022)

A série de drama original da Netflix é escrita pelo falecido Árni Ólafur Ásgeirsson e Kacper Wysocki, dirigida por Lukasz Kosmicki. acompanha Sylwester(Andrzej Seweryn), um alfaiate estabelecido em Paris, que na juventude fugiu da Polônia, deixando uma filha para trás.

Sylwester é um respeitado e renomado alfaiate parisiense. Loretta é sua identidade drag, o que fez dele uma famosa drag queen em Paris, há 30 anos. Ele deixou sua vida e tudo para trás para fazer disso uma carreira.

Mas agora, Sylwester deve aproveitar ao máximo seu passado e presente para consertar sua vida pessoal e, ao mesmo tempo, trazer mudanças sociais. Ao receber a carta de sua neta Iza(Veronica Powers), depois de muito pensar, ele decide voltar para casa de onde partiu, apenas para salvar a vida da filha.

Maria Peszek é Wioletta, a filha rabugenta de Sylwester, que está doente e no hospital. É a emergência médica de Wioletta que traz Sylwester de volta à sua cidade natal, à qual ele prometeu nunca mais voltar. Curiosidade, tanto Maria Peszek quanto Andrzej Seweryn estiveram no filme de 1993, de Steven Spielberg, A Lista de Schindler.

Essa estranha reunião de família não é tão harmoniosa quanto ele esperava. Mas, de alguma forma, à medida que o tempo passa e os três passam mais tempo juntos, mais próximos parecem ficar.

Em suas tentativas de melhorar as coisas dentro da família, Sylwester começa a se concentrar em coisas que importam para sua neta, incluindo montar um show, o que exigiria que ele voltasse ao palco e revivesse sua identidade drag, para ajudar sua comunidade e sua relacionamento com a filha.

Mas há mais na narrativa desta história. Um dos temas que a série aborda é a relação pai-filha e te faz perguntar até onde você iria para se reconectar. A resposta é provavelmente o que Sylwester tenta fazer para enfrentar seu passado e seus erros do e tentar se redimir com sua filha. 

Queen Loretta também é sobre uma antiga drag queen que revisita sua vida no teatro. Sylwester ainda se orgulha de sua identidade passada e habilidades de performance. E agora, décadas depois, seus talentos no palco serão úteis ao trazer Loretta à vida para ajudar sua comunidade a iniciar uma mudança social, apresentando os homens locais à arte drag. Essa nova oportunidade também talvez ajude Sylwester a se lembrar de quem ele realmente é, e desta vez mostrar a verdade à filha, em vez de fugir.

Bilmemek(Turquia, 2019)

A roteirista e diretora Leyla Yilmaz dá um vislumbre da sociedade turca em geral e, em particular, o retrato de uma família de três, vivendo em Istambul. Sinan (Yurdaer Okur), o pai, trabalha com contêineres no porto para uma grande corporação de transporte marítimo que tem uma nova estrutura administrativa na qual é responsável como gerente; Selma (Senan Kara) a mãe amorosa, é uma médica profundamente envolvida com seus pacientes e em conversas com seu irmão sobre sua herança.

Umut (Emir Ozden) é o filho, de 17 anos, estudante universitário e integrante da equipe de polo aquático, atividade que pode lhe conceder alguns privilégios em seus anos de faculdade. Os olhos azuis de Umut combinam com a água da piscina. Distraídos pelo trabalho e pelos problemas conjugais, os pais não percebem que o filho também tem problemas.

Junto com seu melhor amigo Tunç (Ulascan Kutlu), Umut faz parte do time de polo aquático de sua escola. Lá, seu companheiro de equipe Berk (Arda Aranat) o coloca em situações embaraçosas. Berk começa o boato de que Umut é gay. Mas Umut se recusa a comentar. Mesmo quando o treinador , Atila (Levent Üzümcü), fica sabendo do assunto e o repreende, A partir de então o bullying não pára. Até que um dia Umut desaparece sem deixar vestígios.

A história se desenvolve em um período de tempo que permite ao espectador conhecer suas preocupações e objetivos, nas atividades diárias da família, a falta de comunicação, talvez o principal tema abordado no filme, é onipresente.

Um trabalho de câmera preciso fornece imagens homoeróticas de homens em trajes de banho pretos, um treinador de equipe que grita. A comunicação também é difícil entre os jogadores de polo aquático, pois um grupo deles se sente em risco de ter Umut por perto sem saber exatamente sua sexualidade. Eles perguntam e Umut não conta.

