Fallen Fruit (EUA, 2024)

Baseado nas experiências do diretor Chris Molina, seu filme de estreia, Fallen Fruit segue a jornada de Alex (Ramiro Batista) depois que ele é forçado a voltar para sua casa em Miami, Flórida, com muita bagagem emocional e recém-saído de um término com alguém que ele pensava ser o amor de sua vida. Alex documenta isso à sua maneira com a velha câmera de seu pai, filmando os dias de distância enquanto luta para descobrir como navegá-los.

Alex está perdido, confuso e cheio de desgosto, sua família se retira e lhe permite um espaço de luto e cura. Como Alex voltou toda a sua vida e prioridades em torno do relacionamento, o término o deixa sem chão. Ele é obrigado a recomeçar na cidade que ele pensou ter deixado para trás de vez

Ele precisa superar sua perda e tristeza para deixar entrar a alegria revitalizante que vem através de uma conexão. Chris (Austin Cassel) se torna uma espécie de amparo para ele, libertando-o e propondo que pode haver mais para Miami e para a vida do que suas terríveis esperanças.

Molina tem uma compreensão inata de seus personagens e projeta seu foco e percepção sobre como as pessoas se relacionam umas com as outras. O diretor capta a atração entre Alex e Chris por meios pacientes, destrinchando suavemente o relacionamento deles ao focar nos momentos mais leves.

A performance de Batista guarda as tensões melancólicas necessárias, bem como uma abundância de feições doces e tímidas com igual ternura. Uma fragilidade e vulnerabilidade dolorosas transmite com um brilho moderado, mas poderoso, a maneira como ele carrega as inseguranças e ansiedades latejantes de seu personagem.

O furacão que se aproxima simboliza engenhosamente a história de Alex, servindo como uma metáfora para suas batalhas internas e externas. Essa escolha narrativa eleva a compreensão do filme sobre a história, trazendo essa jornada para equilibrar temas, levando o filme a um encontro climático com a vulnerabilidade e o surgimento de novos começos.

Uma carta de amor à Miami infunde Fallen Fruit com uma mensagem pessoal e universal que parece sincera. O longa transcende uma mera estreia como diretor, é  uma homenagem sincera a uma cidade, refletindo sobre temas de fracasso, resiliência e busca por pertencimento.

À medida que Alex lentamente percebe que ele é quem  conduz o curso de sua própria vida, Fallen Fruit o cria como um símbolo de mudança. Enquanto as pessoas em sua vida são forçadas a tomar posições sobre seus relacionamentos, a perspectiva de Alex muda lentamente em relação ao seu potencial e capacidade de viver como um adulto. O tempo todo, o furacão simbólico paira sobre ele como o peso iminente do futuro.

Woman of... (Kobieta Z..., Polônia/Suécia, 2023)

Dirigido por Małgorzata Szumowska e Michał Englert, Woman of… tem o objetivo de contar a história de 45 anos da vida de Aniela, uma transgênero polonesa, e sua luta para ser aceita pela sociedade e seus familiares, dentro do mesmo período da turbulenta história da Polônia, ainda atrasada em relação aos direitos civis LGBTQIA+

Quando Andrzej(Mateusz Wiezlalek) e Iza (Bogumila Bajor) se conhecem na Polônia, na década de 1980, o amor deles é grande. Até que ele não consegue segurar mais sua transgeneridade. Andrzej tem medo do tratamento hormonal. Mas, no fundo, o personagem  começa a perceber que realmente quer ser uma mulher.

A história de amor, captada em planos exuberantes, lembra o retrato da relação central de Laurence Anyways (2012), de Xavier Dolan. Andrzej lentamente começa a encontrar a si mesmo e sua verdadeira identidade de gênero. Andrzej informa-se na biblioteca e, mais tarde, no cibercafé, sobre fenómenos como o crossdressing e as possibilidades de redesignação de gênero.

Nas ruas vazias da cidade de Tomaszów Mazowiecki à noite, Andrzej vive sua existência como mulher de salto alto e com roupas femininas em grande parte despercebida. Enquanto isso, um médico considera a prescrição de testosterona para deixá-lo “apropriado".

