Studio 54(54, EUA, 1998)

Deliciosamente decadente e quase mágico, Studio 54 é um filme intrigante sobre a icônica boate nova-yorkina, vista pelos olhos do barman Shane 54(Ryan Philippe), um jovem que sonha em sair do interior para ganhar o mundo.

Shane O'Shea, um cara de dezenove anos que trabalha em um posto de gasolina, sonha alto. Morando em Nova Jersey, ele pensa constantemente na vida noturna de Nova York, que fica a apenas uma viagem de carro. Uma noite, ele decide dirigir até o Studio 54, uma discoteca de sucesso, junto com alguns de seus amigos. Naturalmente bonito, ele consegue entrar, após tirar a camisa, enquanto seus amigos são afastados e é assim que o resto de sua vida começa.

Em sua essência, esta é uma história familiar de um jovem perdedor que acidentalmente faz uma pausa e entra no mundo da elite. O elenco de Studio 54 é simplesmente fenomenal, e onde Shane encontra uma nova família, com Mike Myers roubando a cena como Steve Rubell, o dono da discoteca, em seu primeiro papel dramático.

Neve Campbell e Salma Hayek também estão ótimas junto com Breckin Meyer. Seu personagem, Greg,  é bastante complexo, mas isso não é um problema para o ator, que entrega honestidade e naturalidade em sua performance.

Studio 54 lida com uma história bastante explosiva e personagens sem grandes conflitos, porém mesmo sem se aprofundar na história, funciona como o recorte de uma era. A música é ótima, ajudando você a desaparecer na escuridão e nas luzes da discoteca.

O diretor Mark Christopher dá ao filme um ritmo acelerado e um clima colorido e festivo que torna a experiência  agradável. Christopher se concentra no ambiente, cor, música e figurinos de uma subcultura hedonista e orientada para as drogas e reconhece a contribuição dos gays para a cultura disco, dos anos 1970.

Assim como Tony Manero de Os Embalos de Sábado a Noite(1977), Shane é essencialmente um garoto inocente e de bom coração, que aspira a encontrar seu lugar no mundo fisgando o público certo, aqui representado por uma atraente estrela de novela (Neve Campbell), que mostra pequeno interesse romântico por ele, e um monte de tipos de Park Avenue, homens decadentes, milionários e mulheres ricas e mais velhas como Billie (Sela Ward).

Abordando o clube como um personagem legítimo, Christopher estrutura a ação ao longo de 10 noites, cada uma ilustrando um tema principal à medida que a discoteca evolui de um paraíso celestial para um inferno delirante.   

Bessie(EUA, 2015)

O que mais surpreende em Bessie é o brilho da história. Superando a tendência de Holywood de representar artistas afro-americanos possuídos por um espírito criativo autodestrutivo, o filme de Dee Rees cria um retrato de Bessie Smith(Queen Latifah) verdadeiro e cativante, longe dos estereótipos e clichês do gênero.

Situado nas décadas de 1920/30 , este filme é bem sucedido o suficiente para trazer à vida uma figura importante, até então pouco conhecida fora dos EUA, onde foi chamada de “A Imperatriz do Blues”.  A produção de Rees é bastante convincente, principalmente graças à apresentação da fotografia de Jeff Jur com belos planos especialmente nas cenas musicais, surpreendentes em um filme feito para a TV.

Bessie  é uma mulher empreendedora, consciente do que quer e que sua voz é o meio para atingir o objetivo. Aqui a música do diabo, o blues, perde a conotação negativa de manifestação pecaminosa dos próprios impulsos e torna-se uma expressão direta da vida com suas alegrias e tristezas: portanto, não um convite para chorar sobre si mesmo, mas sim para dançar sobre ela, para receber o que vier sem fazer perguntas ou julgamentos.

A vida de Bessie foi tão rápida, intensa e profunda quanto suas paixões por homens, mulheres, gin e blues; aquele Blues que corria em suas veias  e dele jorrava em uma canção perturbadora de libertação. Smith logo se tornou o emblema de um povo, e mais ainda de um gênero, cuja prerrogativa era a emancipação de preconceitos internos e externos à comunidade a que pertence. 

