Neptune Frost(Ruanda/França/Canadá/EUA, 2021)

Em uma sociedade na Ruanda futurista, Neptune (Elvis Ngabo e Cheryl Isheja), um hacker intersexo, se apaixona por um mineiro coltan fugitivo, Matalusa (Bertrand Ninteretse), apesar de não se encontrarem fisicamente. O amor deles de alguma forma ameaça "A Autoridade" que Neptune se rebela. Com a ajuda de Matalusa, eles iniciam uma revolta contra "A Autoridade".

Neptune Frost, de Saul Williams, combina ficção científica, comentários sociais, romance, tecnologia, ação e musical de uma forma que parece que poderia ter se tornado uma bagunça exagerada e anárquica. Há uma leve sensação de anarquia porque o gênero do filme se dobra, mas não, não há sinal de exagero ou irregularidade.

O filme usa muitas metáforas sem explicá-las demais para o público, então Williams e a codiretora Anisia Uzeyman confiam na inteligência dos espectadores enquanto deixam espaço suficiente para a interpretação. 

Neptune Frost não é realmente uma história de amor. É difícil categorizar o que torna tudo único e extraordinário. Preste atenção nas letras das músicas durante os números musicais porque elas são bastante profundas.

Esteticamente, Neptune Frost é um triunfo. A cenografia, a iluminação, o trabalho de câmera, o figurino e o design de maquiagem combinam-se para criar um espetáculo deslumbrante e afrofuturístico.

A veia poética percorre tudo. A música, por sua vez, é diversa, desde as tradicionais batidas africanas até o rap moderno e encontra força no ritmo e na repetição. Cânticos dos mineiros ou linhas de diálogo são repetidos à medida que forjam novas conexões, convidando aqueles que seguem o fluxo a abrir suas mentes para as possibilidades. 

Mãe de Aluguel(The Surrogate, EUA, 2020)

Mãe de Aluguel, o longa de estreia do cineasta Jeremy Hersh é uma história poderosa sobre um enigma ético  O filme começa como um conto edificante sobre o vínculo estreito entre dois amigos, apenas para se transformar em uma discussão profunda e às vezes um debate desconfortável sobre moralidade.

Esta é a história de Josh (Chris Perfetti) e seu marido advogado Aaron (Sullivan Jones) que querem se tornar pais e, portanto, Jess (Jasmine Batchelor), que Josh conheceu na universidade, se ofereceu para ser barriga de aluguel.

É um arranjo que combina bem com Jess, já que ela está em algum tipo de impasse em sua própria vida, Embora ela trabalhe para uma organização sem fins lucrativos do Brooklyn dedicada a ajudar mulheres ex-presidiárias a se reajustarem à vida civil, ela se sente muito insatisfeita. Incapaz de se comprometer com seu namorado Nate (Brandon Michael Hall), ela está procurando por "um propósito" na vida, e carregar esta criança pode ser isso.

Tudo parece estar indo de acordo com o planejado, mas um teste pré-natal com cerca de três meses de gravidez levanta muitos dilemas. O feto apresenta sinais de síndrome de Down. Jess continua como se nada tivesse mudado, mas Josh e Aaron claramente têm algumas dúvidas.

O roteiro bem construído de Hersh consegue evitar com sucesso todos os indícios de fazer qualquer julgamento. Essa postura nivela os argumentos e a maneira como o filme sempre permanece um drama baseado em personagens.

Jess mergulha no mundo das famílias que vivem com pessoas com síndrome de Down. Ela encontra um centro comunitário local que tem programas para crianças com a diferença genética e traz Josh junto. Ela brinca com uma criança. Ela encontra a mãe da criança, Bridget (Brooke Bloom) no final do programa e imediatamente tem algumas perguntas.

As decisões do filme são apresentadas com cuidado, compaixão e inteligência. Não há uma resposta fácil ou universal para essa escolha. Josh e Aaron querem um filho, mas também apontam que, como gays, passaram a vida buscando a igualdade. 

A discussão aqui, que percorre todo o filme, é sem dúvida desafiadora e desconfortável, mas isso porque Hersh a aborda com muita honestidade, sem sacrificar a sensibilidade ao assunto em questão.  Um drama hábil e investigativo, Mãe de Aluguel é mais do que parece.

