Solo(Argentina, 2013)

Sexy em todos os momentos certos, mas igualmente aterrorizante em outros, o longa de estreia do roteirista e diretor Marcelo Briem Stamm é um conto ameaçador, embora sensual, sobre amor e decepção.

E tudo gira em torno de Manuel (Patricio Ramos), um jovem que ainda sente a dor do fim do relacionamento, mas também está entediado por estar sozinho, optando por levar seu romance de sala de bate-papo com o sexy Julio (Mario Verón) para algo mais sério. Mas nada é o que parece,

O diretor brinca com o tema do estranho misterioso, enquanto os dois homens se separam e se mascaram na mesma medida, sonhando em fugir para começar uma nova vida juntos, apenas para a narrativa sugerir que as coisas não vão dar certo.

É um cenário que Stamm se deleita, fornecendo pistas aos poucos por meio de uma série de sequências de flashbacks que apresentam a melhor amiga de Manuel, Vicky (Laura Agorreca) e Carlos Echevarría, de Ausente(2011), como Horacio; amor da vida de Manuel.

Ambos os caras podem estar guardando segredos e eles começam a perceber que quando você conhece um estranho para fazer sexo, você não sabe quem você está convidando para sua casa ou para qual casa você está entrando.

Filmado com um diálogo que justapõe de maneira pungente as emoções de dois homens que desejam ser um casal amoroso, apenas para palavras que apontam para ações sombrias à frente, esse recurso ilustra maravilhosamente o que pode ser dramaticamente realizado com apenas dois atores.

Felizmente Ramos e Verón não decepcionam, sua atração física um pelo outro desenfreada desde o primeiro dia, ao longo do caminho, levando o cinema argentino a um nível de homoerotismo, raramente visto fora dos filmes de Marco Berger.

O filme faz um bom trabalho ao questionar se um ou ambos os homens são genuinamente perigosos, em vez de simplesmente estar muito ansioso para transformar uma conexão em algo incrivelmente intenso. Solo oferece várias possibilidades sobre o que realmente está acontecendo, embora não seja necessariamente uma grande surpresa quando a verdade for revelada..

O que também ajuda o filme é que a fotografia de Pedro Alvarez é muito sexy, com os homens gastando uma boa parte do tempo tirando suas roupas para fazer as coisas parecerem ainda mais vulneráveis ​​e perigosas.

Sexo e perigo podem ser uma mistura potente e isso se comprova aqui. Solo tem reviravoltas suficientes para mantê-lo ligado, boas atuações centrais e faz um ótimo trabalho ao criar um thriller homoerótico com um baixo orçamento.

The Pass(Reino Unido, 2016)

The Pass, de Ben A. Williams, é a adaptação de uma peça, que foi muito bem executada nos palcos. Sua configuração não parece se prestar imediatamente a ser aberta para cinema, pois por necessidade mantém uma estrutura de três atos,, tem somente quatro papéis falados e apenas três locações. Mas, apesar disso, funciona.

O filme começa em um quarto de hotel romeno, onde dois jovens jogadores de futebol, Jason, Russell Tovey reprisando seu papel no espetáculo, e Ade (Arinzé Kene) estão se preparando para o que pode ser um jogo de carreira no dia seguinte. 

Talvez subconscientemente em uma competição por status, ambos apenas em suas roupas íntimas - flertam lentamente em direção a algo mais íntimo. Pode haver muita 'fala de rapaz' sobre transar com garotas e mulheres gostosas, mas isso gradualmente cobre seus verdadeiros sentimentos ..

O próximo 'ato' salta quatro anos para a frente, quando Jason se torna um dos melhores jogadores de futebol do mundo. Ele chega em casa tarde da noite com uma jovem (Lisa McGrillis) que está assistindo em um clube de pole dance. Enquanto eles flertam e dançam em direção a um caso de uma noite, um ou ambos podem ter um motivo oculto. A parte final avança mais cinco anos, quando Jason está chegando ao fim de sua carreira profissional.

Ele convidou de por que, apesar de estar feliz com o namorado, largou tudo para ir visitar um homem com quem passou a noite, mas que depois o abandonou. No entanto, ele logo começa a ver que, apesar da riqueza e fama, Jason teve que abrir mão de grandes quantias para conseguir isso.Ele também tem que se perguntar se, se ele tivesse chegado ao topo do jogo, ele teria feito a mesma coisa.

Filmes sobre pessoas enfiadas no armário não são exatamente novos, mas The Pass funciona graças à direção inteligente e ótimas atuações. É um verdadeiro tour-de-force fenomenal de Russell Tovey, que está na tela o tempo todo e faz de Jason um homem que pode ser cruel e manipulador, com um desejo obstinado de ser um grande jogador de futebol, não importa o que ou quem ele tenha.