Dee Rees refaz as etapas fundamentais da trajetória da cantora de blues, desde os tímidos inícios ao lado de Ma 'Rainey(Mo’Nique), aos sucessos e subsequentes declínios, até a consagração definitiva com a Columbia Records de John Hammond, entrelaçando a carreira de Bessie com o pequenos grandes acontecimentos que marcaram a sua existência.

Mais uma vez, Mo'nique mostra suas qualidades de atuação. A atriz já foi fenomenal como uma mãe abusiva em Preciosa'(2009) e conseguiu ganhar um Oscar. Desta vez, Mo'Nique aparece como uma mulher de meia-idade bastante extravagante e também bissexual, como Bessie.

Queen Latifah, que interpreta  a protagonista, apresenta um desempenho imbatível ao longo do filme. Há muitas coisas que são bastante densas, como a vida sexual de Bessie ou Ma, que é bastante intensa desde o início do longa.

Violência, questões raciais a períodos de depressão financeira são o pano de fundo da história. Criada por uma irmã mais velha que é bastante rude, Bessie se torna uma mulher negra que é bastante dura, poderosa e também corajosa. O tratamento injusto dos negros naquela época tornou-se um dos cenários universais ao longo da história.

A sexualidade de Bessie é um dos pontos da história. Há uma citação interessante quando Lucille, interpretada por Tika Sumpter, pretende terminar com Bessie depois de anos, por não poder formar uma família.

Com sua arte, a cantora trouxe à tona a aspiração e a demonstração de uma possível igualdade entre sexos e raças, até então muito difícil de aceitar. Empty Bed Blues, I'm Wild About That Thing, Preachin 'the Blues, Nobody Knows You When You're Down and Out, Long Old Road, Lost Your Head Blues ou Gimme a Pigfoot são, portanto, mais do que canções: são hinos reais a uma independência desejada, obtida e defendida com todas as forças.

As Ceifadeiras(Die Stropers, África do Sul/França/Grécia/Polônia, 2018)

As Ceifadeiras, filme de estreia do diretor greco-sul-africano Etienne Kallos, é incomum para o cinema de seu país pelo exame minucioso da população africâner branca outrora dominante e agora em declínio na África do Sul. Este drama rural severamente comovente e vividamente filmado atrai uma ressonância quase bíblica, de Caim e Abel, em seu conto de irmãos adotivos adolescentes trancados em uma família e luta pelo poder cultural em uma fazenda remota. 

“Restam tão poucos de nós”, explica a matriarca Marie(Juliane Venter) melancolicamente a seu filho mais velho Janno (Brent Vermeulen), um garoto, de 15 anos, quieto e obediente cuja extrema gentileza da natureza é uma preocupação tácita, mas palpável para seus pais em um sociedade onde os modelos conservadores de masculinidade ainda reinam supremos. “

Janno, enquanto isso, não se atreve a admitir para ninguém (talvez nem para si mesmo, ainda) que seus interesses sexuais crescentes não se estendem a conquistar meninas. Em seu quarto arrumado e sombrio, ele fantasia sobre o contato com mais do que amigos, um companheiro de equipe de rugby.

É um segredo que sutilmente se torna um ponto de contusão de negociação ambígua quando os pais devotos de Janno dão as boas-vindas a um novo menino desprivilegiado em sua família. Pieter (Alex Van Dyk) tem mais ou menos a idade de Janno, embora o sofrimento de uma vida adulta vaze em seu olhar frio.

Pieter é um órfão de rua com uma história precoce de crime e dependência química, ele é enviado involuntariamente de uma casa de recuperação para a família de Janno, na esperança de que o ar do campo e disciplina africâner endireite seu caminho.

Embora Janno seja o oposto em muitos aspectos, Pieter é rápido em identificar a única coisa que os une: nenhum dos meninos jamais pertencerá totalmente a este mundo alimentado com milho, governado pela igreja e obcecado por herança de machos alfa e famílias tóxicas.

O roteiro alfabetizado e nitidamente calibrado de Kallos – parcialmente inspirado na obra orientada para o Estado Livre do falecido dramaturgo “gótico africano” Reza de Wet – é brilhantemente atenta ao contraste lexical e à mudança de código, embora seja muitas vezes em silêncio que o personagens se revelam mais agudamente.