É somente depois de muitos anos, quando a personagem principal (agora encarnado por Małgorzata Hajewska-Krzysztofik) muda seu nome para Aniela, que um médico é encontrado que tem a intuição e competência necessárias. "São normais", garante o profissional a Aniela – e explica-lhe que nunca é tarde para iniciar o tratamento hormonal.

A personagem se veste cada vez mais feminina, isso não leva tanto a insultos ou ameaças, mas à exclusão. Aniela é deixada à própria sorte, mesmo que isso resulte em demissão ou falta de moradia. Quando ela é abordada por seu nome antigo ou como "senhor", ela geralmente supera isso em vez de corrigir imediatamente seu interlocutor. Afinal, Aniela é tão tímida quanto Andrzej.

A única pessoa com quem Aniela às vezes pode falar sobre sua situação é aquela que tem algo a perder: a esposa Iza. Porque, apesar de tudo, os dois têm um casamento bastante estável. No entanto, isso terá que ser dissolvido se Aniela quiser se submeter à cirurgia de redesignação de gênero. Afinal, o casamento entre duas mulheres não é permitido na Polônia. 

Rigoroso em termos de representação Woman Of…, dá o seu melhor quando se centra na evolução psicológica da personagem de Aniela. São justamente as rugas exibidas no rosto de Hajewska, comparadas com a versão jovem da personagem que representam plasticamente a passagem do tempo que já produziu seus efeitos, começando a desgastar um corpo, mas não antes que ele possa se tornar aceitável para quem o habita. 

FELIZ DIA DO ORGULHO LGBTQIA+

Minha lista, minhas regras! Nada mais adequado que como uma página de cinema, expor meu Orgulho através de meus 10 filmes LGBTQIA+ favoritos. Eles dizem muito sobre mim, sobre minha essência, personalidade e sobre minha formação cinéfila. A lista faz parte de um TOP 100, que foi postado em fevereiro de 2023 no blog, e pode ser conferido aqui.

Birder (EUA, 2023)

A segurança nunca está garantida na estreia de Nate Dushku na direção, Birder.  Um filme que expressa tanto o naturalismo de uma identidade sexual mais aberta quanto o perigo que vem da confiança automática e da aceitação de um estranho em um determinado ambiente.

Kristian (Michael Emery) nasceu no Texas, ele é um fotógrafo bonito, rico e desembaraçado observador de pássaros que visita Lotus Cove, um acampamento queer nudista perto de um lago em New Hampshire, onde a roupa é opcional.

A maior parte da ação acontece em Lotus Cove, às margens de um lago. É um lugar onde a liberdade se expressa na facilidade com que as pessoas entram e saem, na atitude relaxada em relação ao sexo e na atmosfera geral de aceitação. Há pessoas aqui de vários gêneros, não apenas homens gays, e todos estão dispostos a ficar nus. Há conversas livres, fogueiras noturnas, álcool e outras substâncias inebriantes.

O comentário sobre a vida queer e a aceitação é interessante, embora certamente possa ser argumentado que o filme é muito mais sobre um estilo de vida e os limites do consentimento e da liberdade do que sobre ser gay. É um filme inteligente, que brinca com os potenciais elementos cômicos, mas evitando se tornar uma comédia sombria, remetendo obviamente ao francês Um Estranho no Lago(2013).

É claro que Kristian não cumpre as regras do acampamento, e em seguida comece a acumular corpos. O desempenho de Emery é arrepiante. Ele pode ativar o tipo específico de charme gay que ele sabe que sinalizará seu status, mas também finge a quantidade certa de perigo para provocar excitação.

As cenas de sexo e nudez são bastante explícitas, o que nos permite entender, ou pelo menos observar como o perigo pode ser despertado e como alguém pode se envolver nesses momentos que sua própria segurança não está passando por suas mentes. 

Birder é um dos primeiros filmes a abordar o assunto dos encontros mortais de forma incisiva. É enquadrado como um thriller erótico, e há elementos cômicos, mas em sua essência está fazendo um comentário importante, lembrando os espectadores de cuidar adequadamente de si mesmos e uns dos outros.

Todo o Silêncio (Todo el Silencio, México, 2023)

Filmes sobre portadores de deficiência ainda são raros, mas essa representação, quando feita com respeito e cuidado, também ajuda a tornar visíveis outras realidades para aqueles que lhes são completamente alheias. Um grande exemplo disso é Todo o silêncio, o filme de estreia do diretor Diego del Rio, bastante conhecidos nos palcos mexicanos.