Fotos digitais, e-mails, chats de Whatsapp, avisos, telefonemas, conversas, o princípio da obediência e notícias de TV se entrelaçam em uma história que vai crescendo até o fim. Rejeição, homofobia, agressão, assédio, claustrofobia, desolação, perda e arrependimento são termos que se traduzem em imagens em um filme assombroso com atuações sólidas de todo o elenco.

O longa, de Leyla Yilmaz, é um drama sobre rumores e como eles surgem; um filme sobre hipocrisia, intolerância e silêncio, ora intencional, ora covarde. Calmamente encenado e atuado, a diretora retém informações importantes de seu público até o final. 

Aviva(EUA/França, 2020)

Certos filmes são, por sua própria natureza, experimentais , estranhos e surpreendentemente criativos. Aviva, de Boaz Yakin, é um desses casos. O resultado é uma obra fortemente original, que impregna sua marca de maneiras muito distintas.

O longa  é a história de como Aviva (Zina Zinchenko) morando em Paris inicia uma amizade online com um nova-iorquino chamado Eden (Tyler Phillips). Tão atraída por esse homem ela viaja para a América para vê-lo. Aviva explora o relacionamento e assim se torna uma história de amor, mas que mostra os altos e baixos, as tensões e os conflitos, seu casamento e sua desintegração.

O que dá à narrativa um estilo especial é o fato de que grande parte dela é expressa em forma de dança, usando música que se estende a canções compostas para o filme. Embora muito diálogo também esteja incluso, todos os atores principais são principalmente dançarinos associados a uma companhia de dança israelense. A maior conquista de Aviva como trabalho de dança é que a coreografia de Bobbi Jene Smith e Or Schraiber é claramente projetada para filmagem para que a edição de Holle Singer se adapte perfeitamente.

Um elemento menos obviamente especializado no apelo de Aviva decorre do fato de Yakin ter criado um filme fortemente sexual. Aqui há uma sensação de que sexo e sexualidade estão sendo celebrados independentemente dos aspectos da história que são pessimistas.

Surpreendentemente, a maioria dos personagens principais são apresentados em cenas de nudez, mas, embora este não seja um gesto novo, é feito de uma maneira que contribui para a sensação de que o trabalho está totalmente à vontade com o sexo.

Essa atitude é em si um reflexo de uma visão contemporânea, uma vez que está ligada à aceitação total da expressão sexual gay e lésbica e à crença na fluidez de gênero dentro dos indivíduos. Consequentemente, Aviva possui um lado masculino e Eden tem um lado feminino.

Uma vez que o elemento de dança torna este trabalho estilizado, Yakin pode construir sobre este conceito dando um passo de gigante. Assim é que Aviva também é interpretado por um homem (Schraiber) e Eden por uma mulher (Smith).

O que segue permite reflexões sobre gênero e sexualidade, mas sua estilização pode às vezes dificultar a compreensão do que está acontecendo. A abordagem tem seu fascínio, mas nos leva tão longe do naturalismo que é difícil se importar com os personagens e seu destino  mas igualmente ele pode nos guiar por elementos que funcionam e que tornam este filme único.

Irma Vep(França, 1996)

Olivier Assayas faz uma visita em escala reduzida a um território semelhante ao de François Truffaut em seu filme estranhamente descontraído, Irma Vep. Um divertimento esbelto e atraente, sobre um ex-autor tentando refazer o clássico mudo francês “Les Vampires(1915)”.

Um diretor antes respeitado e agora irremediavelmente fora de contato com a realidade comercial, Rene Vidal (Jean-Pierre Leaud) atrai a estrela de ação de Hong Kong, Maggie Cheung, para Paris para estrelar como Irma Vep, a elegante ladra de joias da série de filmes de Louis Feuillade ,de 1915-16., Les Vampires.

Ao se familiarizar com a equipe de produção e colegas de elenco no set caótico, ela logo descobre que Rene é objeto de escárnio geral, mas continua comprometida com o diretor.

Preparando-se para um macacão de látex, Maggie faz amizade com a figurinista do filme, Zoe (Nathalie Richard), uma lésbica e suposta traficante de heroína que logo desenvolve um desejo pela estrela. Em um jantar da equipe, a casamenteira Mireille (Bulle Ogier) tenta juntar as garotas, mudando de uma abordagem sutil para a franqueza absoluta.