Enquanto isso, o elenco infalivelmente preciso garante que o ambiente do filme seja tão ricamente habitado quanto foi escrito. Vermeulen e Van Dyk, ambos extraordinários, articulam as inseguranças individuais e combinadas dos meninos com um sentimento contido, mas profundo. Seus personagens quase se fundem à medida que começam a se ver de verdade.

Quanto ao Estado Livre, uma paisagem não-romanticamente robusta que até agora recebeu mais notável evocação literária do que cinematográfica, torna-se um reflexo ardente das próprias frustrações dos meninos através do brilhante e encharcado clima estabelecido pela fotografia de Michal Englert. 

O filme evoca uma paleta de cinza e grama, cravejada com luz amarela, para esta parábola rebelde e terrena: o mundo cada vez mais abandonado de As Ceifadeiras poderia aparentemente ossificar ou florescer a qualquer momento, levando o solitário Janno a despertar lentamente.

E Sua Mãe Também(Y tu Mamá También, México, 2001)

Dois adolescentes pegam a estrada com uma mulher mais velha sensual em um retrato da adolescência franco e verdadeiro. Eles não são mais garotos, mas ainda não têm medo de mostrar entusiasmo genuíno sobre as possibilidades diante deles. Ao longo do caminho, o filme, de Alfonso Cuarón, aborda as profundas diferenças de classe dentro do México.

Os atores que interpretam os jovens são Diego Luna, que combina a suavidade pubescente com a existência mimada de seu personagem e como o garoto de classe baixa, Gael García Bernal exala exuberância no papel de Julio Zapata.

Quando a esposa espanhola do primo de Tenoch, uma linda mulher, com quase 20 anos a mais, se juntas a eles, iniciará uma jornada de descoberta sexual, amizade e inseguranças. A mulher é Luisa(Maribel Verdú). A cena do primeiro encontro do trio, em um casamento chique, é maravilhosamente desenhada.

Talvez sua personagem seja extraordinária porque E Sua mãe Também é contado através de seus olhos, assim como dos adolescentes. Ou melhor, por meio de um narrador onisciente, na voz de Daniel Gimenez Cacho, que fornece o pano de fundo e transmite os pensamentos dos personagens. O dispositivo narrativo funciona, especialmente quando a acolhedora voz masculina começa a contar o futuro.

Poucos dias depois, após uma crise emocional Luisa  aceita a oferta deles para viajar para alguma praia paradisíaca. A viagem é uma jornada de autodescoberta. Embora configurado como um ménage à trois, não se encaixa no estereótipo. Os jovens podem ser hipersexualizados, mas ainda são garotos, enquanto ela carrega maturidade e um segredo mais sombrio.

O road movie, entre os amigos que se tratam como charolastra, uma espécie de filosofia juvenil, e Luisa oferece infinitas possibilidades eróticas. Ela e os adolescentes flertam e compartilham o tipo de intimidade que pode vir facilmente em uma longa viagem de carro. 

Luisa está disposta a dar uma chance aos dois garotos, mas também aponta o aparente desejo um pelo outro. Enquanto algumas cenas de sexo são mais exageradas, outras são mais comoventes, como quando Tenoch, a pedido de Luisa, deixa cair a toalha e fica diante dela, nu, tremendo e parecendo muito com o garoto tímido que ele é.

Os personagens de Tenoch e Julio são lindamente realizados por seus intérpretes. .Eles trazem energia e entusiasmo. Verdú, lembrada como a mais adorável das atrizes do cinema espanhol também se destaca. Ela lida com cenas sexuais difíceis com franqueza e coragem. 

Cuarón usa a odisseia pessoal do trio para destacar o sistema de castas do México. Barracos e mendigos se alinham no caminho para o paraíso, mas os três mal percebem, estão tão acostumados a ver a pobreza. O abismo socioeconômico entre Tenoch e Julio se torna um problema, assim como um ato de traição.

A viagem trará revelações, descobertas e atos inesperados que podem fazer crescer ou acabar com a amizade dos charolastras. Essa questão, tanto quanto o sexo, mantém você envolvido a E sua mãe também durante toda a viagem.