Miriam (Adriana Llabres) é uma professora mexicana de língua de sinais para pessoas ouvintes. Apesar de não ser surda, aprendeu porque a mãe é. Isso causa conflito para sua namorada, Lola (Ludwika Paleta), que também é surda, mas fala (ela aprendeu a falar e usa um aparelho de escuta). No entanto, o mundo de Miriam toma um rumo inesperado quando ela descobre que está perdendo o sentido da audição.

Apesar de ser uma história de luto de Miriam por tudo o que não poderá mais ouvir, o diretor evita cair no capacitismo ao nos mostrar a grande diversidade de pessoas que existem na comunidade surda. Um personagem fundamental para isso é o de Manuel, amigo de Miriam, interpretado por Moisés Melchor, que é surdo na vida real. Ele faz a protagonista (e o público) ver que a vida sem ouvir é uma outra forma de perceber o mundo, não uma existência sofrida ou não funcional.

Da mesma forma, a personagem de Lola trabalha para mostrar como existem pessoas surdas que também escolhem outro caminho diferente da língua de sinais. Apesar de ser ouvinte, Paleta recebeu conselhos de um professor surdo oral sobre como canalizar sons e ser fiel em sua interpretação. Sua dedicação é perceptível, pois constrói uma personagem muito completa e cativante, longe do clichê.

O roteiro, de Lucía Carreras, é muito inteligente em não transformar a surdez em um elemento de sofrimento, mas algo que é desconhecido para Miriam. As discussões em torno do assunto são tratadas com empatia pelo texto, sempre deixando clara a dor de Miriam, sem demonizar ou nos fazer sentir pena. É uma linha muito tênue que ele consegue cruzar com sucesso.

O design de som, lembra The Sound of Metal(2019), e é muito bem utilizado para nos mostrar a perda gradual da audição. O som é distorcido de tal forma que apenas alguns tons altos ou baixos são audíveis em um determinado ponto, que as vozes soam longe ou que apenas certas frações de conversas são distinguidas.

A fotografia também busca nos imergir na mente de sua protagonista, com quadros fechados e avassaladores diante de seu desespero, e planos mais etéreos (quase táteis) quando ele reflete com mais calma sobre o mundo além do som.

Em Todo o silêncio, Diego del Río constrói uma história comovente que respeita a comunidade que representa na tela. Suas atuações fortes dão vida a um roteiro muito interessante que introduz o público às diferentes nuances da situação e permite que ele se deixe levar pela jornada de sua protagonista. 

Cyndi Lauper: Let the Canary Sing(EUA, 2023)

Narrado pela própria Cyndi Lauper, o documentário, de Alison Ellwood, deixa a cantora brilhar contando sua própria história, desde a infância, até ao estrelato por meio de hits oitentistas, e um período de transição, para sempre buscar a reinvenção.

Quando Cyndi era jovem, a música enchia a casa. Nascida em Nova York em uma família siciliana otimista, músicas dos Beatles e musicais da Broadway enchiam a casa. Mas as dificuldades também viviam lá. Após o divórcio de seus pais, o novo casamento de sua mãe trouxe abusos. Cyndi buscou refúgio no canto, fazendo covers de ícones como Janis Joplin.

O avanço veio através de uma música não destinada a ela. Em 1979, "Girls Just Want to Have Fun" foi escrita, mas faltou coração. Quando seu produtor tocou a faixa, Cyndi sabia que havia falhado. Ao longo de meses, eles transformaram a música em um hino, mudando seu próprio significado. Cyndi infundiu diversão com poder feminista e visuais elaborados, proporcionando humor e força em partes iguais.

A balada "True Colors", de 1986, de Lauper, tornou-se um hino de autoaceitação, quando a AIDS assolava a comunidade LGBTQIA+. Suas letras soam verdadeiras hoje, uma prova do dom de Cyndi para criar canções que elevam. Ela a escreveu para seu irmão, mas seu significado se expandiu para incluir todos que buscavam afirmação. 

