Nunca Vas a Estar Solo(Chile, 2016)

Santiago do Chile. Pablo (Andrew Bargsted), um jovem estudante do ensino médio, descobre a paixão pela noite. Mas um dia ele é vítima de um violento ataque homofóbico que o deixa em coma. Enfurecido, seu pai Juan(Sergio Hernandez), faz de tudo para encontrar os culpados.

Baseado em uma história real, Nunca vas a estar Solo é o primeiro filme do também músico Alex Anwandter e tem sua gênese em uma notícia que chocou o Chile. Em 2012, Daniel Zamudio, um jovem homossexual, morreu após ser espancado na saída de um show de rock. Esse caso pressionou as políticas locais a tomarem medidas drásticas contra crimes homofóbicos.

Depois de anos de planejamento e tentativas, Juan também espera investir na empresa em que trabalhou nos últimos 25 anos e se tornar um sócio do negócio, uma fábrica de manequins. Ele finalmente será independente.

 Então Pablo é terrivelmente espancado em um crime de ódio e pode não sobreviver. Juan fica preso na burocracia do sistema de saúde, o que significa que, apesar de ter seguro, agora deve pagar quantias extorsivas pelos cuidados de seu filho. Com a polícia indiferente em levar os agressores à justiça e os sonhos de carreira de Juan em risco, tudo o que ele sempre acreditou é posto em questão.

O filme testemunha assim a evolução dos costumes no Chile. Estamos observando através da desordem pessoal de um pai, um questionamento da sociedade chilena sobre a cultura gay. Pablo mantém seu jardim secreto apenas admitindo a sua melhor amiga sua vontade de 'se montar.' Quando ele é agredido, todo um sistema familiar desmorona.

O início é em grande parte sobre Pablo e sua vida de clubes, drag, sexo, há algumas cenas fortes, e seus amigos. No entanto, após o ataque, praticamente não o vemos mais. O foco agora é em Juan, e como ele fez para lidar com a homofobia sofrida pelo filho.

Há raiva e emoção neste olhar sobre as consequências da homofobia e como as pessoas vendem uma ideia de vida que pode não ser alcançável. Há um enorme potencial narrativo, quando um pai toma consciência da diferença de seu filho, enquanto tenta encontrar seus agressores.

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Shit & Champagne(EUA, 2020)

D'Arcy Drollinger é um nome perfeito para uma drag queen, mas parece que isso não é uma invenção, mas possivelmente seu nome de nascimento real. De qualquer forma, Drollinger é um ator, escritor, músico, diretor, produtor e coreógrafo e também  dono de boate gay.

Ele claramente estudou onde as coisas deram errado e saiu em chamas com sua comédia drag excêntrica, Shit & Champagne, produzindo resultados espetaculares. Drollinger, que escreve, produz, dirige e estrela como Champagne White é obviamente um discípulo de Divine e de John Waters.

Champagne trabalha como stripper no Shaboom Boom Room, expondo hilariamente verdadeiros peitos e um merkin inesquecível. Como Divine, ela tem toda a confiança,  tremiliques, língua balançando, apertos nos mamilos, discursos raivosos e o ímpeto furioso de fumar, como Dawn Davenport, em Female Trouble(1974).

Tudo começa quando seu namorado Rod é assassinado na frente dela na rua. Depois de parar para fazer uma coreografia, de música e dança, Champagne sai determinada a encontrar o assassino e para isso se torna uma mestre do disfarce.

Quando ela finalmente rastreia o cérebro maligno de todo o caos, ela acaba cruzando seu caminho com personagens tão excêntricos e malévolos, ou peculiares e bizarros, como uma atendente de hipermercado interpretada pela notória Alaska Thunderfuck.

A verdadeira beleza, no entanto, está no elenco, na escrita, na direção e nas deliciosas referências e formas como Drollinger estica as cenas para o máximo efeito cômico. Cada sequência funciona, contendo joias como um holofote vindo do nada quando Champagne compartilha seus sonhos. 

A comédia é difícil, mas a comédia drag é ainda mais. Drollinger faz um filme camp, satírico, escandaloso, e que ao mesmo tempo serve como homenagem aos mais pervertidos filmes B da década de 1970. Algo como se John Waters dirigisse um filme de As Panteras.

“Meu nome é Champagne Horowitz Jones Dickerson White. Então, eu fui casada algumas vezes. Não é da sua conta, porra!”. A grande diferença entre este filme e os demais que vieram antes é que Drollinger sabe o que está fazendo, enchendo suas cenas de alusões enquanto esculpe um tom todo seu.

Guermantes(França, 2021)

É uma aposta perigosa colocar uma criação cênica na frente de uma câmera. Fazer um filme por direito próprio a partir de material documental: a retomada dos ensaios abortados de um espetáculo, após o confinamento.