O Jogo da Imitação(The Imitation Game, Reino Unido/EUA, 2014)

Adaptação do livro Alan Turing: The Enigma, de Andrew Hodges, O Jogo da Imitação, de Morten Tyldum,  é um filme poderoso e bem feito sobre um dos capítulos mais irônicos da história humana. O trabalho de Turing de decifração de códigos é creditado pelos historiadores como tendo potencialmente encurtado a Segunda Guerra Mundial, salvando assim inúmeras vidas, sua própria no entanto não.

Alan Turing (Benedict Cumberbatch), um dos matemáticos mais talentosos de seu tempo, se candidata a Bletchley Park, o centro britânico encarregado de decodificar as comunicações alemãs durante a Segunda Guerra Mundial. Ele é aceito e imediatamente faz inimigos como seu supervisor e colegas de trabalho devido à Como diz Turing, "é preciso uma máquina para quebrar uma máquina".

Outras complicações ocorrem quando Turing tenta contratar a talentosa matemática Joan Clark (Keira Knightley), para ajudar nos esforços de decodificação, apenas para que ela enfrente o sexismo severo que dificulta as contribuições que ela pode fazer. Eventualmente, Turing consegue construir a primeira máquina de decodificação..

Isso não impede o destino inevitável de Turing quando ele confessa ter tido relações sexuais com outro homem e é forçado a participar de terapia hormonal ou ir para a cadeia. No entanto, nunca é mostrado o envolvido em um relacionamento do mesmo sexo ou qualquer tipo de romance quando adulto.

A gigantesca máquina de decifrar códigos que Turing passa a construir, com grande despesa e para frustração de seus superiores, vem simbolizar não apenas seu desejo não correspondido por seu amigo Christopher, na infância, mas também sua  tentativa de escapar do tormento de estar preso nesta vida reprimida criando uma máquina que pode pensar, mas não julgar. De qualquer forma, o que fica muito bem demonstrado pelo filme é a forma como o trabalho de Turing como decifrador de códigos, filósofo e matemático foi influenciado por sua sexualidade.  

Benedict Cumberbatch tem um desempenho impressionante como Alan Turing, e o apoio é fornecido por seus colegas de elenco Keira Knightley, Rory Kinnear e Mathew Goode. O destino final de Turing é revelado e o filme termina com uma nota agridoce, lembrando o que tantos gênios tiveram que enfrentar por apenas tentar ser quem eram.

Tipo Isso(Sort Of, Canadá, 2021)

Sabi Mehboob, Bilal Baig, que também criou e escreveu o programa ao lado de Fab Filippo, é uma babá não-binárie, paquistanese-canadense, em meio período e bartender que originalmente treinou para ser eletricista e ainda está descobrindo algumas coisas sobre si.

À medida que a sociedade continua a aceitar mais as identidades de gênero e sexualidade fora dos binários tradicionais, uma série centrada em um personagem que entra em sua identidade não-binária enquanto também é submetido a lutas raciais e de classe não parece um nicho de televisão, parece apenas um reflexo do mundo real.

Conhecemos Sabi, quando elu está levando o namorado Lewis (Gregory Ambrose Calderone) para comemorar seu aniversário. Tudo parece estar indo bem até que Sabi surpreende Lewis com ingressos para um show de Post Malone. Lewis começa a falar sobre como Sabi realmente não o vê, e talvez nem esteja realmente tentando vê-lo.

Então a cena corta para o dia seguinte, quando Sabi está levando Violet (Kaya Kanashiro) e Henry (Aden Bedard) para a escola. Violet está falando sem parar sobre uma garota na escola para Sabi, mas o rosto de Sabi carrega um olhar vago. "Você está ouvindo?" Violet pergunta várias vezes, antes que Sabi finalmente responda com uma expressão inexpressiva, "totalmente". 

Sabi vive com a irmã Aqsa (Supinder Wraich) que invade seu quarto exigindo saber porque elu não retorna os telefonemas de sua mãe. “Não é como se fosse sua festa de revelação de gênero”, grita Aqsa enquanto sai pela porta. Sabi volta a olhar para o teto, para em seguida estar com sua melhor amiga 7ven (Amanda Cordner) em uma pequena galeria de arte. Sabi olha fixamente para as obras de 7ven – grandes vulvas cobertas de plantas- a personagem compartilha animadamente como ela recebeu uma oferta de estágio remunerado, em  Berlim.