A diretora Alison Ellwood utiliza uma mistura de técnicas cinematográficas para dar vida à jornada de Cyndi Lauper. Imagens de arquivo colocam os espectadores na primeira fila para performances vibrantes, depoimentos como os de Boy George agregam. Estes são justapostos com sequências animadas contemplativas que retratam a infância de Lauper. O contraste destaca como seu passado difícil alimentou seu sucesso futuro.

Quando a cantora recebeu o prêmio de Melhor Artista Revelação no Grammy na época, ela já tinha mais de 30 anos. Let the Canary Sing também fornece um pouco de visão sobre  a indústria da música como tal. Isso se aplica tanto ao tempo antes de sua descoberta, durante seu auge na década de 1980, e também aos anos posteriores.

É ainda mais simpático que o documentário também incorpore títulos menos conhecidos, incluindo o profundamente triste The World Is Stone, suas excursões posteriores ao gênero blues e country ou a canção Sally's Pigeons, que trata do tema do aborto e que mais tarde  ganhou maior importância novamente. Em geral, Ellwood deixa claro repetidamente que as músicas de Lauper não eram apenas cativantes, mas relevantes em muitos aspectos.

Outro destaque é Patti LaBelle, que se junta a Lauper para um dueto ao vivo de tirar o fôlego de "Time After Time". Suas vozes se entrelaçam lindamente quando o narrador Billy Porter compara a exibição a uma competição gospel. Essas apresentações únicas capturam a alegria e a intimidade da performance.

O documentário aborda o declínio comercial de Lauper após seu sucesso inicial. Ela discute os desafios em encontrar novos hits, mas continua dedicada ao seu ofício, conquistando sucessos como escrever Kinky Boots, para a Broadway, e ser premiada com um Tony. Embora breve em sua análise de um período recente, o filme reconhece a arte contínua de Lauper, apesar da mudança de gostos da indústria.

Levante (Brasil/Uruguai/França, 2023)

Um espírito potente  e combativo permeia, a estreia de Lillah Halla, uma celebração da irmandade queer diante do conservadorismo brasileiro. Sofia (Ayomi Domenica Dias), de dezessete anos, parece ter tudo certo. Como uma talentosa jogadora de vôlei, ela chama a atenção de um olheiro que lhe oferece uma bolsa patrocinada no Chile.

Além disso, um relacionamento próspero se desenvolve com sua companheira de equipe, Bel (Loro Bardot). No entanto, a sorte muda  quando Sofia descobre que está grávida. Ela decide interromper a gravidez, mas se depara com a dura realidade de que o aborto é ilegal no Brasil.

O contexto do time, um espaço majoritariamente "queer", com jogadoras trans e não-binárias , traz uma carga especial para o trauma de superar uma gravidez indesejada. Quando um grupo de extrema-direita, apoiadores de Bolsonaro, toma conhecimento de sua situação por meio de fofocas que circulam no bairro, a equipe se torna um núcleo de resistência feminina, um espaço de defesa mútua para uma série de questões específicas de gênero.

João (Rômulo Braga), o pai de Sofia, é apicultor. Através de sua profissão, ele encarna a ameaça inexplicável da destruição da natureza pelo governo brasileiro. Uma visão de um país imposto a mentes e corpos que faz da situação em Sofia uma questão puramente política.

O protesto contra o controle policial de corpos femininos e não-binários é relevante, comovente e empoderador, não importa o quão indigesto seja. E apesar dos elementos sombrios e frustrantes do filme, a estreia de Halla é um primeiro jogo maduro e agridoce em quadra.

Cheio de frescor, Levante é como seu título: um convite à revolta contra a injustiça de um Estado que interfere na intimidade das mulheres. O peso do bolsonarismo obviamente pende no filme que é uma reação epidérmica à sua intolerância. No entanto, ninguém carrega o rótulo de vítima.

Se os corpos nus nos chuveiros expõem sua diversidade para a câmera, sua presença não é objeto de debate. Nem a proximidade física entre Sofia e a melhor amiga Bel. O reconhecimento da comunidade LGBTQIA+ em toda a sua diversidade é uma necessidade natural aqui, sem alarde ou reivindicações. Nesta atmosfera de tolerância óbvia, onde ninguém é julgado pelo seu gênero, a pressão do Estado a que Sofia está sujeita parece ainda mais brutal e intolerável .