Christophe Honoré aceitou o desafio, quando retomou, na primavera de 2020, a encenação para a Comédie-Française de sua adaptação, de Le Côté de Guermantes, de Marcel Proust, terceira parte de Em busca do tempo perdido.

Tinha assim a dupla missão: a de continuar a preparação da peça, destinada a ser apresentada e de fazer um longa-metragem sobre os bastidores. O Teatro Marigny em Paris é uma temporalidade compacta: os poucos dias do tempo ficcional; e parte da trupe do francês.

Jogos com a realidade também se somam à história: reivindicações sindicais da instituição, nascidas da crise sanitária, decisões colegiadas a serem adotadas quanto à continuidade do projeto - a data de reabertura dos teatros permanece incerta -, e a presença na tela do próprio Honoré, como o capitão de um barco surfando as ondas dessas águas incertas.

Honoré se diverte para inventando romance, tendo como pano de fundo oficinas proustianas, e se inspirando nas realidades e improvisações de cada membro do brilhante elenco. A imprecisão documental permanece voluntariamente total. 

O filme é um belo momento sobre espera e compartilhamento durante o período criativo, sobre a pandemia, como uma câmara existencial coletiva. Cada personagem evolui entre o desapego e o julgamento, entre o acampamento de verão, o acampamento improvisado e o fim da festa.

Uma extensão também da adolescência, que Honoré sempre preservou, com sua cota de fantasias, flertes, atmosferas arrastadas e gosto pelo disfarce, completado por um final alegre e o ilustre Proust sendo revisitado um século depois.

Terminado Guermantes, ficamos com a sensação de ter assistido a um momento privilegiado, com uma equipe como nenhuma outra, disciplina no vento da liberdade e também com a energia pulsante do amor pelas ondas da literatura e do cinema. 

Boogie Nights - Prazer Sem Limites(Boogie Nights, EUA, 1997)

Boogie Nights - Prazer Sem Limites, de Paul Thomas Anderson, é um épico fora da curva, uma história clássica de Hollywood ambientada nas sombras em vez dos holofotes, contendo ingredientes infalíveis: fama, inveja, ganância, talento, drogas, sexo, dinheiro e personagens vivendo um ponto de virada crucial na indústria pornográfica.

Em 1977, um garoto chamado Eddie Adams (Mark Wahlberg) do Vale de San Fernando, que é lavador de pratos, em uma boate de Hollywood, é descoberto por um pornógrafo chamado Jack Horner (Burt Reynolds ). "Tenho a sensação,'' Jack diz, "que por trás desses jeans há algo maravilhoso esperando para sair." Ele está certo, e em poucos meses Eddie é batizado como 'Dirk Diggler', estrela em ascensão dos filmes pornôs.

Jack Horner é a figura paterna de um estranha família extensa de profissionais do sexo e Burt Reynolds dá uma de suas melhores performances como um homem que parece não fazer sexo, apenas produzi-lo, embora ele viva com Amber Waves (Julianne Moore), uma ex-dona de casa e mãe, agora uma estrela pornô que faz ligações chorosas à meia-noite para seu ex-marido, pedindo para falar com seu filho. 

Anderson sabiamente limita a nudez no filme, e até a cena final não vemos o que Jack Horner chama de 'Mr. Torpedo Area'. Dirk conhece o Coronel (Robert Ridgely), que financia os filmes: "Posso ver?", pergunta o Coronel de cabelos grisalhos e terno. Dirk obedece, e a câmera fica no rosto do Coronel enquanto ele olha, e um sorrisinho engraçado e rígido aparece.

O grande elenco de Boogie Nights é bem equilibrado entre qualidades humanas e cômicas. Há Rollergirl (Heather Graham), que nunca tira seus patins, Little Bill (William H. Macy) é o assistente de direção de Jack, deprimido em festas enquanto sua esposa, a atriz pornô Nina Hartley. se dá bem com todos os homens que pode. Julianne Moore perfura o coração como Amber, que enterra sua agonia em sessões de cocaína com Rollergirl.

O novo melhor amigo de Dirk é Reed (John C. Reilly). Ele provavelmente está apaixonado pelo astro e o envolve em uma conversa de ginástica. Buck Swope (Don Cheadle) é um ator de segunda linha. O saudoso Philip Seymour Hoffman, é o sensível homossexual Scotty, o ‘faz tudo’ do set.

E a iminência sombria por trás da indústria, o homem que é o chefe do Coronel, é Floyd Gondolli (Philip Baker Hall), que na véspera de Ano Novo, de 1980, dá a notícia de que o videotape reserva o futuro da indústria pornô.

Através de todos os personagens e toda a ação, o roteiro de Anderson centra-se nas qualidades humanas. Eles podem viver em um mundo de má reputação, mas eles têm as mesmas ambições e, de uma maneira estranha, valores semelhantes ao mainstream de Hollywood.