Como se tudo ao redor não bastasse, Sabi é demitide de seu trabalho de babá em meio período pelo extremamente ambíguo Paul (Gray Powell). Ele dá a Sabi um discurso sobre como as crianças estão crescendo e realmente não precisam de babá, já que sua sala de terapia fica no porão.

7ven tenta convencê-lu a ir com ela para Berlim. Sabi está em cima do muro. Tanta coisa é incerta em sua vida. Mas elu terminou com Lewis, cortando mais um laço com a cidade. E então acidentalmente elu encontra sua mãe, que o deixa mais confuse que antes.

Mas quando a patroa  Bessy sofre um grave acidente de bicicleta que requer cirurgia no cérebro e a deixa em coma, Paul está se debatendo, tentando lidar com seu próprio choque – e algumas revelações pessoais surpreendentes – e cuidar das crianças. Sabi é simplesmente incapaz de cortar seus laços e ir embora e opta por renunciar a Berlim em favor de assumir mais responsabilidades pela família.

A mãe de Sabi e Aqsa está enfrentando uma vida inteira de colocar as necessidades de todos os outros em primeiro lugar, além de aceitar o que significa, como uma mãe muçulmana casada com um homem com expectativas tradicionais, ter um filhe não-binárie. 

Além disso,  a equipe de figurinos merece reconhecimento, porque basicamente todas as roupas que Sabi usa estão no ponto, sejam casuais ou mais bem vestidas. Elu faz um ótimo trabalho ao expressar sua individualidade e ao mesmo tempo mostrar que pessoas não binárias não se encaixam apenas em um visual monolítico ou ficam no mesmo lugar o tempo todo.

E, como costuma acontecer em programas que permitem muitas histórias de autorrealização de um tipo ou de outro, esta é uma série que tem uma grande definição de família. Tipo Isso  é excelente por sua comédia e drama e revolucionário por sua total causalidade em relação ao gênero, sexualidade e representatividade racial.

Anne+: O Filme(Anne+, Holanda, 2021)

Anne+ começou com seis episódios de 10 minutos no YouTube. Os criadores queriam contar uma história sobre uma sáfica, na casa dos vinte anos, que não fosse sobre as experiências negativas de pessoas queer.

A diretora Valerie Bisscheroux, a roteirista Maud Wiemeijer e a atriz principal Hanna van Vliet fizeram isso com tanto sucesso que a série foi um êxito mundial e a Netflix comprou os direitos de exibição. O filme resultante vai além da sexualidade de Anne e apresenta a não-binariedade de Lou, interpretade pelu também não-binárie, Thorn de Vries.

No filme, Anne está no início de grandes mudanças em sua vida. Seu amor Sara(Jouman Fattal) partiu para o outro lado do mundo e depois de um tempo Anne a seguirá. Mas Anne quer deixar Amsterdam e seus amigos para trás? O relacionamento aberto que ela concordou é realmente o que ela estava esperando? Anne foge das respostas para essas perguntas,

Os diálogos de Wiemeijer, e em particular uma conversa acalorada entre Anne e Sara, geralmente parecem realistas. As conversas dolorosas em que ambos os lados dizem coisas que não querem dizer provavelmente parecerão familiares para a maioria dos relacionamentos.

Mas esse reconhecimento não se encontra apenas nos diálogos. Anne+: O Filme também se concentra em retratar corpos realistas. A pele imperfeita não é pintada ou aprimorada digitalmente e isso é bastante refrescante.

Além disso, o filme é contagiante em seu retrato bem-sucedido da comunidade queer. Um bom exemplo disso é a cena em que Lou transforma Anne e seus amigos em drag kings e queens. Quando os personagens descem a passarela e a trilha sonora empolgante surge, o espectador é levado à euforia dos personagens.