Após uma exibição desastrosa do filme, Rene sai furioso, declarando que a filmagem não tem valor. Em casa mais tarde, a polícia é convocada durante uma briga com sua esposa, e uma conversa posterior com Maggie revela que sua compreensão do projeto está escorregando. Quando ele não aparece no set, outro diretor exagerado (Lou Castel) é chamado para terminar o filme.

Purista demais para ver um ícone francês interpretado por uma atriz chinesa, seu primeiro passo é substituir Maggie. Pouco acontece em termos de eventos concretos, mas Assayas extrai humor e momentos de percepção humana da frágil configuração. Uma cena em que Zoe oferece um convite velado a Maggie, que ela delicadamente recusa, é especialmente forte, lembrando a habilidade do diretor em encharcar a pele de seus personagens.

Cheung se torna obcecada por seu papel e começa a se esgueirar pelos corredores do hotel caracterizada. O mote ator-personagem-aprisionado contribui  para que em uma cena Maggie/Irma entre no quarto de uma mulher nua (Arsinee Khanjian) e roube suas joias enquanto ela briga com seu amante na rua. 

Com roteiro escrito em 10 dias e filmado em menos de um mês, grande parte do filme parece improvisado. Sua languidez estilo documentário se estende à câmera ágil de Eric Gautier e aos jump cuts do editor Luc Barnier.

Na Cadência do Amor(Lilting, Reino Unido, 2014)

O filme de estreia de Hong Khaou, nascido no Camboja e radicado no Reino Unido, é um exame terno e discreto da dor, da comunicação fraturada e do perigo emocional inerente de construir toda a vida em torno de uma única pessoa.

Na Cadência do Amor é estrelado por Ben Whishaw como Richard, um jovem se recuperando da recente morte de seu namorado, Kai (Andrew Leung). Em uma névoa de tristeza, Richard visita a mãe de Kai, Junn, a famosa atriz chinesa Cheng Pei Pei, na casa de repouso onde ela foi secretamente colocada por seu filho pouco antes de sua morte.

Richard é recebido com frieza; a isolada e não falante de inglês Junn dependia fortemente de Kai para companhia e apoio, e está ressentida com Richard por monopolizar o precioso tempo de seu único filho. Ela é, no entanto, aparentemente alheia ao fato de que Richard e Kai eram um casal.

Nascido do desejo de manter viva a memória de Kai através de Junn e alcançar um sentimento pessoal de encerramento, Richard resolve forjar um relacionamento com a senhora ressentida e vê sua oportunidade quando descobre que ela está namorando um velho cavalheiro inglês (Peter Bowles).

Ostensivamente para lubrificar as rodas do relacionamento dos pombinhos idosos, Richard contrata uma jovem e amigável britânica-chinesa chamada Vann (Naomi Christie) para atuar como intérprete. A narrativa que se segue, silenciosamente, tira proveito da exploração intrincada dos espaços tensos e cavernosos que emergem entre o que é verbalizado e o que não é.

O pequeno elenco e a variedade limitada de locais aumentam a aura geral de intimismo, enquanto Khaou faz excelente uso de técnicas específicas do cinema. Ele frequentemente emprega a busca de close-ups e enquadramentos apertados para acentuar o isolamento dos personagens, destacando a importância de seus gestos e expressões faciais. 

Na Cadência do Amor também se beneficia do uso inteligente de transições elípticas, que geralmente colapsam estados temporais sem a necessidade de uma edição. A maior aposta formal de Khaou é inserir periódica e inesperadamente sequências desorientadoras de Kai interagindo com Richard ou Junn; suas cenas com Richard assumem a forma de flashbacks íntimos, enquanto aquelas com Junn têm uma qualidade mais alucinatória, notada pela cinematografia levemente impressionista de Ula Pontikos.

É um uso inteligente da forma para evocar intensamente aquele momento estranho e difícil de compartilhar um luto, quando a pessoa que partiu permanece uma presença palpável apesar de sua ausência corporal.

Benediction(Reino Unido/EUA, 2021)

Para muitos britânicos, as obras poéticas de Siegfried Sassoon e Wilfred Owen foram as únicas reprovações ao nacionalismo ensinadas na escola. Sasson contou não apenas as feridas da Grande Guerra, mas também falou com desprezo da incompetência dos generais, dos políticos e da cegueira da Igreja.