A recriação dos anos 70, da trilha sonora até os trajes de lazer e movimentos de discoteca,  pretende mostrar a ilusão de glamour e as mentiras que esses supostos swingers da década dizem a si mesmos para acreditar na fantasia.

Boogie Nights  examina a indústria pornô como o negócio de satisfazer a luxúria e desmistifica seu sexo. Quando a cena final chega e vemos o que fez o Coronel olhar, não há mais nenhum pingo de ilusão de que é algo mais do que uma mercadoria. 

Mala Noche(EUA, 1986)

Mala Noche, o longa de estreia de Gus Van Sant adaptado do romance autobiográfico do poeta de rua Walt Curtis, de Portland, é um conto íntimo, em preto e branco, de amor imerso na subcultura de Oregon.

Walt (Tim Streeter), trabalha em uma loja de bebidas suja em  Portland. Ele é dominado por um desejo não correspondido por Johnny (Doug Cooeyate), um imigrante mexicano ilegal com lábios carnudos, um sorriso largo e juvenil, um traço de machismo e uma atitude de escárnio em relação aos avanços gays de Walt.

Van Sant observa sua dança de desejo e rejeição e coexistência cautelosa sem julgamento, mais interessada na moeda social trocada entre o adorador Walt e o desdenhoso Johnny, que, no entanto, se digna a fazer amizade com Walt por pequenos favores, como uma volta ao volante no carro de Walt.

Mala Noche também  é um retrato da vida nas ruas, da sobrevivência no degrau mais baixo da escala social.  Até mesmo Walt, que está apenas se dando bem em alguns trabalhos medíocres na pior parte da cidade, sabe que sua vida parece privilegiada em comparação com as dificuldades de Johnny e seu amigo Pepper (Ray Monge), procurando trabalho sem papéis ou qualquer fluência com o inglês.

Filmado em 16mm, em preto e branco poético, com um orçamento minúsculo de US$ 25.000, o filme é um verdadeiro indie americano feito antes do termo ser cunhado, muito menos usado como um gancho de marketing. É um filme beat moderno de luxúria e amizade e amor não correspondido entre os pobres e excluídos.

E também é um marco inovador do cinema queer, graças à aceitação improvisada de um personagem gay como protagonista. A homossexualidade de Walt é um dado, uma simples questão de fato, e não uma afirmação.

Mala Noche captura uma atmosfera única na área noroeste de Portland de motéis transitórios e dias sem rumo de uma população sem-teto e desempregada vagando pelas ruas, e a coloca na tela com lindas imagens em preto e branco. 

A Última Dança de Salomé(Salome's Last Dance, Reino Unido/EUA, 1988)

Em A Última Dança de Salomé, o controverso e monumental cineasta britânico Ken Russell interpreta um fotógrafo que grava uma performance da peça, de Oscar Wilde, Salomé. Wilde olha para o fotógrafo e declara: “Se sua atuação é tão grosseiramente indecente quanto seus estudos fotográficos, teremos uma noite ultrajante!”

A Última Dança de Salomé é outra fantasmagoria obra do cérebro febril de Russell – uma noite ultrajante, de fato. A apresentação de Salomé é apresentada em um bordel em uma noite de novembro de 1892. Oscar Wilde (Nickolas Grace) senta-se em travesseiros e observa sua peça se desenrolar, e ocasionalmente entra na ação.

Wilde é acompanhado por seu amante Bosie, também conhecido como Lord Alfred Douglas (Douglas Hodge). O célebre autor solta alguns versos ali e aqui “O sexo é o teatro dos pobres”. Nesta peça imaginada, Alfred faz Wilde calar a boca por alguns segundos, mencionando que sua peça proibida Salomé será representada pelos prostitutos e prostitutas do bordel. 

Quando Wilde assiste sua peça encenada, vemos como ela reflete em sua própria vida; ele se identifica com o João Batista da peça, também interpretado por Hodge, e prediz que foi traído por seu amante homossexual, assim como João é traído por Salomé.

A sedutora atriz que interpreta Salomé (Imogen Millais-Scott) é vista pela primeira vez como Rose, a camareira do bordel. Ela tem uma estrutura pequena e é fofa em vez de dotada de beleza crua. Sua Salomé é hipnotizante com uma capacidade de mover seu corpo tão efetivamente quanto uma cobra. Salomé é a impetuosa filha de Herodias, que é interpretada por Lady Alice (Glenda Jackson). Herodias é casada com o irmão de seu marido assassinado, Herodes(Stratford Johns), o rei da Judéia.

Quando os discursos do profeta cativo de Herodes, João Batista, são ouvidos por Salomé, ela fica fascinada com o que ouve sendo movida como uma voz inabalável contra o reino sodomita de Herodes e fica curiosa de maneira zombeteira sobre a mensagem do profeta relacionada ao poderes do messias.