Com um público maior vem uma maior responsabilidade. Pelo menos, é o que o filme parece pensar. Os monólogos de Lou sobre o que significa ser não-binárie parecerão uma lição básica educacional. Ao fazer isso, o filme reduz esse personagem mais à sua identidade queer do que a uma profundidade dramática.

Hanna Van Vliet é a divertida, desajeitada Anne e Jouman Fattal também convence como sua parceira. E, claro, há todos os outros papeis menores, que provavelmente permanecerão um pouco na superfície para aqueles que não estão familiarizados com a série. No entanto, o público da atração espera que este não seja o fim das aventuras de Anne e amigues.

Cidade dos Sonhos(Mulholland Drive, EUA, 2001)

É notável que Cidade dos Sonhos, de David Lynch, foi concebido a partir do material de uma série cancelada, ao estilo Twin Peaks, com a adição de algumas imagens filmadas mais tarde. Isso pode explicar a narrativa, mas o filme é abertamente onírico e, como a maioria dos sonhos, se move incerto por um caminho com muitas curvas.

Lynch molda Cidade dos Sonhos como uma narrativa de duas camadas apresentando os mesmos atores, mas em papéis diferentes e universos aparentemente separados. É estranho, é impenetrável, mas há uma qualidade hipnotizante em seu ritmo lânguido, sua sensação de mau presságio e sua atmosfera perdida no tempo  e não faltam toques lynchianos.

Na primeira metade, Betty (Naomi Watts), uma jovem loira de Ontário, chega à Los Angeles para começar sua carreira de atriz. Uma bela vítima de amnésia (Laura Elena Harring) entra em sua vida, uma senhoria idosa (Ann Miller) toma Betty sob sua asa, e em uma trama separada encontramos um cineasta arrogante (Justin Theroux) que está sendo pressionado por bandidos do sindicato para lançar um filme indesejado. 

A vítima de amnésia se chama Rita depois de ver um pôster de Gilda(1946) com Rita Hayworth e, estimulada pela destemida Betty, decide descobrir sua verdadeira identidade. Betty agora responde com uma generosidade quase surpreendente, decidindo ajudar "Rita" a descobrir quem é, e, em uma sequência suave, as duas mulheres se unem.

No segundo tempo, Betty se foi e foi substituída por Diane, uma lésbica obcecada pela bela Camilla (Harring). Alguns dos mesmos personagens reaparecem, mas sua relação com Diane e Camilla é vaga. A segunda metade é o pesadelo de Betty, ou a primeira metade é o sonho de realização de desejos de Diane? Algum dos dois é real?

Todas linhas narrativas gradualmente se fundem em uma história principal que é preenchida com peças conhecidas do cosmos Lynch: mafiosos ameaçadores, velhos misteriosos com vozes roucas, e anões, monstros, cantoras, cortinas vermelhas e um misterioso pequeno "cowboy" com um rosto de bebê. As cenas do Club Silencio, certamente merecem destaque. “No Hay Banda”.

Cidade dos Sonhos é uma crítica à Hollywood, que  deve tomar muitas interpretações, ele funciona para cada um de uma maneira particular. David Lynch faz um exercício imersivo a cada tomada, e  emprega as convenções do filme noir de forma pura.

Cidade dos Sonhos brinca com ângulos de câmera, atuação, referências de gênero e músicas de diferentes épocas; o filme está repleto de ideias e cenas maravilhosas que se sustentam por si mesmas. Uma celebração ao cinema. Como tudo, isso tem dois lados. A questão não é o que é real, mas como a realidade e a ilusão pertencem uma a outra.

Sisid(Filipinas, 2022)

Brillante Mendoza foi o primeiro diretor filipino a ser premiado em Cannes, por Kinatay(2009). Sisid, seu recente trabalho é uma história de amor lírica que usa o oceano como pano de fundo e é lindamente filmada à beira mar. 

O biólogo marinho Jason (Paolo Gumabao) e sua esposa Abby (Kylie Verzosa) vão para Pola, Mindoro, onde ele é encarregado de liderar a reabilitação e preservação de um santuário de peixes. Lá, ele conhece seu assistente de mergulho Dennis (Vince Rillon) e os dois se dão bem instantaneamente.