Como resultado, ele alegremente pisoteará as pessoas e as usará, mesmo que se destrua no processo. Por outro lado, Tovey garante que também haja algo vulnerável e perdido em Jason, a ponto de ele ser uma vítima de sua ambição.

Um homem que realiza todos os seus sonhos, apenas para se destruir emocionalmente no processo não é novidade, mas The Pass oferece um fascinante estudo de personagem, principalmente porque você pode entender por que Jason vê as coisas da maneira que vê.

O crédito também deve ir para o roteiro de John Donnelly, autor da peça, pois sem uma ótima escrita algo que na superfície parece tão 'cenário' não teria chance de funcionar na tela. As pessoas não falam tanto com Jason, mas discutem com ele, enquanto ele as avalia, descobre o que quer e tenta saber como conseguir.

Embora todo o filme se passe em apenas algumas salas, ele ainda tem ritmo e força, com personagens interessantes e ideias intrigantes sobre o que é preciso para ser um esportista de ponta. Aqui, ser bom em um determinado esporte é apenas parte, o jogo é saber manipular pessoas, especialmente se você sente que elas tem algo a esconder.

Studio 54(EUA, 2018)

Studio 54 conta a história da lendária boate de Nova York desde sua fundação em 1977 até seu eventual desaparecimento. O Studio 54 tornou-se mais do que uma boate: tornou-se um fenômeno cultural, um ícone mundial, que não apenas redefiniu o termo 'club', mas simbolizou toda uma era.

O clube foi fundado por Steve Rubell e Ian Schrager, dois jovens empreendedores do Brooklyn, e este documentário conta a história deles. Quarenta anos depois, o diretor Matt Tyrnauer relembra os altos e baixos que cercam este lugar famoso e seus visitantes ainda mais célebres.

O Studio 54 começou a simbolizar o hedonismo que era desenfreado nos anos 1970: era um lugar onde todas as suas luxúrias e pecados podiam triunfar sobre os alto-falantes enquanto o público desfrutava de bebida, drogas, sexo e disco music. 

Quando You Make Me Feel (Mighty Real), de Sylvester, soa você sente saudades de um lugar e tempo que nunca esteve. Todas as figuras que contribuíram para fazer do Studio 54 um ícone são revisadas em imagens inéditas. De Bianca Jagger, a icônica Disco Sally de 70 anos, que jogava seus quadris soltos na pista de dança todo fim de semana. Os visitantes regulares ainda incluem Andy Warhol, Mick Jagger, Keith Richards, Liza Minelli, Michael Jackson e Diana Ross, entre inúmeros outros músicos e artistas.

Todos podiam ser eles mesmos aqui. Enquanto a homossexualidade e a transfobia ainda predominavam nas ruas, ali o sexo era livre e você podia tirar a máscara no meio da noite no Studio 54 com performances poderosas e delirantes. Ao menos se você fosse fabuloso, lindo e atraente.

Em 1978, o sonho teve um fim abrupto, quando os donos do Studio 54 enlouqueceram, com as evidências do desvio de US$ 2,5 milhões na forma de montanhas de cocaína. Isso não apenas permitiu que este famoso clube fechasse suas portas, mas também encerrou a era disco.

A estrutura do documentário não é particularmente inovadora: uma visão cronológica dos altos e baixos do Studio 54. Mas vemos imagens nunca antes vistas e ouvimos histórias nunca antes contadas, dando-nos um vislumbre pessoal da vida turbulenta dos dois fundadores e visitantes icônicos do lugar. O depoimento de Ian Schrager, é de fato enriquecedor.

O filme é mais do que um documento deste clube: é um retrato de toda uma época, também cultural, artística e política. Isso definitivamente tem seu valor, mesmo que apenas para permitir que o espectador experimente por um momento como deve ter sido fazer parte da vibrante cultura disco dos anos 1970 em Nova York. E isso é uma festa para os olhos e para a alma.

La Abuela(Espanha/França, Bélgica, 2021)

O novo filme de Paco Plaza, aclamado no terror espanhol por obras como [REC](2007), Verónica(2017) e Com Quem Ferro Fere(2019), começa com Pilar(Vera Valdez), a avó do título abraçada ao belo corpo nu de uma mulher. A partir dessa cena entendemos que não estamos diante de um terror convencional, mas de uma provável obra de arte.

O longa é uma metáfora sobre nossa sociedade e nossos vícios, sobre nossos medos mais profundos todos eles ligados à passagem do tempo, velhice, morte, culto ao corpo e à beleza. Tudo é contado com maravilhosa elegância e com um estilo narrativo que aposta mais no clássico do que no sensacionalismo e nos sustos fáceis. 