90 Días para el 2 de Julio(México, 2021)

O fim do ciclo de um relacionamento dói. 90 dias para el 2 de julio não é a história de amor idealizada. É tudo menos isso. É a ideia que se cria sobre os sentimentos de outra pessoa, é uma ilusão. 

O diretor Rafael Martínez García consegue construir uma ficção baseada em fatos reais.  Com pouquíssimos elementos, conta uma história extremamente emotiva, minimalista mas também muito eficaz. 

Luis (Armando Espitia) é um jovem de 20 anos que deve permanecer trancado em um apartamento por três meses até o dia 2 de julho porque mantém um relacionamento com Andrés(Luis Arrieta), um homem comprometido e candidato a governador por um partido conservador. 

O personagem de Luis resume de várias maneiras como os relacionamentos podem ser tóxicos. Andrés engloba a submissão emocional, aquela que exerce o poder, mas não com força bruta, mas com coação emocional e que é ainda mais violenta que um golpe de punho fechado.

90 días para el 2 de julio não é um filme fisicamente violento, mas é emocionalmente abusivo. Mostra uma face do relacionamento que só se percebe depois, a da codependência. O longa explora as dificuldades das relações humanas e da homossexualidade envoltas em um drama de amor, política e vida dupla.

90 días para el 2 de julio foi filmado com poucos recursos, esta circunstância particular levou seu diretor Rafael Martínez-García a sustentar a narrativa, em termos dramáticos, dentro de um único espaço: a casa de Luis. Decisão que transformou o apartamento em mais um personagem e o reflexo das emoções do próprio Luis.

De Noche los Gatos son Pardos(Suíça, 2022)

Inspirado nos preceitos do psicanalista francês Félix Guattari (1930-1992), Valentin Merz inverte os papéis, e por sua vez a equipe técnica torna-se artista, os artistas tornam-se técnicos. E De noche, todos los gatos son pardos assume uma forma surpreendente, psicodélica e hipnotizante.

Uma espécie de filme dentro do filme, que poderia ter se perdido em seu estilo excessivamente experimental; o longa é no entanto, uma experiência perfeitamente divertida e libertadora. Um produto pop com uma luz deliciosa, uma trilha sonora kitsch retrô, e liberto dos códigos da narrativa convencional.

Numa discreta homenagem ao cinema erótico dos anos 70 e 80, logo uma história de amor se mistura a uma investigação policial. A realidade se mistura com a ficção, e estabelece uma distância elegante para filosofar sobre a sexualidade, a vida e a morte. Nada mais tem sentido ou direção, exceto a própria experiência do filme. 

Uma diversa equipe em De noche los gatos son pardos se reuniu para fazer um filme erótico de época. Os atores mudam fluentemente de idiomas e parceiros de filmagem, vestem papéis e roupas distintas e também se revezam na direção de seu filme. 

Eles estão rodando um filme histórico não especificado, dominado por cenas de intimidade mergulhadas em uma forte dose de erotismo. A majestosa e misteriosa floresta envolve-os, acolhe-os e acaricia-os como se fossem criaturas frágeis e ambíguas que requerem proteção.

Apesar deste abraço reconfortante, sente-se um perigo iminente, algo ou alguém escondido nas sombras, pronto para lançar um ataque. O diretor do filme, Valentin (interpretado pelo próprio Merz), desaparece repentinamente sem deixar vestígios. Enquanto a polícia investiga seu desaparecimento, a filmagem continua, mas dá uma guinada ambígua. Robin, cinegrafista e amante do diretor, decide cumprir a promessa que fez ao homem de sua vida e viaja para Istmo de Tehuantepec, no México.

O diretor do filme dentro do filme– alter ego e protagonizado por Merz – atua como o fio condutor de um longa que investiga os limites da imaginação e explora os fantasmas que habitam a mente de cada artista.

Valentin Merz nos instiga a pensar sobre a própria ideia de cinema, o poder das imagens como vetores de transformação e janelas para o mundo. A sua representação das sexualidades mostra como o sexo é um espelho que deve ser entendido e representado em toda a sua resplandecente diversidade. 