Enquanto eles trabalham juntos, Jason aprende sobre Dennis e sua família; e se emociona com a paixão de Jason por seu trabalho. Eles também se encontram em problemas contraditórios, enquanto Dennis engravida sua namorada Tanya (Christine Bermas), Jason e Abby lutam para ter um bebê há anos, mas sem sucesso por causa da doença misteriosa da frágil Abby.

O que segue aqui é o amor mais puro entre um homem e uma mulher e sim, entre um homem e outro homem dando lugar aos seus desejos longe das regras de classificação ‘normativas’. Aos olhos de Brillante, o amor e a luxúria podem coexistir longe do olhar atento das pessoas das cidades interioranas. 

Com o passar dos dias, Jason e Dennis desenvolvem sentimentos românticos um pelo outro, eventualmente cedendo aos seus desejos sexuais. Mas o caso deles toma um rumo sem precedentes quando Abby descobre e os pega em flagrante. O choque de Abby com sua descoberta piora sua doença, resultando em sua hospitalização. Jason agora tem que escolher entre Abby e Dennis. Alguém ficará com o coração partido.

Além de ser uma história de amor, o filme ainda trata de preocupações ambientais que despertam admiração. Aqui há uma crítica à exploração do oceano e os protagonistas são guerreiros ambientais comprometidos em salvar a natureza da exploração das grandes corporações.

Sisid é lindamente fotografado revelando um rico paraíso subaquático. A trilha sonora acompanha os visuais explorando o mar e o céu em sua forma mais sedutora. Por outro lado, a relação sexual entre Dennis e Jason incendeia a tela.

A direção é sutil com resultado formidável ou com o perdão do trocadilho, brilhante. O diretor se move rapidamente com sua história e garante que nada seja rotulado, ou colocado fora do lugar, desnecessariamente.

This is the Night(EUA, 2021)

28 de maio de 1982. Essa data aparentemente significou muito para o roteiristae/diretor James DeMonaco e as pessoas do bairro de Staten Island onde ele cresceu. Porque foi quando Rocky III de Sylvester Stallone, onde o boxeador superou a dor e a perda pessoal, chegou. No primeiro filme do cineasta, fora da franquia Uma Noite de Crime, Rocky é  uma figura sagrada

This is The Night é certamente um filme muito pessoal,  uma história de amadurecimento que nunca deixa de ser sincera, mesmo quando o cineasta assuma tanto que alguns aspectos realmente ressoam. Uma delas é a paixão genuína que DeMonaco sente por Rocky III, com seu lançamento não apenas a peça central do filme, mas o destaque narrativo e o guia temático.

A história segue a família Dedea, cada um com sua própria luta pelo título dos pesos pesados ​​com a vida que precisa ser vencida. O filho adolescente Anthony (Lucius Howard) vive sua vida com medo do que os outros pensam dele, especialmente os durões que estão por toda parte. Ele deseja dizer à sua paixão Sophia (Madelyn Cline) como ele realmente se sente sobre ela, mas é claro, está com muito medo de seu namorado valentão. O patriarca Vincent (Frank Grillo)  administra um restaurante italiano e um salão de festas em dificuldades, e deve muito dinheiro ao mafioso Frank Larroca (Bobby Cannavale),  e há ainda a esposa sofrida Marie (Naomi Watts).

Se há algo remotamente controverso, nesse meio hipermaculinizado, tem a ver com o filho mais velho Christian (Jonah Hauer-King), que como todos os outros garotos idolatra a masculinidade e o machismo de Rocky. Mas, ao mesmo tempo, ele está lutando com sua identidade sexual e desejos crosdresser, um sentimento que o levará ao ostracismo por amigos e certamente por seu pai.

DeMonaco está lidando com muita coisa aqui, incluindo Anthony fugindo de uma cidade inteira que acha que chamou Rocky Balboa de “pussy" . A melhor sequência, de longe, é a exibição real de Rocky III, vista pelas reações de admiração, choro e júbilo da plateia. O amor pelo cinema transparece.

Apropriadamente, This is the Night dá a todos no clã Dedea seu momento de brilhar, encorajados pela própria batalha de Rocky Balboa para superar as probabilidades. Anthony recebe mais tempo de tela, mas é Vincent, que literalmente luta com seu inimigo para ganhar o respeito da família e provar seu valor para sua esposa.