Susana(Almudena Amor), uma modelo que trabalha em Paris foi criada pela avó depois de perder os pais. Jovem, mas numa idade em que é cada vez mais difícil arranjar emprego, Susana está num momento crucial da sua vida quando recebe um telefonema. Sua avó sofreu um derrame e ela deve retornar à Madri para assumir o comando.

Enquanto prepara os cuidados da avó para o futuro, a jovem passará alguns dias cuidando da senhora, completamente dependente após o derrame, em seu apartamento. E logo ela descobrirá que pode haver algo sinistro dentro daquelas quatro paredes, algo ligado à sua própria avó. Ou talvez ela esteja apenas ficando louca.

Para que a história funcione, deve haver dois elementos-chave. O primeiro é um bom roteiro, onde Carlos Vermut mais do que cumpre e lhe dá um toque entre o realismo e um sonho assustadoramente fascinante. E em segundo lugar, é claro, as atrizes principais. Também essencial é a figura quase mágica e etérea de Karina Kolokolchykova, como Eva, que muito contribui para o filme em pouco tempo de tela. 

La Abuela é uma análise sobre o que é envelhecer e o medo que isso nos dá. De forma física, concreta e real, como observamos, mas também dos fantasmas que estão em nossas cabeças. Um terror de um diretor que possui sua marca e ao se aproximar do final entrega um desfecho muito satisfatório.

Além da Fronteira(Out in the Dark, EUA, Israel, Alemanha, 2012)

Nimr (Nicholas Jacob) é um jovem estudante palestino que foge ilegalmente de Ramallah para ir a um clube gay em Tel Aviv. Lá ele conhece o advogado judeu Roy (Michael Aloni). Os dois têm uma chama, mas com Nimr vindo do outro lado da divisão israelense-palestina, ele não tem certeza se eles devem ter algum tipo de relacionamento.

No entanto, eles eventualmente começam a se ver, e manter um relacionamento, ajudados pelo fato de Nimr conseguir um passe que lhe permite entrar legalmente em Tel Aviv para ir para a universidade.

Parece que as coisas estão indo bem para Nimr, mas quando a polícia secreta israelense ameaça expor sua sexualidade para sua família profundamente conservadora. Ele deve se recusar a fornecer informações sobre seu irmão dissidente? Nimr encontra seu mundo desmoronando e sua vida em perigo. Roy é a única esperança que Nimr tem, mas a verdade secreta sobre o extremismo de seu irmão ficará entre eles.

Não é apenas difícil do lado palestino, pois os pais de Roy são ambivalentes sobre seu filho namorar um árabe, enquanto as forças de segurança começam a ver Nimr como alguém que eles podem usar, independentemente do fato de o jovem querer apenas estudar e estar com Roy . À medida que a pressão crescente é acumulada sobre Nimr de ambos os lados da divisão, não é apenas seu relacionamento com Roy que está ameaçado, mas sua vida.

Com a história de amor convencional sendo contada com tanta frequência, e muitas vezes com tanta tristeza, alguns cineastas procuram revigorar com um toque único. Nesse caso, o filme de Michael Mayer se passa em uma das regiões mais voláteis da Terra, com todos os meandros e idiossincrasias do Oriente Médio. Juntar dois elementos assim requer um cenário interessante e uma atuação que não deixe espaço para dúvidas ou desejos de autenticidade. 

Auxiliado pelo contexto sociopolítico e cultural, Mayer constrói uma tensão visceral que sobe a cada minuto e é mantida com maestria à medida que o cenário começa a fincar suas garras. As complicações decorrentes da situação acrescentam outra barreira à felicidade dos personagens: os segredos são mais mortais e os obstáculos cada vez mais presentes.

Há uma sensação persistente de tristeza e uma escuridão que ofusca qualquer momento de felicidade que testemunhamos, mas ao invés de amortecer a experiência do espectador, é estranhamente satisfatório. O final clímax é tão assustador quanto comovente, deixando você com algo mais em que pensar ao retornar à normalidade.

Brilhantemente atuado e bem dirigido, Além da Fronteira possui o poder de expor a homofobia em ambientes hostis.. É verdade que é o contexto que o torna tão emocionante, não a típica história de amor que se desenrola, mas ambos estão entrelaçados habilmente.

You Won't Be Alone(Austrália, Reino Unido, Sérvia, 2022)

Enraizado no horror folclórico, You Won’t Be Alone, de Goran Stolevski, abre com uma assustadora bruxa que muda de forma Maria (Anamaria Marinca) tentando comer um bebê. Ela explica à mãe em pânico da criança, Yoana (Kamka Tocinovski) que o sangue de um recém-nascido é tudo.