Gêmeas: Mórbida Semelhança(Dead Ringers, EUA, 2023)

Em 1988,  David Cronenberg perturbou o mundo com Gêmeos - Mórbida Semelhança, um clássico do terror sobre ginecologistas, interpretados por Jeremy Irons, intrigados pela anatomia feminina. Trinta e cinco anos depois, a showrunner Alice Birch enfrenta o horror corporal pouco ortodoxo de Cronenberg com sua adaptação episódica.

Rachel Weisz interpreta Beverly e Elliot Mantle, ginecologistas gêmeas que querem revolucionar a forma como as mulheres dão à luz. Elas querem construir um centro de parto de última geração que não apenas ofereça o melhor atendimento possível às mães, mas também seja pioneiro em pesquisas sobre fertilidade.

Embora ambas sejam médicas altamente inteligentes não apenas com um rosto igual, mas um corpo e a vagina, as Mantles não poderiam ser mais diferentes. Elliot adora beber, usar drogas, festejar e fazer sexo com estranhos em banheiros de clubes. Ela é glamorosa, mas instável, controladora e manipuladora.

Beverly, por outro lado, é tímida quase ao extremo, e singularmente focada em seu trabalho. Ela está bem em estar sob o controle, até que conhece, a atriz de TV, Genevieve (Britne Oldford), com quem vive um romance tão tórrido quanto complicado.

A partir daí, a série, de seis episódios, narra sua jornada para abrir centros de parto, o desejo de controle de Elliot, a luta de Beverly para ser ela mesma. Enquanto tudo está enraizado na ciência, a atração realmente mostra o horror da codependência das gêmeas, na própria descida do pesadelo de Beverly à loucura e em mostrar explicitamente a sangrenta realidade do parto.

Contrastando com o horror está a produção imaculada e a cenografia de Erin Magill e Adam Scher. Cada apartamento, mansão e quarto de hospital é construído com uma incrível atenção aos detalhes, fazendo com que tudo pareça habitado e estranho.

Weisz cria com tanta habilidade duas personagens muito diferentes que estão fortemente ligadas não apenas pelo DNA, mas por suas obsessões compartilhadas. À medida que os episódios progridem e as amarras de Beverly com a realidade começam a se desgastar, embarcamos juntos nos jogos mentais de ambas protagonistas.

O nascimento é um tema intrinsecamente complexo. Ele está ligado ao status socioeconômico e à raça, bem como à identidade de gênero. Embora Dead Ringers aborde muitas dessas complexidades, ainda é uma série focada na feminilidade biológica e na capacidade de conceber.

Dead Ringers é uma experiência complexa, perturbadora e surpreendentemente bela que enriquece o texto original com uma adaptação incrivelmente queer e feminina que não tem medo de dar voz às mulheres.

Alice Birch, que escreveu a série, tem clara reverência pela obra de Cronenberg, ao romance original Twins, de Bari Wood e Jack Geasland enquanto ao mesmo tempo deixa sua própria voz aparecer. Tornar as irmãs gêmeas Mantle em vez de irmãos e também injetar homossexualidade mais explícita na história abre uma nova camada de narrativa sobre gênero, sexismo sistêmico no parto, maternidade e gravidez.

Marvin(Marvin ou la belle éducation, França, 2017)

Anne Fontaine, diretora de Coco Antes de Chanel(2009), assina o filme, baseado no romance Ending with Johnny Bellegueule, de Édouard Louis. O resultado é uma ode ao antideterminismo social. 

A força do filme vem de sua construção, indo e vindo no tempo, e de seu trabalho estilístico,  dos enquadramentos nos rostos e corpos às projeções mentais nas paredes de um quarto. E, claro, vem do estudo de um personagem.

Já adulto, Marvin(Finnegan Oldfield) se destaca na corda bamba da interpretação de um personagem que busca e se descobre. Seu andar, sua verticalidade, seu fraseado, seus trejeitos jogam com uma estranheza sutil.

Escrito por Pierre Trividic e Fontaine, Marvin nos mostra como o homônimo personagem deixa para trás uma dura infância da classe trabalhadora marcada pelo bullying e se propõe a encontrar seu verdadeiro eu de uma maneira significativa.

Ele faz isso ao se tornar um sucesso no teatro não apenas como ator, mas também como dramaturgo. Por meio de seu amante mais velho, ele acaba dividindo um palco em Paris com a grande Isabelle Huppert, interpretada pela grande Isabelle Huppert.