Contrafogo a um Brasil dominado pelo populismo, Levante se ergue com energia comunicativa contra a pressão de uma potência que quer impor uma visão religiosa retrógrada a toda a população. Embora o desgoverno já tenha deixado o poder, o filme de Lillah Halla é uma prova do impacto de seu tempo no país. Uma cicatriz profunda que funciona como um alerta e uma mensagem de esperança. Numa democracia, como no voleibol, todas as vitórias podem ser postas em questão.

Maschile Plurale(Itália, 2024)

Três anos, após os acontecimentos do primeiro filme, Antonio(Giancarlo Commare) e Luca(Gianmarco Saurino) se veem pela primeira vez após a morte de seu melhor amigo Denis. Luca, que chegou ao fundo do poço, teve a sorte de conhecer Tancredi, seu atual namorado, enquanto Antonio se concentrou em seu trabalho, tanto que agora é um chef conhecido em uma patisserie.

É claro que ainda há uma relação especial entre os dois, mas Antonio confunde o carinho de Luca com algo mais e faz de tudo para arruinar seu relacionamento com Tacrendi(Andrea Fuorto). Será que Antônio aprenderá a se desprender do passado para vivenciar plenamente o que o futuro tem a lhe oferecer?

Seu histórico de namoro desde então tem sido irregular, pois toda a sua energia foi para desenvolver sua carreira. Um dia, Luca entra em seu café e os dois homens se reconectam. Luca passou por momentos difíceis nos últimos três anos e perdeu seu negócio de padaria. Ele agora é, no entanto, um jovem trabalhador bem-sucedido que trabalha em um refúgio para sem-teto LGBTQ, e está noivo de seu namorado Tancredi.

Antonio percebe que ainda tem sentimentos românticos por Luca, com que teve um caso poliamoroso, e no seu pior parte para destruir o relacionamento de Luca com Tancredi e conquistar seu coração.

O primeiro filme era mais sexy e atrevido, enquanto esse se concentra na tensão entre os homens, com uma ou outra sequência descamisados. Para ajudar e conquistar Luca, Antonio se oferece para entrar em uma parceria em sociedade com ele. Mas as coisas não saem exatamente como o planejado.

O diretor italiano Alessandro Guida criou uma sequência raramente bem-sucedida em Maschile Plulare. Estilo italiano por excelência, com ecos de Ferzan Ozpetek, emoções, cor e humor combinam com um belo elenco, fotografia, uma trama de várias camadas e uma trilha sonora suave para dar uma característica romântica.

Entre sentimentos, risos e emoções, o longa consegue convencer porque é capaz de juntar todo o registro que os relacionamentos e seus respectivos rompimentos trazem consigo, mas também a perplexidade de um garoto que dedicou toda a sua existência ao trabalho apenas para perceber que não tinha coragem suficiente para olhar ao redor e perseguir o que realmente precisava.

Queendom (EUA/França, 2023)

Para ê artista performátique Gena Marvin, sua casa se tornou o principal perigo para sua vida. O documentário que acompanha há quatro anos, entre 2019 e 2022, logo no início da invasão da Ucrânia que também se tornou uma ameaça para um certo número de jovens russos, justifica-se através dos seus figurinos escandalosos e criativos e em passeios a pé pelas ruas de Moscou perante o olhar curioso, mas também furioso, dos transeuntes.

Queendom, de Agniia Galdanova, apresenta-se, assim, como um retrato que se expande progressivamente para um olhar mais coletivo, sem que Gena Marvin se manifeste realmente como  ativista global representando um grupo de pessoas que não são aceitas em seu país, mas como uma reivindicação de sua identidade pessoal. Aos 21 anos, elu decidiu mostrar sua arte e não-binariedade sem medo: "Não me identifico com nenhum gênero ou orientação sexual. Mas também não tenho medo de nada." 

O documentário mostra algumas das atuações de Gena Marvin em gravações que ê tornaram popular nas redes sociais, mas que geralmente têm um fundo de opressão e solidão, em espaços vazios onde elu rasteja pela lama, ou em que anda perdide enrolade em fitas. E, no entanto, elu é reconhecide nos círculos artísticos, participando de uma sessão de fotos para a Vogue Rússia ou de um desfile de moda em que sua presença também desafia a beleza das modelos russas. 