O sombrio Herodes antes de se preparar para o banquete não consegue tirar os olhos de Salomé, o que está deixando sua esposa infiel com ciúmes. Salomé é incitada por Herodes sexualmente a dançar para ele, mas ela o engana ao não dizer sim enquanto ainda o conduz até que lhe entregue a cabeça de João Batista numa bandeja de prata.

A Última Dança de Salomé é exuberante, camp, estranho, escandaloso e como tudo que Ken Russell dirigiu está impregnado de sua marca. Um filme, que como a peça de Oscar Wilde, foi incompreendido na época de seu lançamento, mas que hoje deve ser considerado uma obra de culto, por todo o seu conteúdo e estilo muito peculiares.

Irma Vep(EUA/França, 2022)

Irma Vep é uma explosão metalinguística. A série de Olivier Assayas, para a HBO, produzida em parceria com a A24,  zomba das estruturas convencionais e mistura imagens do filme de 1996, da série Les Vampires, de 1915, de Louis Feuillade, originária da mítica personagem, para criar algo novo.

A série é ao mesmo tempo uma sátira pungente da indústria de entretenimento que vai transformar a ideia de refazer um seriado da virada do século como um arriscado experimento criativo e um drama existencial sobre o próprio processo artístico. Irma Vep é basicamente um remake de um remake. A série é uma releitura do próprio filme de Assayas de 1996, estrelado pela então globalmente popular Maggie Cheung, com quem ele se casou e, posteriormente, se separou.

Na série, o cineasta René Vidal(Vincent Macaigne) é o avatar de Assayas. Tendo chegado a uma encruzilhada criativa e completamente decepcionado com quase tudo, Vidal está – como Assayas – tentando, ambiciosamente, reviver o passado. Na atração, como na vida real, o cineasta acabou se casando com a estrela de seu filme, mas eles se separaram alguns anos depois.

Uma versão equivalente de Maggie Cheung também, na forma de uma estrela de Hong Kong agora aposentada, Jade Lee (interpretada pela chinesa Vivian Wu). Jade aparece para René em uma sequência de sonhos noturnos em que eles trocam perguntas: por que ela não respondeu aos e-mails dele? Como ele poderia assumir Les Vampires sem ela?

Alicia Vikander interpreta a jovem estrela Mira Harberg, que depois de estrelar um filme de super-herói de sucesso chamado Doomsday, decide que só pode ser levada a sério como atriz se concordar em aparecer em um programa francês dirigido por um aclamado cineasta. Vikander está maravilhosa, não só como Mira, mas também como Irma Vep e Musidora, a atriz que deu vida à personagem original

Mas Mira acaba sendo muito menos estrela do que seus colegas atores, como a atuação sutil e sensível de Vikander gradualmente revela. Ela é uma profissional consumada e uma jogadora de equipe surpreendente; mais de uma vez ela usa sua influência para ajudar seus colegas, incluindo sua assistente, Regina (Devon Ross). Crucialmente, também, Mira é uma das poucas pessoas no set que ama e entende Les Vampires o suficiente para se perguntar e mais emocionante, imaginar, como uma atualização de um seriado, de 1915, pode falar com um público contemporâneo. 

Nos primeiros episódios do programa, que tocam como uma sátira alegre do showbiz, a direção de Vidal no set começa a exibir um tema recorrente. Ele instrui seus atores a tornar suas performances mais assustadoras, ele diz ao departamento de arte para apertar o laço no pescoço de um personagem. 

Descontroladamente neurótico, René Vidal , tem o mau hábito de agredir verbalmente e às vezes fisicamente seus atores. Esses atores (entre eles Vincent Lacoste e Hippolyte Girardot), lutando para acomodar seus egos dentro dos parâmetros de um texto do início do século 20, questionam constantemente as motivações de seus personagens enquanto se recusam a examinar as suas próprias.

Em suas sessões de terapia, Vidal revela fetiches BDSM. A sexualidade encharca os personagens da série, a própria Mira é bissexual cercada por assistentes lésbicas. Mas de repente o que antes era um retrato excêntrico do processo artístico torna-se um mistério abstrato sobre as inseguranças de Mira, que são intensificadas quando ela sai em passeios noturnos surrealistas, procurando evidências sobre seus amantes de ambos os sexos.

Ao mesmo tempo, o traje de Mira é visivelmente mais elegante e preto, menos emborrachado e reflexivo do que o de Cheung, o que parece um aceno para um meio cada vez mais digital e dependente de efeitos. Como se quisesse chegar ao ponto, Mira, aproveitando os poderes líquidos e felinos de seu traje, começa a andar magicamente pelas paredes.