Mas, na verdade, a questão-chave aqui é que o menino percebe que é gay e tem que fugir para outro mundo se quiser aceitar sua verdadeira identidade (o bullying envolveu colegas de escola humilhando-o como viado enquanto seu pai, um alcoólatra, era homofóbico).

Em grande parte de sua duração, Marvin funciona muito bem. Isso é auxiliado por sua estrutura incomum que, em vez de optar por uma apresentação cronológica da história de Marvin, alterna entre o adulto e as cenas infantis (bastante substanciais) nas quais ele é interpretado por Jules Porier. 

O desenvolvimento de Marvin segue os infelizes e duros caminhos familiares do bullying: intimidação na escola, namoros frustrados, florescimento em um novo ambiente, uma difícil educação amorosa, uma ruptura com o ambiente familiar, para por fim, ser uma história de superação.

Siberia and Him(Rússia, 2019)

Sasha, interpretado pelo diretor Viatcheslav Kopturevskiy, um trabalhador rural em profunda depressão, vive em uma remota aldeia siberiana em algum lugar no fim do mundo. O homem mantem um caso com seu cunhado Dima (Ilya Shubochkin), um alto membro da polícia local.

A irmã dele nem sonha, embora suspeite que o marido a esteja traindo paralelamente, com outra mulher. Em uma sociedade rural hostil e ossificada, não há espaço para o amor entre homens, o que alimenta a tragédia pessoal de ambos os personagens. O relacionamento de Dima e Sasha está à beira do abismo.

Viatcheslav Kopturevskiy estrela, dirige e filma Siberia baseado em seu próprio roteiro. O filme é sua estreia em longas-metragens. Nas cenas eróticas, assume o papel frágil, abrindo-se ao amor que o policial lhe dá. Por fim, é ele, emocionalmente empurrado para o abismo, que pensa em tirar a própria vida, num gesto ao mesmo tempo romântico e louco.

É uma visita a uma idosa que mora em um vilarejo no meio do nada que se tornará um ponto de virada para os acontecimentos na tela. Sasha e Dima partem para uma caminhada para verificar se a senhora,  que está calada há muito tempo, está sã e salva. No seio da natureza selvagem da Sibéria, desenrola-se o drama de dois homens que tentam domar a sua turbulenta relação.

Kopturevskiy foca no minimalismo: diálogos, formas de edição e expressão de atuação, na estática da câmera. O silêncio de seu personagem ressoa mais alto que mil palavras e, paradoxalmente, permanece muito eloquente. 

O ato de amor deles é duro e nada sensual; assim como o relacionamento  parece mais uma luta do que algo satisfatório. O fato de esses homens não se sentirem confortáveis ​​nos braços um do outro - exceto quando estão sozinhos no meio do nada - é revelador. 

O trabalho do diretor de fotografia desempenha um papel importante no filme, e a cinematografia naturalista de Wayland Bell reflete a desesperança da Sibéria, a natureza vasta e intocada nos lembra o fascínio desta terra. Kopturevskiy gosta de tomadas panorâmicas e observacionais de montanhas, prados e lagos, que, quando imobilizados, podem ocupar a área da tela por um bom minuto e aproximar a obra de um filme contemplativo.

O filme é opressivo mas contemplativo por natureza, Na era dos relatos sombrios sobre a situação das pessoas LGBTQIA+ na atrasada Rússia e na Chechênia, o longa merece elogios por sua força e coragem.  

A Dice with Five Sides(Espanha/Itália, 2022)

Dois belos estranhos, Marcello (Alexander Ananasso) e Herman (Jake Garvey) se encontram em um apartamento para fazer sexo casual. Depois, eles percebem que têm sentimentos especiais um pelo outro. Com medo de seguir seus corações, Marcello e Herman decidem apostar em um jogo.

Usando um dado antigo feito de pedra, eles estabelecem seis ações a serem executadas, uma para cada lado: contar uma verdade incômoda; fazer algo que o outro gosta; convidar uma terceira pessoa para se juntar a eles; fazer algo com os olhos vendados; sair do apartamento e fazendo sexo.