Em Benediction, de Terence Davies, que conta a vida e as obras de Siegfried Sassoon, incluindo seu relacionamento com Owen, há um profundo e amargo sentimento de reprovação que se infiltra em suas muitas camadas.

O jovem Sassoon é interpretado por Jack Lowden e o mais velho por Peter Capaldi. Conhecemos o protagonista, já desencantado por suas experiências horríveis nas trincheiras e formulando seu manifesto antiguerra.

Seu amigo articula  para garantir que Sassoon seja enviado para um sanatório para aqueles mentalmente perturbados pela guerra, a fim de evitar que ele seja levado à corte marcial e fuzilado como pacifista.

Lá ele conhece Wilfred Owen (Matthew Tennyson) e um médico simpático que compartilha sua sexualidade. Orientando Owen e aprimorando seu ofício, sua fama se espalha e, ao retornar à sociedade, ele é aclamado nos círculos artísticos. Neles, ele ganha e perde vários amantes, incluindo Ivor Novello (Jermy Irvine).

Fora dos amargos relacionamentos, ele finalmente decide seguir as convenções e casar com Hester Gatty, sempre de olhos bem abertos, em sua juventude interpretada por Kate Phillips e mais tarde por Gemma Jones.

Há sequências pesadas da poesia de Sassoon lidas com grande importância sobre imagens gráficas de estilo documental dos horrores da guerra, como memórias do poeta. Há efeitos de câmera que priorizam o simbólico sobre o estético.

No início, distrai e depois, com o tempo, o efeito se transforma  poesia. O design de som e ritmo tornam-se essenciais para o impacto da obra. O todo é muito maior do que suas partes e o sentimento de indignação  pelo horror da guerra é tão tangível neste filme quanto nos versos originais de Siegfried Sassoon.

Wet Sand(Geórgia/Suiça, 2021)

Cineasta georgiane Elene Naveriani se define como gênero fluído e prefere que o pronome não binárie seja usado a seu respeito. Wet Sand é um verdadeiro manifesto humanista que transcende a temática LGBTQIA+, servido por formidáveis ​​atrizes e atores, a fotografia de Agnesh Pakozdi, com enquadramentos clássicos, que sublima interiores atemporais assim como as paisagens das margens do Mar Negro.

Em uma pacata vila costeira de pescadores sob o disfarce de uma pandemia que passa despercebida na tela, tudo está calmo, os homens se encontram no café Wet Sand com Amnon (Gia Agumava) para jogar e conversar.

No entanto, nas trocas banais, rapidamente, percebe-se mesquinhez e uma certa animosidade velada. As coisas tomam um rumo mais agressivo quando Eliko, um homem mais rico que vive na vila há 20 anos, mas nunca se encaixa, é encontrado enforcado em sua casa.

Obviamente, ele se suicidou. Sua neta, Moe (Bebe Sesitashvili), que acreditava que ele estava morto há anos, vem de Tbilisi para enterrá-lo. Primeira decepção: os aldeões não querem enterrá-lo no cemitério da aldeia e, como ele se tirou a própria vida, nenhum serviço religioso é possível.

Aos poucos, em busca de elementos sobre a vida de seu avô, Moe vai desvendando o manto de mentiras que o cerca através das únicas pessoas que pareciam apreciar Eliko: Amnon, Spero (Kakha Kobaladze), um pescador solitário que aguarda o retorno de seu filho que está no mar há 10 anos, e Fleshka (Megi Kobaladze), garçonete do café, também considerada estranha pelos habitantes da vila.

Wet Sand começa  com calma, Elene Naveriani aproveita para criar uma atmosfera e colocar seus personagens lá. Aos poucos, a história vai ganhando profundidade, à medida que os personagens vão sendo revelados, alguns assumindo armadilhas outros revelando-se na sua complexidade.

Moe vai sacudir a aldeia, essa jovem da cidade, moderna, sem papas na língua, não muito tímida, não hesitará em se opor aos aldeões, liderados por um marido violento e retrógrado. O curso dos eventos apoia a fórmula de regressão comportamental de grupo; a aldeia será implacável, uma vez que o segredo seja revelado, tanto para os vivos quanto para os mortos. O fanatismo e a hipocrisia competem com o preconceito, a discriminação e a violência de grupo.