Mas um acordo é fechado. Ela criará sua filha até a adolescência e depois a entregará. Escondendo seu bebê em uma caverna, Nevena (Sara Klimoska) cresce sem conhecer o mundo exterior. Maria, claro, encontra a criança, transformando-a em bruxa de garras negras como ela. 

Uma aldeia montanhosa na Macedônia, do século XIX, é o pano de fundo da história mais perturbadora do que o mais sombrio dos contos dos Irmãos Grimm. Com muito sangue, tripas e animais, a cinematografia fresca e fria de Matthew Chuang, em alguns momentos provoca homoerotismo com cenas de homens em um banho de rio, masturbação coletiva, e a sublime nudez de Carloto Cotta.

A jornada de Nevena começa quando ela acidentalmente mata Bosilka(Noomi Rapace), uma mãe vulnerável e decide assumir sua forma. Mais tarde, ela tenta ser um homem, Boris (Carloto Cotta), e experimenta então novas formas de sexualidade e prazer.

No processo, Nevena testemunha os perigos profundamente enraizados da masculinidade tóxica. Através de Boris, ela floresce sexualmente e permite que o erotismo a invada numa cena de sexo impressionante. E graças à Biliana( Alice Englert), ela aceita um destino como ser humano, ao lado de Yovan(Félix Maritaud), depois de provar o tipo de infância que lhe foi impiedosamente roubada.

O aspecto mais fascinante de You Won’t Be Alone é seu envolvimento com as noções de eu e caráter de uma forma que desafia as definições binárias de gênero. O filme opera de forma revigorante fora de quaisquer normativas, estabelecendo sua própria linguagem, identidade e universo, por um lado, e desmantelando-os, por outro, para desenterrar novos caminhos de compaixão e compreensão.

Heartstopper(Reino Unido, 2022)

Heartstopper é adaptada da bem-sucedida webcomic de Alice Oseman, que se transformou em uma graphic novel que vendeu mais de um milhão de cópias. Ambientado na Inglaterra, é o conto do tímido geeky Charlie (Joe Locke), o único aluno gay assumido em sua escola, que é designado para sentar ao lado de Nick (Kit Connor), um jogador de rugby muito popular e atlético.

Esta história de como uma amizade improvável entre os dois meninos surpreende e choca os dois grupos de melhores amigos, é tão lindamente navegada, cheia de doçura e ternura. Ambos os adolescentes  têm que tentar entender seus sentimentos por cada um, enquanto, ao mesmo tempo, Nick tem que lidar com a autodescoberta de sua sexualidade.

Nesta escola exclusiva para meninos, Charlie Spring tem sido alvo de piadas homofóbicas que tem enfrentado não com resiliência, mas se tornando invisível até quase desaparecer. Além de seu relacionamento secreto com um garoto que não quer que ninguém saiba, e que abusa de suas inseguranças, ela passa os dias lamentando, pedindo desculpas por quem ele é.

Isso é até Nick Nelson se sentar ao lado dele na aula. Além da esperada história de amor, deliciosamente terna, a série também levanta a aceitação do que estamos destinados a ser e  fala sobre a possibilidade de que tudo possa nascer de uma amizade sincera.

Alice Oseman e o diretor Euros Lyn narram infinitas possibilidades sobre relacionamentos, esses primeiros flertes com o amor na adolescência, apresentando-os com a mesma inocência que esses anos trazem. Longe da hipersexualização adolescente de outras séries, Heartstopper usa a cândida comédia romântica para narrar também as mesmas vicissitudes, só que desta vez ela os colocará como riscos sem fatalidades.

A série fala sobre o comportamento dos outros, daqueles que passam por suas próprias mudanças, seus desejos frustrados, sua solidão. Os vilões desta história mal são esboçados como valentões da escola imperceptíveis, mas refletem a insegurança que Charlie carrega, por exemplo, ou por que não Tara Jones(Corinne Brown), a pretendente de Nick, que se revela lésbica.

A história não cria uma rede complexa de conflitos, mas estabelece um universo onde eles começam a fazer parte, algo positivo que enriquece, também seus personagens secundários. É bom que haja espaço para romances sem que isso signifique mais do que isso, amor. E Heartstopper faz isso de maneira sublime.

Esta história é baseada na realidade e é equilibrada lindamente com outras histórias de romances fluorescentes de seus próprios amigos. Mas o mais importante é que, esperançosamente, o romance dos garotos servirá para encorajar outros jovens a lidar com suas próprias histórias de se assumir dando esperança de que pode, e há, uma luz no fim do túnel.