Os dados seguem rolando com o passar dos anos, apesar de cada um ter outros parceiros, mas há uma intimidade que os une e eles gradualmente se aproximam cada vez mais, com o medo de ter um relacionamento fracassado mas ainda assim ousando arriscar.

Escrito e dirigido por Riccardo Tamburini, A Dice with Five Sides é, na verdade, uma versão queer do clássico romance de Luke Rhinehart, de 1971, The Dice Man. Experimental, o filme carece de orçamento, no entanto encontra soluções criativas para se tornar uma obra sexy.

Nenhum dos personagens é comercialmente atraente, dentro do considerável padrão, suas dobrinhas aparecem na tela, traços afeminados, pelos e características que fogem um pouco do considerado ‘desejável’.

O roteiro é ok, e os diálogos se sustentam acompanhados por algumas sequências desnecessárias e personagens secundários um tanto fora de contexto. Mas claramente existe um clímax para apimentar o primeiro longa do cineasta italiano radicado em Barcelona.

Isto não é Berlim(Esto no es Berlín, México, 2019)

Isto não é Berlim, de Ari Sama, se passa na Cidade do México em 1986, ano em que o país sediou a Copa do Mundo. O filme nos leva a este momento para contar uma história de amadurecimento que contraria as narrativas tradicionais.

Quando os melhores amigos Carlos (Xabiani Ponce de León) e Gera (José Antonio Toledano) entram pela primeira vez no Aztec, eles são partes seduzidos, confusos e assustados. Gera convida sua irmã, Rita (Ximena Romo), uma cantora punk new wave.

No Aztec, porém, o puritanismo burguês, a punição e as boas maneiras não estão em nenhum lugar, e Carlos e Gera desistem de pensar demais em sua transição de homofóbicos em potencial para almas libertas. 

Isto não é Berlim apresenta Carlos como uma espécie de aspirante a engenheiro. Sob a tutela de seu legal tio Esteban (Sama), ele aprende a consertar e construir pequenas máquinas e arruma o sintetizador do namorado de Rita. Isso lhes dá entrada no Aztec, onde eles bebem cervejas, se relacionam com os garotos da moda e, para Carlos, se deliciam com o fascínio de Rita enquanto ela tece cantos e poemas em prosa com uma inclinação política.

Nico (Mauro Sánchez Navarro), o proprietário relativamente mais velho, mas ainda jovem do clube, primeiro quer que os primeiros flertes de Carlos e Gera com o Aztec sejam os últimos porque são menores de idade.

O par de melhores amigos continua voltando, no entanto, e eles se tornam queridos pela multidão do clube, integrando-se a um estilo de vida de arte movida a sexo, drogas pesadas, questionamentos sobre suas próprias sexualidades e ativismo político.

O caos da vida noturna traz seu próprio conjunto de dramas hedonistas por meio do vício em drogas, promiscuidade e ciúme.  Eles também oferecem ao filme a oportunidade de mostrar a arte new wave do período, com sua mistura de performance, protesto de rua e intervenção política. 

Há muita exploração do papel da arte e da política, mas o roteiro consegue evitar soar como um manifesto. Permanece abraçado à humanidade dos personagens centrais, pois eles percebem que se tornar eles mesmos não precisa ser o mesmo que se tornar egoísta. 

Isto não é Berlim, é um drama sério com um ponto de vista sobre arte e política, mas a energia, trilha sonora, incluindo Visage e Joy Division, e estilo realistas dos anos 80 garantem que o ritmo seja tão vibrante quanto a vida noturna que captura.

El que Sabem(Espanha, 2021)

 
O conhecido diretor de curtas-metragens, Jordi Nuñez,  apresenta em seu longa de estreia a relação entre um grupo de amigos, de Valência, que se encontram num momento crucial das suas vidas, aquele em que devem escolher o caminho a seguir.

A história é articulada a partir do vínculo entre Carla (Nakarey) e Víctor (Javier Amann), que exercem uma atração que ambos vivem no âmbito do grupo de amigos e que se consolida através de diferentes encontros. 

El que sabem recorre a referências típicas, como o uso da festa de Fallas como metáfora para referir a natureza efémera das relações. A música valenciana, o incêndio que destrói o monumento Fallas e implica uma renovação do passado simboliza o início e o fim de uma etapa, a vida exposta como um ciclo que afeta emocionalmente as personagens.