Os momentos mais íntimos e frustrantes acontecem quando elu interage com seus avós, com quem fala ao telefone de Moscou ou quando volta para casa em Magadan, uma cidade de pescadores. Lá, elu  ajuda o avô no trabalho de pesca, mas também ouve novamente os comentários que mostram a incompreensão sobre o tipo de vida que leva ou como está constrangendo sua família.

Na realidade, parece haver um profundo sentimento de amor por parte dos avós, uma espécie de resignação que, no entanto, especialmente por parte do avô, é cheia de reprovações, mesmo que tentem ser afetuosas. A única vez que Gena realmente expressa medo é quando a invasão da Ucrânia está prestes a acontecer e elu tenta obter um visto para deixar a Rússia antes de ser convocade, ciente de que "entrar para o exército significa morte para mim". 

Queendom captura a situação de uma geração de pessoas LGBTQ+ enquanto Galdanova observa Gena em casa e em público. A diretora fez uma bela produção com muito amor pela imagem dos figurinos insanos que Gena faz e veste. Para ela, o documentário é sobre amor, resistência e compaixão. Uma vez em Paris, a emoção vem à tona. Ouvindo os resmungos do avô e depois conversando com a avó, elu percebe que não consegue viver sem eles, pois são os únicos que sabem quem elu é.

Spark(EUA, 2024)

Dirigido por Nicholas Giuricich, Spark tem um grande ponto positivo a seu favor, ele não usa a narrativa LGBTQIA+ tradicional, e sim a do loop temporal. Aaron (Theo Germaine) se vê revivendo o mesmo dia: sendo acordado pelu  amigue e colegue de quarto Dani (Vico Ortiz), indo em uma festa de aniversário com um belo estranho, Trevor(Danell Leyva), e transando com ele. O que parece desencadear o ciclo é o sexo.

Outro aspecto bastante positivo é que o filme mostra Germaine como uma estrela trans e não-binárie interpretando um personagem que compartilha o que significa se sentir confortável na própria pele enquanto explora os corpos de seus colegas na tela e navega pelas leis da atração.

Os loops temporais de Aaron em Spark são acionados durante cenas de sexo com Trevor, frequentemente quando um deles aumenta a paixão para ficar um pouco mais áspero. O que permanece constante são os esforços de Aaron para maximizar o loop temporal, descobrindo os gostos e desgostos de Trevor para seduzi-lo.

À medida que aprendemos sobre Trevor, ele se torna mais atraente. Spark se encaixa em algum lugar entre um romance e um filme de gênero, é preciso dizer que a apresentação naturalizada de personagens trans e não-bináries é muito bem vinda.

QUEM QUER QUEER

De 26/06 a 03/07 acontece no Rio de Janeiro, nos cinemas do Estação,  a mostra Quem Quer Queer. São mais de 20 obras selecionadas para compor um rico catálogo de representatividade, dentre mais e menos conhecidas pérolas do cinema LGBTQIAPN+. Vem conferir a programação

Programação (Estação NET Botafogo 1):

Quarta, 26/06:

21h - Orlando, Minha Biografia Política

Quinta, 27/06:

14h - Teorema

16h - Caravaggio

17h55 - Colegas de Classe

19h15 - Nunca Fui Santa

21h - Cidade dos Sonhos

Sexta, 28/06:

11h - Orlando, Minha Biografia Política (NET Rio)

14h - A Lei do Desejo

16h - O Funeral das Rosas

18h05 - Tangerina

19h55 - E Sua Mãe Também

22h - Pink Flamingos

23h59 - Crash: Estranhos Prazeres

Sábado, 29/06:

11h - O Funeral das Rosas (NET Rio)

14h - Nunca Fui Santa

15h45 - Lírios D’Água

17h40 - Blue

19h55 - Mistérios da Carne

22h - Paris Is Burning

23h59 - Ligadas pelo Desejo

Domingo, 30/06:

14h - Cidade dos Sonhos

16h50 - Batguano

18h25 - Priscilla, a Rainha do Deserto

20h30 - O Segredo de Brokeback Mountain

Segunda, 01/07:

14h30 - Caravaggio

16h25 - Blue

18h50 - A Lei do Desejo

21h - A Bela da Tarde

Terça, 02/07:

14h - E Sua Mãe Também

16h20 - Teorema

18h15 - Lírios d’Água

20h - Orlando, Minha Biografia Política

Quarta, 03/07:

14h - Tangerina

15h50 - Mistérios da Carne

18h - Batguano

19h40 - Colegas de Classe

21h - Filmes Queer em Super-8 na Paraíba

Quinta, 04/07:

21h -  Novos Filmes Queer

Sexta, 05/07:

21h -  Toda Noite Estarei Lá

Programação (Estação NET Gávea):

Sábado, 06/07:

14h30 - Ligadas Pelo Desejo, das Irmãs Wachowski, com 105 min.

16h35 - Nunca Fui Santa, de Jamie Babbit, com 84 min.

18h30 - Crash: Estranhos Prazeres, de David Cronenberg, com 100 min. 20h30 - Cidade dos Sonhos, de David Lynch, com 147 min. VALORES: 16 reais a unidade das sessões regulares. 18 reais os Filmes da Meia-Noite e as matinês. Pacotes de ingressos (7 ingressos a 12 cada e 14 ingressos a 11 cada) disponíveis na bilheteria local do Estação NET Botafogo.

Becoming Karl Lagerfeld (França, 2024)

Vagamente baseado na biografia Kaiser Karl, de Raphaëlle Bacqué, publicada logo após a morte de Lagerfeld, em 2019, Becoming Karl Lagerfeld apresenta um exame muito bem fundamentado do homem mais lembrado por seus cabelos brancos, rabo de cavalo e icônicos óculos escuros.

É aqui que conhecemos o ambicioso freelancer que estava desesperado para deixar sua marca, forjando rivalidades ferozes e emaranhados românticos ao longo do caminho. No centro de tudo está o hipnotizante retrato de Daniel Brühl como o enigmático jovem Karl.

A série cobre aproximadamente dez anos da vida de Lagerfeld, bem no auge de sua carreira como designer para Chloé e Fendi, antes de seu trabalho com a Chanel transformá-lo no Karl Lagerfeld que lembramos hoje. Mas Becoming Karl Lagerfeld não está interessado nesse aspecto de sua vida, pelo menos não nas minúcias dele. Em vez disso, a série se concentra em relacionamentos interpessoais,

A atração não se esquiva dos aspectos mais pesados de seu envolvimento com Yves Saint Laurent (Arnaud Valois, de 120BPM). A história explora a rivalidade florescente, mas tensa, de Karl e Yves, enquanto ambos buscavam chegar ao topo e definir a era através de seus designs. A competição só foi intensificada pelo carinho que ambos passaram a desenvolver pelo mesmo homem, Jacques de Bascher(Theodore Pellerin). Como Karl continuou seu romance com Jacques, apesar de inúmeros obstáculos, isso colocou ainda mais tensão em seu relacionamento com Yves. 

O design de produção, de Jean Barrasse, é bastante glamouroso. Não faltam a alta-costura colorida dos anos 70 ou o estilo moderno, mas marcante, característico do próprio Lagerfeld. No entanto, a série de televisão francesa, criada por Isaure Pisani-Ferry, Jennifer Have e Bacqué, usa todo esse glamour e beleza como fachada, revelando os impulsos mais sombrios e isolados do designer. A incrível trilha sonora funciona como um cronômetro dos anos.

O desempenho sensível de Daniel Brühl humaniza Karl Lagerfeld sem descartar suas arestas mais afiadas. Entendemos as inseguranças e os muros defensivos por trás de sua persona distante. Mesmo momentos que poderiam mexer com julgamentos, como o tratamento dado aos rivais, tornam-se mais perdoáveis em seu devido contexto. A série acompanha como sua natureza protegida evoluiu em uma indústria implacável.

Brühl e Theodore Pellerin compartilham uma tremenda química na tela, eletrizando até mesmo os momentos apáticos de seus personagens. Seus olhares saudosos e trocas agridoces ressoam com emoção reprimida.

Ainda há espaço para uma narrativa bastante profunda e o estudo de personagem de Lagerfeld, que está quase desesperadamente se esforçando para triunfar, escondendo-se, mascarando-se e isolando-se, porque enfim, tinha um estilo peculiar.