A Cidade dos Abismos(Brasil, 2021)

Transfobia, racismo e o perigo iminente das grandes capitais estão no cerne de A Cidade dos Abismos, longa de estreia de Priscyla Bettim e Renato Coelho, que rejeitam o naturalismo e não têm medo de se aventurar em um território mais conceitual.

O filme em si, é uma declaração ao Cinema de Boca do Lixo, de São Paulo, dos anos 1970, um cenário perfeito para a marginalização que é o centro do filme. Nele, numa obscura véspera de Natal, a vida de quatro personagens se vê cruzada de maneira fatídica.

São eles, as transexuais Glória interpretada por Verónica Valenttino, sua amiga Maia, Bia e Kakule, um imigrante africano que trabalha como atendente do Xangô Bar onde Maia é assassinada, mas não sem antes de ter feito uma tentativa frustrada de injetar silicone no bumbum, para discutir a politização dos corpos.

Entre um monólogo, um musical, e uma montagem frenética que mistura imagens preto e branco, a super 8 e 16mm, numa São Paulo fúnebre, Gloria quer fazer justiça por Maia, e mostrar que esse não pode ser apenas mais um caso transfóbico.

Uma cena na Cinemateca de São Paulo é um dos pontos altos do filme, apresentando uma reprodução da clássica Pietá; trechos de Limite (1931), de Mário Peixoto, um símbolo da resistência humana.

A concretização do luto faz parte da narrativa, assim como o empoderamento trans, o orgulho das raízes africanas até mesmo o pertencimento religioso, em uma cena traduzida na participação do Padre Júlio Lancelotti.

O clima noir que o filme ganha, com a busca pelos autores do crime, não muda a linguagem, que sim causa certa estranheza, caminha por lugares obscuros, não monopoliza a narrativa, apenas indica as marcações que seus heróis devem seguir.

Mais do que frases de efeito para fazer refletir, as dores e os amores se sintetizam de forma poética e orgânica. A perseguição lenta e nostálgica do filme, impõe que mesmo diante uma burguesia hipócrita, ou uma polícia corrupta, os marginalizados, prostitutas, travestis, imigrantes, são vítimas que podem confrontar essa realidade por meio da arte.

Frida(EUA/México, 2002)

A história de como Salma Hayek tentou durante anos interessar Hollywood em Frida Kahlo é um filme por si só. Sua habilidade como produtora, sua tenacidade como lutadora, seu talento como artista e sua inspiração como atriz finalmente se concretizaram nessa adaptação do livro de Hayden Herrera. Amigos próximos, como Ashley Judd, Antonio Banderas e Diego Luna, fazem pequenos papéis como forma de apoio.

Dirigido por Julie Taymor, cujo trabalho nos palcos da Broadway é reconhecido internacionalmente, este é um filme biográfico que usa a criatividade como ferramenta para dissecar uma vida tempestuosa.

Nascida de pai judeu alemão e mãe mexicana, Frida cresceu na Cidade do México em uma época em que era um foco de exílio e intriga. Como estudante, ela vai ver o grande muralista Diego Rivera(Alfred Molina) no trabalho, chama-o corajosamente de "pançudo" e já sabe que ele é o homem de sua vida.

Em 1925, a jovem Frida Kahlo, ainda estudante, se envolveu em um acidente de ônibus, que quase a matou. Durante longos meses de recuperação, ela deitou na cama pintando e quando finalmente conseguiu andar novamente levou suas telas ao famoso Diego Rivera para seu conselho. "Espero ser uma aleijada auto-suficiente", disse ela ao pai.

Seu caso de amor com Rivera durou até o dia em que ela morreu, aos 46 anos. Vinte e um anos mais velho que ela, o muralista era conhecido como mulherengo, comunista e um marido infiel. Ainda assim, Rivera e Kahlo se casaram duas vezes.

O filme captura o clima do momento com talento e estilo genuínos e enfatiza o debate político sério em mesas rodeadas por tequila. A bissexualidade de Frida é abordada em alguns momentos. Seu caso com Leon Trotsky (Geoffrey Rush), em exílio no México, é rapidamente pincelado.

As pinturas de Frida muitas vezes mostram a si mesma, sozinha ou com Diego, e refletem sua dor e seu êxtase. Elas estão em uma escala menor do que os famosos murais, e a arte dela é ofuscada pela de Rivera.

Sua fama o leva a um incidente infame, quando ele é contratado por Nelson Rockefeller (Edward Norton) para criar um mural para o Rockefeller Center, e corajosamente inclui Lenin entre as figuras que pinta. Rockefeller ordena que o mural seja destruído para sempre.