O filme está rodeado por um local mágico. A essência que se respira em 'El que sabem' é tão bem sucedida e com raízes tão marcadas que é capaz de dialogar universalmente.

A equipe, a cinematografia e a trilha jovem são as grandes conquistas do filme. Embora não tenha rostos familiares, exceto pela participação especial da drag Samantha Hudson, o longa funciona perfeitamente por conta própria. A química do elenco atravessa a tela e a capacidade de se fundir com seu diretor é notável.

Fora o cenário, Valência, não há nada de novo no mundo dos coming-of-ages, assim, há que ficar com o frescor proporcionado pelo filme. Além de falar sobre o amor da juventude e a amizade, aparecem outras questões como a traição e as relações entre pais e filhos.

When Time Got Louder(Canadá, 2022)

Saindo de casa para a universidade, Abbie (Willow Shields) prospera enquanto experimenta independência e autorrealização. No entanto, ela é atormentada por saber que seu irmão Kayden (Jonathan Simao), que tem autismo e não fala, está se recuperando de sua ausência e levando seus pais (Lochlyn Munro e Elizabeth Mitchell) ao limite.

Enquanto está em casa para as férias, Abbie enfrenta a decisão impossível entre voltar para Karly (Ava Capri), a mulher por quem ela se apaixonou, ou fornecer a Kayden o apoio de que ele aparentemente precisa desesperadamente.

Com base em suas próprias experiências, crescendo com um irmão com TEA, Connie Cocchia cria uma representação clara dos impactos do autismo em um indivíduo e sua família.

A essência do filme é dada no início. Após um incidente, um jovem ferido está em uma cama de hospital. Sua irmã está sentada com os olhos marejados na sala de espera, enquanto uma assistente social questiona seus pais sobre suas condições de vida.

Kayden e Abbie compartilham um dom notável para desenhar, um dom que dá a Abbie uma carona para uma faculdade de Los Angeles para estudar animação. É o primeiro passo para realizar um sonho que ela compartilha com o irmão: criar seu próprio programa de TV.

Quando Abbie vai para a faculdade, metade de When Time Got Louder se transforma em um conto de amadurecimento encharcado pelo sol de Los Angeles e recheado de alegorias do primeiro ano. Na primeira semana, Abbie faz amizade com sua alegre colega de quarto, que a arrasta para uma festa onde ela compartilha um beijo.

Em Los Angeles, os óculos cor-de-rosa começam a cair conforme Karly fica cada vez mais frustrada com a relutância de Abbie em se assumir para seus pais, o que leva a um rompimento pouco antes da protagonista voltar para casa nas férias.

Um filme com mensagem, When Time Got Louder tem um final emocionante e faz um desvio pensativo do arco típico da história. Os clichês pontuam a trama, que sofre em algumas cenas de tom emocional. Mas em outros, é difícil não se perder em performances de tirar o fôlego. O coração pulsante, da diretora, ressoa no filme, impregnando a história dos Petersons com empatia, paciência e amor.

Shall I Compare You to a Summer's Day?(Bashtaalak sa'at, Egito/Líbano/Alemanha, 2022)

Do Egito vem o colorido, e provocativo, Shall I Compare You To A Summer's Day?, de Mohammad Shawky, onde numa ode às Mil e Uma Noites um grupo bonito e animado de jovens árabes gays, principalmente egípcios e libaneses, vestidos apenas com roupas íntimas ou menos, contam suas histórias de amor e luxúria, incluindo poesia, animação, canto e performance com nudez.

As histórias são sensuais, comoventes, muitas vezes engraçadas e às vezes tristes. Este é um filme sobre a beleza da linguagem e da narrativa, combinando os idiomas árabe e a inglês e misturando conceitos de arte. 

A obra é uma experiência cinematográfica como poucas, chegando a se assemelhar com os mais experimentais de Derek Jarman. Descrito como um drama romântico queer e um contemporâneo quase musical, o filme de Hassan tem um universo muito próprio.

Inspirado nos diários do cineasta egípcio, as histórias são contadas por meio de monólogos, entrevistas e impressionantes interlúdios artísticos. Esses contos de amor e saudade são transformadas em lindas lendas folclóricas, entrelaçadas com os sons da música pop egípcia.