Ela se esgueira pelos quartos de hotel, escutando conversas com seus parceiros, seus ouvidos se animando toda vez que seu nome é mencionado. Kristen Stewart aparece rapidamente no final, reunindo-se com Assayas depois de Acima das Nuvens(2014) e Personal Shopper(2016). Seu breve personagem serve como outro lembrete para Mira de que ela, em última análise, sempre será dispensável,  tanto como atriz quanto como parceira romântica.

Irma Vep é um show vertiginosamente prismático e, embora seja uma delícia se você viu o filme ou não, há um enorme prazer em colocá-lo ao lado de seu antecessor e se maravilhar com o acúmulo de meta-camadas. Uma série sobre a criação de um série adaptada do mesmo seriado, oferece uma visão ainda mais saborosa e farpada do showbiz nos dias atuais.

El Perfecto David(Argentina/Uruguai, 2021)

El Perfecto David é uma história de amadurecimento dos tempos modernos, tensa e poética. O filme reflete com precisão a transição de um jovem de 18 anos para a masculinidade, tentando se encaixar em seu novo mundo adulto, quando os objetivos de vida, sexualidade e relacionamentos geralmente ainda são um pouco vagos e, às vezes, estão indo na direção errada.

O roteirista e diretor argentino Felipe Gomez Aparicio, junto com Leandro Custo, se basearam em experiências pessoais para contar a história da busca de um jovem pelo corpo pleno,, com temas de perfeição, controle e codependência – questões que afetam muitos dos jovens de hoje.

Depois de terminar um treino, o jovem fisiculturista David (Mauricio di Yorio) relutantemente posa para sua mãe Juana (Umbra Colombo), uma artista plástica, e ela passa os dedos em seu peito e ombros, notando pontos de melhora. É um estranho momento de intimidade corporal que parece quase sexual, mas os exames de Juana no corpo de seu filho são tratados com um cálculo imparcial em seu olhar investigativo..

David é um jovem estudante e, embora já tenha um corpo bonito, não está satisfeito e é obsessivamente levado a ficar cada vez maior, preparando-se para uma competição de musculação. Ele é auxiliado e incentivado por sua mãe obsessiva, seu instrutor de ginástica e colegas fisiculturistas.

David tem uma relação muito próxima, quase estranha, com sua mãe artista, Juana, que mede seus músculos todos os dias e observa seu progresso, empurrando-o para ficar cada vez maior – a clássica mãe insistente que busca o filho perfeito. Ela usa moldes de gesso do corpo de David para criar esculturas.

O comportamento de Juana não tem filtro - suas mãos se demorando nos músculos do filho, um pouco mais do que o necessário durante sua medição diária dele, e cenas íntimas como ela raspando suas axilas, aumentam a sensação geral de suspense.

Há uma história intrigante aqui sobre a obsessão descuidada de Juana em criar um corpo perfeito para David e as perigosas consequências de suas atividades artísticas – o impacto físico, mental e emocional na saúde e autoestima de David. Mesmo a relação entre os dois oferece uma dimensão psicológica estimulante, uma estranha relação guiada por artista e obra, onde ela o vê não como seu filho, mas como um corpo a ser usado como argila para moldar seus desejos artísticos. 

O protagonista parece confuso sobre sua sexualidade, masturbando-se com pornografia gay uma noite enquanto se entrega a um encontro com uma colega de classe (Antonella Ferrari) que termina em constrangimento quando ele não consegue ser excitado por seu toque feminino, em outra.

David é excelentemente interpretado pelo novato Mauricio Di Yorio, de 18 anos, que nunca havia atuado antes de assumir esse papel. Ele dá uma performance muito sutil e bem trabalhada, refletindo com precisão a insegurança desajeitada que a maioria dos homens de sua idade sente. 

O longa tem um tom frio e escuro, e muitas vezes é filmado em sombras. A atmosfera deve muito à iluminação soturna do diretor de fotografia Adolpho Veloso e a corrente de suspense geralmente inquietante é trazida à vida pela excelente trilha sonora do compositor Ezequiel Flehner. Enquanto refletimos qual o limite da arte, constantemente sentimos que algo ruim está prestes a acontecer.

Isaac(Espanha, 2020)

Isaac é o filme de estreia da dupla de realizadores David Matamoros e Ángeles Hernández, que até agora eram conhecidos pelos seus papéis de produtores. O filme é baseado em um roteiro escrito pelos diretores e Antonio Hernández Centeno, em cuja peça, El día que nació Isaac, o filme se baseia.

O longa emprega duas linhas do tempo diferentes para retratar personagens conflitantes, ambos cheios de mistérios. O filme conta a história de amigos de infância: Nacho ( Pepe Ocio) e Denis (Iván Sánchez). Um desses homens é sério e de classe alta; o outro, um boêmio despreocupado, mas que quer ter o próprio restaurante.