Os roteiristas ficam próximos da relação central, sem perder o contato com a liberdade de pensamento da intelectualidade mexicana. O entusiasmo de Hayek irrompe na vida de Frida, irradiando-a com vitalidade, e Molina é magnífico como um adorável patife cujo respeito pelo trabalho de sua esposa supera qualquer obsessão pelo seu.

Filmado inteiramente em locações no México, Taymor conseguiu recriar um momento extraordinário para uma mulher excepcional e simbólica.  Ela faz isso com amor e imaginação levando a arte à vida e tudo acompanhado por uma sublime trilha sonora com Chavela Vargas e Lila Downs, que inclusive fazem aparições, Carlos Gardel e a canção indicada ao Oscar, Burn it Blue, na voz de Caetano Veloso.

Grisalhos(En la Gama de los Grises, Chile, 2015)

O filme dirigido por Claudio Marcone é uma provocativa reflexão sobre Santiago: a crise existencial de Bruno(Francisco Celhay), se confunde com a "aura" dos conhecidos cartões postais urbanos do Centro da Cidade, e com o fluxo constante e lamacento, das águas do rio Mapocho.

Bruno é um arquiteto que passa por um complicado processo de crise interna, que o leva a se distanciar da esposa, Soledad (Daniela Ramírez), e do filho único de oito anos. Em meio a toda essa incerteza, Bruno conhecerá Fernando (Emilio Edwards), um historiador assumidamente homossexual, com quem deverá colaborar para realizar um ambicioso projeto que lhe foi confiado. 

A personalidade cativante de Fernando gera uma atração inexplicável em Bruno, que encontra a possibilidade de se redescobrir por meio de conversas apaixonadas e da exploração de uma nova dimensão de sua própria sexualidade.

No caso particular de Bruno, ele terá que superar, como dificuldade adicional, a forma como aborda o processo de desmoronamento e reencontro consigo mesmo, duramente marcado por incertezas por vezes inacessíveis para quem está acostumado a ter sucesso.

A Santiago do diretor Claudio Marcone é, em uma palavra, atraente: Bruno pedala em sua bicicleta, seguido por Fer. A câmera focaliza o movimento das pernas dos atores e o movimento subsequente das rodas no asfalto.

É preciso se envolver nessa fixação artística para captar a essência do movimento da cidade, exibida pela direção. A montagem, nesta linha de análise, se delineia diante de certas inconsistências narrativas: Os protagonistas transitam a toda velocidade pelas ruas e bairros históricos da capital chilena.

De fato, Santiago surge como o interlocutor válido para Bruno e Fer, na solidão e falta de comunicação que os oprime antes do encontro amistoso e sentimental, que mais tarde protagonizam. Por isso, mais do que um filme sobre a homossexualidade, é uma reflexão imposta pela solidão das grandes cidades.

O filme tem um valor profundo que reside nas suas características de documento histórico, na medida em que capta sensivelmente uma cidade e os seus habitantes num dado momento dentro da constante e imparável mudança impulsionada por processos de modernização.

O principal eixo da trama: o do conflito interno e a calamidade que produz a dúvida sobre a própria sexualidade é como na própria vida, onde as coisas nunca são em preto e branco, mas sim dentro de uma ampla gama de cinzas.

Tempestade de Verão(Summerstorm, Alemanha, 2004)

As vidas dos melhores amigos Tobi (Robert Stadlober) e Achim (Kostja Ullmann) são tão próximas uma da outra que eles aproveitam a chance de passar algum tempo extra juntos em sua equipe local de remo, antes que o time, parta para o acampamento de verão para a competição nacional júnior.

Ao lado deles também está a namorada de Achim, Sandra (Miriam Morgenstern), cuja melhor amiga Anke (Alicja Bachleda) se sente atraída por Tobi. Pessoalmente Tobi simplesmente não sente o mesmo por Anke. Na verdade, ele gostaria que os lábios dela fossem os de seu melhor amigo.

O time rival de remo QUEERSTROKE; o de garotos abertamente gays pelos quais Tobi se sente cada vez mais atraído é o caminho para mais do que apenas uma passagem masculina, forçando Tobi a finalmente questionar sua sexualidade e a percepção de que seus sentimentos por Achim foram muito além da mera amizade.

Lindamente filmado, com a exuberante cinematografia do interior da Alemanha e da Baviera perfeitamente intercalada com persistentes tomadas de câmera do físico masculino em toda a sua glória atlética, esta variante cativante sobre o tema de sair do armário, relaciona o cenário de "amor pelo seu melhor amigo", misturado com a consciência gradativa de sua sexualidade ser "diferente dos que estão ao seu redor".