Apesar da falta de uma narrativa linear, a naturalidade com que Mohammad Shawky Hassan reúne a masculinidade árabe e a identidade queer neste quadro não é vista com frequência no cinema, explorando por meio do conceito situações poliamorosas, tecnológicas e filosóficas.

O espaço indefinível do filme é o Club Scheherazade. Ele é utilizado para a performance da interseção com raça e identidade queer, preservando seu desejo e encontrando um lugar para trazê-lo à tona dentro de um mundo que obriga tais sentimentos a permanecerem ocultos.

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O mais próximo de um personagem central não vem de uma pessoa, mas das palavras onipotentes ditas acima de seu reino de existência: além das citações de Shakespeare que acompanham o título e o início de cada capítulo, estão várias canções e a poesia do poeta libanês-australiano Wadih Sa'adeh.

Embora o amor possa ser intenso e espaços seguros como o Club Scheherazade possam ser um local através do qual a verdadeira identidade ganha vida, a mensagem é que neste território, é apenas uma fuga de um mundo do qual estes homens árabes sentem que devem escapar.

All Our Fears(Wszystkie nasze strachy, Polônia, 2021)

No coração do premiado All Our Fears bate a espiritualidade. O protagonista Daniel (Dawid Ogrodnik) é um artista, fazendeiro e, o mais importante, um jovem queer. Ele literalmente usa sua sexualidade nas mangas enquanto sua jaqueta exibe com orgulho as cores do arco-íris.

Ele é um salvador de jovens queer que sofrem de bullying e violência doméstica relacionados a sexualidade. Ele sofre por dentro para dar voz aos que não têm voz. Sua força também vem de sua avó (Maria Maj) que lhe oferece apoio emocional incondicional.

A tragédia acontece quando a amiga íntima de Daniel, Jagoda (Agata Labno), se enforca em uma árvore para escapar da dor do bullying incessante das pessoas de sua aldeia - as pessoas com quem ela cresceu; as pessoas que ela via todos os dias. De acordo com Daniel, seu sofrimento era semelhante ao de Cristo. Ele acredita que as pessoas da aldeia são responsáveis ​​por seu suicídio e se inclui entre os malfeitores. 

O filme é inspirado nas obras do artista visual gay polonês Daniel Rycharski, que tem o dom de destacar os sofrimentos da juventude queer por meio de sua arte de vanguarda. A obra combina habilmente paisagens rurais pacíficas e a tensão latente dentro do grupo de moradores da vila.

O trunfo do longa é que ele ousa responsabilizar a religião por suprimir a voz da comunidade queer e isolá-la. No entanto, o protagonista Daniel é um católico devoto que acredita radicalmente que a religião e a comunidade LGBTQIA+ podem coexistir se ambas as partes fizerem um esforço.

Os diretores Lukasz Gutt e Lukasz Ronduda criam um mundo habitado por crentes, inconformistas e pessoas  LGBTQIA+, e todos eles encontram pontos em comum para compartilhar, medo, culpa e possível redenção.

Fogaréu(Brasil, 2022)

Na fronteira entre o real e o fantástico, os tempos coloniais e a modernidade avassaladora do agronegócio, de Goiás são o cenário onde Fernanda(Bárbara Colen) deve enfrentar os segredos de seu passado. Após a morte de sua mãe adotiva, a jovem retorna à casa de seu tio rico para resgatar sua história e revelar a dolorosa verdade sobre suas origens. 

Fernanda chega na casa de seus parentes, seu tio Antônio,(Eucir de Souza) prefeito da cidade, no interior de Goiás, e com terras em disputa com os indígenas. Com esta família de latifundiários vivem duas mulheres tratadas quase como escravas dedicadas ao serviço doméstico, Mocinha(Nena Inoue) e Joana(Vilminha Chaves).

Ao entrar em contato com os parentes, Fernanda desconfia do que contam sobre sua mãe, Cecília, que foi embora com ela quando ela era criança. Agora, depois de voltar com suas cinzas, há uma grande discrepância entre o que ela sabe e o que lhe contam.

Em torno de todos se espalha uma nuvem escura familiar onde os interesses econômicos conflitam com a realidade das relações autênticas do patriarca da família,  e seu filho que segue carreira política.