Depois de anos de distância e silêncio, eles se encontram em um café e aparentemente recuperam aqueles laços distantes de confiança, afeto e cumplicidade. Denis, que precisa de dinheiro para um empreendimento, não hesita em pedir um empréstimo a Nacho. A partir daí começa um jogo de dependências mútuas em que as duas parceiras dos homens – Marta (María Ribera) e Carmen (Erika Bleda) – estão ambas implicadas.

Nacho quer ter um bebê com sua esposa Marta, na esperança de salvar o casamento, mas eles não conseguiram conceber. A família de Marta é contra a adoção e está pressionando-a a usar uma barriga de aluguel.

Nacho propõe a Denis que sua parceira, Carmen, seja a barriga em troca de um grande pagamento em dinheiro. Denis está bastante ansioso, pois vê um caminho para escapar, mas Carmen tem sérias reservas em ter seu corpo usado dessa maneira. Marta também tem sérias reservas em ter um filho, mas Nacho está convencido de que é o que é necessário para dar sentido ao casamento frio.

E se essa colaboração de quatro vias não foi complexa o suficiente, pontas soltas, pressões sociais, ambição, desejos reprimidos e a culpa que pesa sobre os dois homens há muitos anos complicam ainda mais essa história tensa e pesada de poliamor.
O título Isaac na verdade se refere ao amigo de escola comum de Denis e Nacho. As coisas pioraram para os três jovens amigos quando Denis, o protetor do grupo, saiu sem se despedir. O bullying que Isaac enfrentou aumentou e Nacho não conseguiu ajudá-lo. Nacho cresceu com muita culpa pelo que aconteceu com Isaac. Ele também tinha muitas perguntas sobre a fuga de Denis.

Com Isaac, os diretores criaram um filme sofisticado e sexy com uma elegante mise-en-scène e trilha sonora emocionante. O filme mergulha em feridas profundas, desejos insatisfeitos e vidas sombrias onde as mentiras correm livremente. A saudade de uma juventude ingênua, livre e honesta, eventualmente prejudicada pela traição e pela tragédia – serve de contraponto na trama ao se deparar com a dura realidade da vida adulta vazia dos protagonistas.

Beira-Mar(Brasil, 2015)

Dois jovens amigos, Martin (Mateus Almada) e Tomaz (Mauricio Barcellos), partem juntos de Porto Alegre, para Capão da Canoa, no litoral sul do país. É o lugar onde o avô de Martin morreu recentemente e onde ainda vivem os parentes que ele não vê há anos. Tomaz sabe que será um momento difícil para Martin, mas isso não significa que eles não possam se divertir também.

No entanto, enquanto a viagem é principalmente sobre Martin, Tomaz fica calado sobre uma parte de si mesmo, mas à medida que os dois adolescentes passam mais tempo juntos, a tensão sexual cresce a ponto de eles terem que confrontar se há apenas amizade entre eles.

Com sotaque gaúcho, o filme, dos diretores Filipe Matzembacher e Marcio Reolon, se interessa pelas silenciosas mudanças nos mundos emocionais dos dois jovens e adentra profundamente a esfera dos adolescentes. 

Há uma naturalidade e espontaneidade entre Martin e Tomaz, sendo a obra um olhar bem estudado de duas pessoas que se conhecem extremamente bem, mas que estão crescendo e percebendo que estão mudando .

Quando eles chegam ao ponto em que o subtexto erótico começa a transbordar, é tratado com ternura e bastante sensualidade. De fato, há uma vantagem sexy em todo o filme, apresentando os jovens como seres sexualmente carregados que ainda precisam lidar com problemas sérios e adultos.

Esses becos emocionais sem saída estão lentamente se desfazendo. É uma época confusa, um jovem se aproximando da idade adulta. Perguntas começam a surgir, questões pessoais que podem nunca ter sido exploradas, pois todos se esforçam para se encaixar na norma social. Temas de inocência e identidade pessoal são abundantes em todo o longa.

O filme é um emocionante e cru coming-of-age. Desde o início, os diretores criam um rico tom atmosférico. Os longos olhares contemplativos de ambos os personagens principais são pontos focais inteligentes através dos quais o espectador pode se identificar.

Jogos de reflexões e silêncios sensíveis banhados no som de um mar onipresente, minimalismo, estética do frio, o frescor de uma interpretação não profissional oferecem a este primeiro longa-metragem, dos diretores do premiado Tinta Bruta(2018), um tratamento diferente dos filmes gays sobre amadurecimento.

Tudo é Possível(Anything's Possible, EUA, 2022)

A estreia na direção de Billy Porter é uma história moderna de amadurecimento sobre o último ano de uma garota trans no ensino médio. Tudo é Possível segue Kelsa (Eva Reign), uma colegial confiante com um grupo sólido de amigos, uma mãe solidária (Renee Elise Goldsberry), um ódio pela palavra "corajosa" e uma paixão por qualquer coisa relacionada a animais.