No entanto, este trabalho não é baseado em ficção. É, em parte, uma obra autobiográfica, inspirada por um diretor que se apaixonou por seu próprio melhor amigo. Só que aqui Marco Kreuzpaintner prefere trazer à tona a grave questão da homofobia, com os meninos da cidade sendo obrigados a enfrentar seus medos e preconceitos.

Aprimorado por um elenco jovem e enérgico que naturalmente esconde as emoções cruas de adolescentes desesperados para afirmar sua sexualidade, o resultado. se torna leve, mas sério, divertido e apaixonado. Isso marca uma abordagem totalmente otimista ao tema perene de ser fiel a si mesmo, sendo um deleite absoluto. 

Dólares de Areia(Dólares de Arena, República Dominicana/México/Argentina, 2014)

Sensibilidade notável e verossimilhança exata são apenas dois dos muitos pontos  positivos de Dólares de Areia , da  dupla de co-roteiristas/diretores Laura Amelia Guzman e Israel Cardenas, um retrato psicologicamente matizado, ambientado na República Dominicana. Outra grande vantagem é a presença de Geraldine Chaplin, com um papel digno de seu talento. 

O turismo sexual faz parte do jogo de Noeli, de 20 anos (Yanet Mojica), que descobre que um francês (Bernard Bizel) com quem ela provavelmente está dormindo está voltando para a Europa, e ela se revolta, pedindo-lhe dinheiro.

Em vez disso, ele lhe dá uma corrente, que ela e seu namorado, Yeremi (Ricardo Ariel Toribio), vendem imediatamente. O cara foi provavelmente um dos muitos visitantes cuja generosidade Noeli usa a seu favor nas praias de Samana, mas com Anne (Chaplin), há algo diferente. Isso porque Anne está perdidamente apaixonada por ela.

A história de fundo de Anne é apenas esboçada, mas o roteiro discreto fornece tudo o que é necessário, e a performance inteligente e vulnerável de Chaplin faz o resto. Uma mulher relativamente abastada que faz parte do jet-set mais intelectual, ela está afastada do filho na França, embora fale em retornar a Paris. No entanto, a atração da juventude de Noeli, sua vivacidade e seu corpo a mantém na República Dominicana, em uma espécie de limbo que colocou seu futuro em êxtase.

Anne está prometendo conseguir um visto para Noeli, para que as duas possam ir para a França juntas. Há também o dinheiro que Anne lhe dá, que vai para sustentar o desempregado Yeremi, que se passa por irmão de Noeli, que está muito feliz em deixar “a velha” fornecer o dinheiro em seu bolso.

Noeli pode não ser capaz de verbalizar isso, mas dinheiro e a promessa de um visto não são as únicas razões pelas quais ela continua voltando para Anne. Há a sensação de comodidade que Noeli sente na companhia da mulher mais velha, a sensação de proteção. Anne pode ter status e dinheiro, mas Noeli tem juventude, e ela não está acima de brincar com sua benfeitora para conseguir o que ela quer.

Anne, dada à melancolia e profundamente insatisfeita com a forma como a vida a levou, cheia de infinitas possibilidades, mas com pouco ímpeto, sabe que sua obsessão por Noeli é insustentável. Outro elemento que os cineastas acertam é a multidão do jet-set, ou pelo menos o subconjunto de dinheiro com liquidez suficiente para permitir-lhes o luxo de um estilo de vida global e multilíngue.

A atuação de Chaplin é caracterizada pela falta de vaidade e uma combinação quase mágica de empatia. Anne sabe que está se iludindo, o que significa que ela está completamente ciente da impossibilidade de sua obsessão e, no entanto, como pode ser visto através dos olhos emocionalmente fascinantes da protagonista, sua humanidade é muito compreensível. 

Almodóvar e 'A Voz Humana'

A Voz Humana é um monólogo encenado pela primeira vez na Comédie-Française, em 1930, escrito dois anos antes pelo dramaturgo francês Jean Cocteau. A história envolve uma mulher sem nome no palco falando ao telefone com seu amante (invisível e inaudível) que parte, que a está deixando para se casar com outra mulher, suporte perfeito para Cocteau explorar suas ideias, sentimentos e "álgebra" sobre as necessidades e realidades humanas na comunicação. A peça representa o estado de espírito e os sentimentos de Cocteau em relação aos seus atores da época e serviu como inspiração para diversas outras adaptações, entre as mais notáveis um segmento do filme L’Amore(1948) dirigido por Roberto Rossellini e estrelado por Anna Magnani. 