Também é denunciado o poder social usado para se impor quando sente que os privilégios da classe política dominante estão em perigo. O tradicional pano de fundo antropológico e sociocultural pulsa em Fogaréu, manifestando-se na busca de Fernanda por sua própria identidade.

Fogaréu, segue a tendência de descentralização do cinema nacional e se passa no meio rural e pecuário de Goiás, afetando as heranças do colonialismo branco e sua dominação sobre a população indígena e negra. A música de Fernando Aranha inclui canções e danças de origem regionais que são complementadas pela expressiva fotografia de Luciana Baseggio e Glauco Firpo.

Ao longo de Fogaréu o tratamento do realismo mágico transcende em suas imagens e representações na forma de uma procissão ritual. Além disso, é importante o personagem de Ezequiel(Timothy Wilson) um visionário que acentua com suas interpretações da realidade o lado fantasioso do filme.

Por diversas vezes aparece o cortejo ritual dos farricocos com tochas e mantos e capuzes, que lembram a KKK, assim como a presença do fogo como elemento purificador e mágico no Fogaréu. Existem outras sequências com água e banhos de rio que acrescentam simbolismo e discernimento a toda a ação.

O filme carrega uma reivindicação feminina sustentada pela demonstração de violência contida na própria linguagem: discriminação, privação de direitos e abuso de pessoas neurodiversas, enredadas em uma complexa rede de racismo, colonialismo e capacitismo.

Flávia Neves assina um filme que afunda sua força no cenário, completamente imerso em um lugar que se torna tempo e enredo. As cores são vivas, o ar empoeirado, as paredes queimadas pelo sol, e a história sofre com o próprio calor, mantendo assim sempre o tom manso.

Eismayer(Áustria/Alemanha, 2022)

Masculinidade tóxica, preconceito geracional, progresso crescente, políticas sexuais no local de trabalho, o papel da comunidade LGBTQIA+ nas forças armadas, são tópicos que disputam espaço na promissora estreia do austríaco David Wagner, baseada em uma história real. 

Charles Eismayer (Gerhard Liebmann) treina um grande número de recrutas todos os anos. Ele é conhecido por sua severidade e sua maneira muitas vezes abrupta e intransigente. Seu caráter mal-humorado, porém, serve para que ele guarde um segredo que pode arruinar sua carreira e sua família: ele é gay.

No momento em que o jovem iugoslavo Mario Falak (Luka Dimić) se juntar ao seu grupo, ele entrará em conflito imediatamente. Logo, porém, um vínculo muito mais profundo será estabelecido entre os dois. 

A vida de Eismayer sempre seguiu uma rotina. No entanto, abrir mão da própria natureza e identidade pode levar a consequências bastante importantes. Não é por acaso, portanto, que o protagonista fuma compulsivamente e adoece do estômago. Assim como não é por acaso que, principalmente nas cenas filmadas em ambientes fechados, o realizador optou sabiamente por ambientes escuros e pouca iluminação que deliberadamente transmitem uma profunda sensação de claustrofobia.

Tudo em Eismayer é levado ao extremo realismo, nada é açucarado ou ficcionalizado de forma alguma. Nenhum dos personagens é apresentado como um herói impecável, mas cada um deles, com todos os seus defeitos, segredos e fragilidades, parecem mais humanos do que nunca.

Ao mesmo tempo, David Wagner evita habilmente qualquer retórica ao encenar primeiro um amor conturbado, difícil, quase impossível, fazendo com que objetos, olhares e close-ups intensos possam falar por si mesmos, comunicando mais do que palavras.

Há um vazio em Eismayer que evoca sua tristeza de forma extremamente eficaz. Como tal, nos momentos mais suaves com sua ex-esposa (Julia Koschitz) e filho (Lion Tatzber), Gerhard Liebmann é capaz de transmitir uma grande quantidade de emoção fazendo muito pouco.

É por meio de Falak que Eismayer ganha sua redenção e sua liberdade. Assumidamente gay e um soldado muito eficaz, Falak desafia não apenas os estereótipos que moldam a visão de mundo de seus instrutores, mas Eismayer diretamente. Abraçado pelos outros cadetes, mais jovens, como atitudes mais liberais do século 21 naturalmente acontecem  nas forças armadas, Falak expõe como são redundantes os preconceitos daqueles que se apegam ao passado.