Na esperança de eventualmente encontrar um emprego em fotografia da vida selvagem, primeiro ela precisa navegar pela situação complicada que é seu último ano no ensino médio. Uma garota trans, Kelsa sente que gênero é tudo o que alguém vê quando olha para ela e quer mostrar ao mundo que ela é mais do que apenas isso.

Quando conhecemos a personagem principal, ela está criando um de seus muitos vídeos no YouTube onde fala sobre sua vida como uma pessoa trans. Através do diálogo com sua mãe solteira, seus amigos e seu interesse amoroso imediato Khal(Abubkar Ali), montamos o quebra-cabeça de sua jornada trans até agora; não foi um passeio fácil.

Infelizmente, quando Kelsa começa a namorar Khal, isso abre uma fenda em sua escola, pois os amigos de ambas as partes envolvidas mostram seus verdadeiros sentimentos. É uma lufada de ar fresco, então, que este filme cruze nossos caminhos e celebre a trajetória ruidosa de uma jovem trans em uma escola secundária dos EUA.

Tudo é Possível é fofo, otimista e o romance é crível, assim como a relação do casal com seus pais e familiares, mas também tem seus momentos de drama. Um momento vê Kelsa expulsa dos vestiários femininos devido a "preocupações", enquanto outro vê Khal entrar em uma briga com um amigo por suas próprias inseguranças. Os pontos da história não são revolucionários, mas destacam os egos das pessoas que não querem ser feridos quando algo muda em suas vidas.

Aceitar a si mesmo e aqueles ao seu redor não é algo que vem naturalmente para qualquer um, mas Tudo é Possível atinge as maiores complexidades de ser uma mulher transgênero que também é negra. Sob o olhar brincalhão de Billy Porter, o elenco tem espaço para se divertir com o roteiro e trazer um nível de ternura para os mais emocionais e batidas vulneráveis ​​também.

O Fiel Camareiro(The Dresser, Reino Unido, 2015)

Em uma produção de Rei Lear, o ator principal está beirando a insanidade à medida que a idade e o trabalho cobram seu preço. Simplesmente referido como Sir e interpretado por Anthony Hopkins, seu camareiro de longa data, Norman (Ian McKellen), espera por ele. A única recompensa muitas vezes é uma língua afiada e um olhar de desinteresse.

Richard Eyre habilmente dirige O Fiel Camareiro como uma peça dentro de uma peça, ecoando um estilo que serve para enfatizar ainda mais o filme como uma obra de magnífica intimidade de dois homens que expõe suas almas perturbadas e emaranhadas e, ao fazê-lo, torna-se poética sobre o grande propósito imbuído naqueles que sacrificam suas próprias vidas pelo bem de outro.

O Fiel Camareiro é um clássico do entretenimento real, orientado para o desempenho, e com grandes performances de Ian McKellen e Anthony Hopkins liderando esta última versão da peça de Ronald Harwood. O filme vai na jugular teatral desde o início, com uma longa conversa entre o constante assistente de bastidores Norman e a esposa silenciosamente miserável de seu chefe (Emily Watson) que apresenta sem esforço o drama principal.

Norman é o sofredor mas devoto assistente de “Sir”, um outrora poderoso ator que desde então experimentou um severo declínio mental e físico, emergindo como irracional, ininteligível, irascível e inconsolável, às vezes tudo de uma só vez.

Sir é uma força a ser reconhecida na frente do público, fazendo uma performance emocionante em uma pequena encenação regional de Rei Lear, mas sua vida atrás da cortina está desmoronando, acelerada por sua incapacidade de controlar uma mente errante e temperamento feroz.

Norman é a cola dedicada que o mantém unido, e ele passou tanto tempo com o ator que os dois desenvolveram uma codependência que se assemelha a um casamento assexuado de mentes. À medida que conhecemos os personagens, há um sorriso ansioso e uma alegria nervosa nos movimentos de Norman, mesmo enquanto ele observa Sir cambalear descontroladamente à beira da sanidade, o atendente não consegue esconder a sensação de auto-importância que sente ao saber que ninguém mais é tão bom em trazê-lo de volta.

O filme, ambientado durante a Segunda Guerra Mundial, mostra uma noite fatídica em sua companhia, quando uma performance do Rei Lear é realizada no meio de um ataque aéreo, com Sir lutando para se agarrar à relativa lucidez após uma completa confusão mental

Sua Senhoria, como a esposa de Watson é conhecida, é central em seu azedume em relação ao marido e como sua crescente insatisfação por estar ligada a uma presença tão exigente influencia suas próprias ações. Madge (Sarah Lancashire) é a gerente de palco cada vez mais horrorizada com a deterioração de sua estrela, que está tão ancorada em Sir quanto o resto deles, mas tão capaz de esconder as profundezas de sua devoção.