A Lei do Desejo(La Ley Del Deseo, Espanha, 1987)

Em 1987 o texto de A Voz Humana  estava na boca de Tina Quintero, personagem de Carmen Maura em uma sequência inesquecível de A Lei do Desejo. Nesse momento, no jogo mais almodovariano e metalinguístico possível, Maura interpreta uma atriz que faz teatro dentro de um filme e é dirigida pelo irmão Pablo(Eusebio Poncela). A sequência da encenação é comovente e memorável, com Carmen Maura desesperada e furiosa quebrando o cenário atrás, com o telefone vermelho na mão, enquanto a menina Ada, interpretada por Manuela Velasco, que mais tarde se tornaria conhecida por REC(2007), passando aos prantos em uma esteira e dublando Ne Me Quittes Pas, na voz da cantora Maysa.

Mulheres a Beira de um Ataque de Nervos(Mujeres al Borde de un Ataque de Nervios, Espanha, 1989)

Novamente Carmen Maura segura um telefone vermelho na pele de Pepa, uma atriz e dubladora que está desencantada e farta de esperar um telefonema de seu amante Iván(Fernando Guillen). Almodóvar usou A Voz Humana como argumento principal para criar o filme que o lançaria internacionalmente ao estrelato, lhe garantiria o Goya a sua primeira indicação ao Oscar.

Uma comédia tipicamente almodovariana, cercada de personagens bizarros, cenários kitsch, diálogos icônicos, uma trilha muito marcante e Gazpacho para Todos. O título significa o que diz. Pepa Marcos está enlouquecendo porque o amante pediu para ela fazer suas malas. A esposa de Ivan, Lúcia (Julieta Serrano), está convencida de que o caso ainda está em chamas, então ela sai de casa empunhando um par de armas. Enquanto isso, Candela (Maria Barranco) está com problemas com a polícia porque ela se apaixonou involuntariamente por um terrorista xiita, então ela se esconde no apartamento de Pepa e há muito mais, Antonio Banderas e Rossy de Palma surgem como um casal e o filme beira entre farsa, absurdo e tragédia. 

A história triste sobre os bastidores de Mulheres a beira de um ataque de Nervos é que as rodagens do filme foram descritas por Carmen Maura como um ‘inferno’ rompendo a parceria e a amizade da atriz com o diretor, que só voltariam a trabalhar juntos novamente, 18 anos depois, em Volver(2006).

The Human Voice(EUA, Espanha, 2020)

Fazendo sua estreia na língua inglesa em um curta protagonizado por Tilda Swinton, em 2020, em meio à pandemia, Pedro Almodóvar levou A Voz Humana para as telas, em sua essência mais pura. Tilda Swinton emprega todo o seu talento para protagonizar o monólogo, e em meio à machadadas e incêndios, sua personagem exibe todas as nuances exigidas pelo texto. É Almodóvar puro, elegante e em sua alma.

Tilda Swinton devora vorazmente o monólogo em meia hora. As cores da marca registrada do diretor aparecem na cinematografia de José Luis Alcaine enquanto Swinton persegue uma presença invisível em seu loft gigante. Por toda parte, Almodóvar nos provoca com a desgraça iminente e o horror potencial.

The Human Voice abre em uma loja de ferragens onde aparece o (quase) sempre onipresente Agustín Almodóvar. A câmera observa muitas ferramentas perigosas com o mesmo olhar sinistro que uma mulher usa em uma parede cheia de machados. O vendedor embrulha sua seleção em papel pardo antes que a mulher enfie na bolsa, para em seguida protagonizar uma cena que lembra Carmen Maura incendiando a cama em Mulheres a Beira de um Ataque de Nervos, Swinton interpreta uma série de emoções enquanto implora, aterroriza e ocasionalmente se submete à voz do outro lado da linha.

Almodóvar a enquadra para efeito máximo, às vezes perto de nós e às vezes tão distante que ela se sente inalcançável. O curta, após inúmeros convites recusados, abre às portas do diretor para o mercado norte-americano, com o seu primeiro longa em inglês já anunciado, A Manual for a Cleaning Woman, adaptação de contos de Lucia Berlin, com Cate Blanchett confirmada no elenco.

Bônus: O Amante Minguante X O Sangue de um Poeta

Em Fale com Ela(2002), Pedro Almodóvar volta a usar do metacinema e cria um filme dentro de um filme, para simbolizar o estupro do enfermeiro Benigno(Javier Cámara) em sua paciente em coma Alicia(Leonor Watling). O Amante Minguante é estrelado por Fele Martinez e Paz Vega, e seu conteúdo não tem teor violento e sim poético. Há uma forte influência estética em O Sangue de um Poeta, primeiro filme rodado por Jean Cocteau, em 1932. No final do curta, o amante que vai minguando devido à uma poção criada por sua amada, acaba entrando por inteiro dentro de sua vagina. Apesar de não ser abertamente declarada, O Amante Minguante, é mais uma carta de amor de Almodóvar para Jean Cocteau.

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