Neste quadro sombrio de uma sociedade Elene Naveriani e seu irmão, coroteirista, Sandro Naveriani, esboçam belas linhas de luz, começando com a adorável relação que se desenvolve entre Amnon e Moe, aprofundando-se quando a jovem compreende a relação que existia entre seu avô e ele.

ANCESTRALIDADE LGBTQIA+ NO CINEMA

Retratado de forma caricata para gerar a aceitação das grandes plateias, o homossexual quase sempre foi motivo de piada no cinema mainstream. Com uma necessidade gigante de se expressar, dialogar com o público e subverter a heteronormatividade dominante, o olhar queer passa a aparecer na sétima arte de maneira autêntica, e causando uma identificação imediata com seu público alvo. 

Ainda que a expressão LGBT só tenha surgido muitas décadas depois, é possível afirmar que o cinema flerta com a homossexualidade desde seus primórdios,, ainda que de forma velada.  Em 1898, no começo de tudo Thomas Edison já sugeria sutilmente o tema em seu filme The Gay Brothers, onde dois amigos dançam juntos uma valsa. O oficialmente considerado o primeiro filme gay, viria anos seguintes, da Alemanha, em 1919, Diferente dos Outros.

Para celebrar o Mês do Orgulho LGBTQIA+, o Cinematografia Queer mergulhou no baú mágico do cinema para trazer as primeiras produções que abordaram o tema, um grande tabu na época, de forma mais natural, ainda que em subtexto, e menos ofensiva.

Vingarne(Suécia, 1916)

Dirigido por Mauritz Stiller,o filme é baseado no romance Mikaël, de Herman Bang, escrito em 1902. Um dos primeiros filmes com temática gay, também é notável por seu uso de uma narrativa não linear e por mostrar a maior parte da história através de flashbacks. A obra possui duas narrativas e uma quebra da quarta parede. Na segunda narrativa, o escultor Claude Zoret idealiza uma escultura, intitulada As Asas. Ele conhece um jovem pintor, Eugène Mikael, e acredita que ele encarna perfeitamente a imagem de 'Ícaro'. Zoret se aproxima de Mikael, praticamente o adotando, e o faz o modelo para sua escultura.

Diferente dos Outros(Anders als die Andern, Alemanha, 1919)

Diferente dos Outros é um filme mudo alemão do género drama, realizado e escrito por Richard Oswald e Magnus Hirschfeld e protagonizado por Conrad Veidt e Reinhold Schünzel. Estreou na Alemanha em 28 de maio, de 1919. Trata-se, oficialmente, do primeiro filme sobre homossexualidade da história do cinema.

Asas(Wings, EUA, 1927)

Asas é um longa mudo ambientado durante a Primeira Guerra Mundial, estrelado por Clara Bow, Charles Rogers e Richard Arlen. A obra ganhou o primeiro Oscar de Melhor Filme. Aclamado por suas proezas técnicas e realismo após o lançamento, o filme se tornou o padrão de referência para os futuros filmes de aviação, principalmente por causa de suas sequências realistas de combate aéreo. Asas foi um dos primeiros filmes amplamente divulgados a mostrar nudez e um beijo gay.

Marrocos(Morocco, EUA, 1930)

Marrocos, dirigido por Josef von Sternberg, e, estrelado por Gary Cooper, Marlene Dietrich e Adolphe Menjou é baseado no romance Amy Jolly, de Benno Vigny, e adaptado por Jules Furthman. O filme é sobre uma cantora de cabaré e um Legionário que se apaixonam durante a Guerra do Rif, cuja relação é complicada por ele ser mulherengo e por um homem rico também estar apaixonado por ela. O longa é famoso por uma cena em que Dietrich canta uma música vestida com um fraque masculino e beija outra mulher. Um escândalo para a época!

Noite após Noite(Night after Night, EUA, 1932)

O filme é estrelado por George Raft, Constance Cummings e Mae West em seu primeiro papel no cinema. Dirigido por Archie Mayo, foi adaptado para a tela por Vincent Lawrence e Kathryn Scola, baseado na história da revista Cosmopolitan Single Night, de Louis Bromfield, com West autorizada a contribuir com suas falas.  No filme uma mulher acorda se sentindo alegre e aventureira após passar a noite com outra senhora.