E, no entanto, é a relação entre Norman e Sir, e as cenas em que eles estão isolados, escorregando imediatamente para a cegueira fácil de dois homens que se conhecem além de qualquer medida, que ganham os holofotes. O Fiel Camareiro eleva-se nos pontos fortes desses personagens, escritos desde o início com profundidade brilhante e veracidade dolorosa por Harwood e incorporados na tela com dinamismo de tour-de-force por dois dos melhores atores vivos atualmente no cinema.

À medida que O Fiel Camareiro preenche seu tempo de execução de duas horas, impressiona mais pela forma como simultaneamente oferece às suas estrelas uma vitrine verdadeiramente excepcional e funciona como um hino instigante ao próprio meio de desempenho sem se desviar para o excesso. 

The Queen(EUA, 1968)

Décadas antes de RuPaul's Drag Race e Paris Is Burning (1990), e um ano antes de Stonewall, este documentário de 1968 deu à maioria do público seu primeiro olhar sobre a cultura drag. Tendo como pano de fundo o concurso de beleza Miss All-America Camp, de 1967, The Queen foi um dos primeiros filmes a se concentrar em uma subcultura retratando uma competição.

A abordagem improvisada do diretor Frank Simon, apresenta pela primeira vez Jack Doroshow, o experiente artista drag que organizou a competição e a conduz sob o nome de Flawless Sabrina. Em suas próprias palavras, Sabrina é “toda essa coisa de mãe de bar mitzvah.”

À medida que avançam em direção ao grande evento, até o mais mundano dos homens se transforma em uma bela mulher com a ajuda de uma peruca, maquiagem, um vestido e a ajuda de suas colegas concorrentes. A maioria das drag queens são cativantes e solidárias até que a vencedora seja coroada, momento em que Crystal LaBeija, fundadora da lendária House of LaBeija, pula em Doroshow, alegando que a coisa toda foi armada.

Miss Crystal, uma esplêndida criatura hispânica que explode de frustração e raiva quando descobre que a competição lhe escapou. Mas todos os outros artistas também têm sua capital de simpatia, jovens homossexuais das ruas de Nova York, das áreas nobres da Costa Leste reunidos em Manhattan para um concurso de drag queens. O diretor Frank Simon os deixa falar sobre suas histórias, suas relações com seus pais, seus amores, seus sonhos e seus sofrimentos.

A presença tranquilizadora da Flawless Sabrina, que os protege como uma verdadeira mãe, é um dos elementos mais comoventes do filme. Antes de brilhar temporariamente no palco do teatro um tanto decadente alugado para a competição, suas jornadas foram obviamente duras e atormentadas: jogadas na rua por suas famílias, excluídas de suas faculdades ou demitidas de seus empregos, elas encontram na comunidade drag a liberdade de identidade que lhes faltava.

The Queen é uma cápsula do tempo um registro da cena drag quando o cross-dressing fora do palco ainda era ilegal em Nova York. De fato, Doroshow foi preso enquanto promovia o filme na Times Square. A maioria dos verdadeiros shows de drag eram realizados em bares gays em bairros afastados em grandes cidades como Nova York, São Francisco, Chicago e Atlanta, que se tornaram centros gays.

Foi considerado um avanço em 1967 que Doroshow reservou um local importante, a Prefeitura de Nova York, para sua competição. Ele pode ter se safado porque o evento foi anunciado como "um acontecimento satírico", com a venda de ingressos beneficiando a Associação de Distrofia Muscular.

As drag queens da década de 1960 modelaram seus looks quase inteiramente em velhas estrelas de Hollywood, com uma concorrente chamada Harlow. Mario Montez, estrela de Andy Warhol, um dos jurados, é nomeado pela exótica protagonista como Maria Montez, proporcionando entretenimento no show.

Depois de décadas do filme ficar fora de circulação, o roteirista e cineasta Shade Rupe chamou a atenção do vice-presidente sênior de Kino Lorber, Bret Wood. Sob um acordo com o co-produtor original do filme, Si Litvinoff, o distribuidor deu à The Queen uma restauração 4k usando o negativo original da câmera e o reeditou em cinemas selecionados.

A última parte de The Queen é inesquecível: Miss Crystal, que acaba de perder a coroa para Miss Harlow e vê seu ego posto à prova, lança-se nos bastidores em uma cena digna de Bette Davis. Gritos, traições e ameaças irrompem na direção da extravagante organizadora da competição e da tímida vencedora, que o tomam por sua classificação em uma explosão de frustração épica. Cinco minutos infernais e hilariantes que provam que uma drag queen enfurecida sozinha pode ser mais intimidante do que um policial armado.