Queen Christina(EUA, 1933)

Queen Christina é um filme biográfico, dirigido por Rouben Mamoulian. É estrelado pela atriz sueca Greta Garbo e John Gilbert em seu quarto e último filme juntos. O longa retrata a vida da rainha Christina da Suécia, que assumiu o trono aos seis anos de idade ,em 1632, e se tornou uma líder poderosa e influente. Além de lidar com as exigências de governar a Suécia durante a Guerra dos Trinta Anos, espera-se que Cristina se case com uma figura real adequada e gere um herdeiro. Quando ela se apaixona por um enviado espanhol visitante, com quem ela está proibida de se casar porque ele é católico romano, ela deve escolher entre o amor e seu dever real.

Lot in Sodom(EUA, 1933)

Lot in Sodom é um curta-metragem mudo, de 1933, baseado no conto bíblico da cidade de Sodoma e Gomorra. Foi dirigido por James Sibley Watson e Melville Webber. O filme utiliza técnicas experimentais, imagens de vanguarda e fortes alusões à sexualidade, especialmente à homossexualidade. Sodoma é um lugar de pecado. Um anjo aparece ali e é recebido por Ló. O povo de Sodoma quer fazer sexo com ele. Ló se recusa; então o anjo lhe diz para fugir da cidade com sua esposa e filha. 

Tarzan and his Mate(EUA, 1934)

O filme adquiriu um status cult, em grande parte devido a Maureen O'Sullivan vestindo um dos trajes mais reveladores da tela até então - um top e uma tanga que deixava suas coxas e quadris expostos. A cena que causou mais comoção, a sequência do "ballet subaquático", estava disponível em três versões diferentes que foram editadas pela MGM para atender aos padrões de mercados específicos. Em outra cena, um vislumbre dos pelos pubianos de O'Sullivan é brevemente aparente sob sua tanga. Enquanto isso, a anatomia de Johnny Weissmuller, era exibida a exaustão garantindo um tom homoerótico à obra.

A Noiva de Frankenstein(Bride of Frankenstein, EUA, 1935)

Estudiosos do cinema moderno notaram a possível leitura queer do filme. O diretor James Whale era abertamente gay, e alguns dos atores do elenco, incluindo Ernest Thesiger e Colin Clive, eram gays ou bissexuais. Pesquisadores perceberam um subtexto gay impregnado no filme, especialmente uma sensibilidade camp particularmente incorporada no personagem de Pretórios e seu relacionamento com Henry.

Rebecca - A Mulher Inesquecível(Rebecca, EUA, 1940)

No primeiro filme de Alfred Hitchcock, em Hollywood, a assustadora Sra. Danvers (Judith Anderson) de Manderley e a fantasmagórica, mas sempre presente, Rebecca, representam com afinco a homossexualidade feminina. A segunda Sra. DeWinter (Joan Fontaine) foi atormentada por lembranças constantes da primeira esposa recentemente falecida de seu novo marido e sua interação é fria e intimidadora com Danvers. A governanta leva a Sra. DeWinter ao redor da sala, revelando sua obsessão persistente por Rebecca.

O Proscrito(The Outlaw, EUA, 1943)

O Proscrito é um dos filmes mais controversos da história de Hollywood. O filme ficou engavetado por dois anos até que Howard Hughes conseguisse o aval do Código de Censura, que se recusava a liberá-lo pelo seu erotismo. Todo o barulho concentra-se em Jane Russell, descoberta por Hughes, Apesar dos excessos, o que sobressai é o relacionamento entre Billy the Kid e Doc Holliday. A certa altura, inclusive, o roteiro mostra a pouca importância de Rio, a personagem de Jane, a despeito de seu busto: é quando os dois amigos discutem qual deveria ser o prêmio de um jogo de cartas, se um cavalo ou Rio e decidem-se pelo cavalo

Fireworks (EUA, 1947)

É um filme experimental homoerótico, de Kenneth Anger, filmado na casa de seus pais, em Beverly Hills, no decorrer de uma semana, quando eles estavam fora. O filme traz o próprio Kenneth Anger no elenco, que faz questão de explorar temas como a homossexualidade e o sadomasoquismo. Este foi um de seus primeiros trabalhos. Kenneth Anger descreve o filme como  "Um sonhador insatisfeito acorda, sai pela noite à procura de uma 'luz' e é pego em flagrante. Um sonho dentro de outro sonho, então ele volta para a cama menos vazio do que antes."  Isso tudo ilustrado por marinheiros e fisiculturistas.