A história de Christian tem o impacto mais comovente, como o personagem lutando com quem ele é e como isso se choca com a masculinidade de sua cultura. Como basicamente a única personagem feminina significativa no filme, Watts não tem muito o que fazer, a não ser brilhar fazendo parte das histórias de outros homens, mas ela é boa como a única que entende o que Christian está passando.

É claro que This is the Night é um projeto feito com paixão. A nostalgia e os toques pessoais são evidentes. O sentimentalismo é um pouco abundante às vezes, mas é uma história genuína e agradável que vale a pena experimentar pelas memórias que filmes podem trazer à tona. 

Somos Tr3s(Argentina, 2018)

O diretor argentino Marcelo Briem Stamm entrega em Somos Tr3s, mais do que um filme poliamoroso e sim um retrato honesto sobre a bissexualidade. O cineasta que vem do universo da pornografia está acostumado a servir sonhos eróticos e povoar fantasias.

Nacho(Charly Etchévers), diz em vários momentos do filme que o mundo é feito para casais, não para trios. Mas quando o contador conhece a bela e autoconfiante Ana (Flor Dragonetti), em uma festa tudo irá mudar. Os dois estão no maior papo quando deixam o barman Sebastián (Juan Manuel Martino) preparar uma bebida para eles. Sebastián se junta ao flerte, começam os primeiros beijos hesitantes e, finalmente, Nacho e Ana aceitam o convite do lindo barman para passar a noite com ele.

Embora nada mais aconteça naquele primeiro encontro, Nacho, Ana e Sebastián não conseguem sair da mente um do outro. No grupo compartilhado do WhatsApp, eles marcam um fim de semana no campo. Sebastián mora lá na casa de férias de um amigo. Uma vez lá, ele revela seus sentimentos e anseios a Ana e Nacho: ele se apaixonou por ambos e gostaria de realizar seu sonho há muito acalentado de viver um relacionamento a três.

O ponto central da trama é a presença de Juan Manuel Martino. O jovem argentino já havia atuado em Taekwondo(2016) de Marco Berger. Sebastián é um dispositivo narrativo: ele reúne (e mantém) o trio junto. As dúvidas de Nacho e a agitação interna de Ana são escritas de forma crível e suavizadas pelo terceiro elemento.

Marcelo Briem Stamm não tinha um grande orçamento, mas ele fez o melhor, limitou-se a algumas locações, trabalhou com parcimônia com música e som, e se concentrou inteiramente nos diálogos, que muitas vezes são bons, às vezes redundantes e raramente supérfluos. As cenas de sexo também são filmadas com extrema naturalidade.

O poliamor é apresentado e idealizado como um país das maravilhas. As preocupações são verbalizadas de passagem, mas não são significativas em geral. O tom do filme é otimista e feliz e seu maior desconforto, no entanto, é que a cama não parece grande o suficiente para três.

Maschile Singolare(Itália, 2021)

Quando Maschile Singolare, dos codiretores Alessandro Guida e Matteo Pilati, começa Antonio (Giancarlo Commare) é abruptamente informado por seu marido de longa data,Lorenzo (Carlo Calderone), que seu casamento acabou porque ele se apaixonou por outra pessoa.

É um alerta rude para Antonio, que desde então desistiu de seu trabalho de arquiteto para dividir seu tempo entre cuidar da casa, fazer bolos e ir à academia. Quando Lorenzo lhe diz para se mudar, ele aluga um quarto de Denis (Eduardo Valdarnini), um profissional do sexo com uma imaginação muito vívida. Denis também lhe arranja um emprego como aprendiz de padeiro com Luca (Gianmarco Saurino), um de seus muitos 'amigos' com benefícios.'

O próximo obstáculo com o qual Antonio deve lidar é aprender a ser solteiro novamente: é um mundo diferente lá fora desde que ele se casou, há 12 anos. Ele se adapta ao lado físico da coisa transando com todos que encontra no Grindr.

O sexo vem fácil mas 'se apaixonar' é um conceito mais difícil. Isso até que Thomas (Lorenzo Adorni) aparece. Ele é tão doce quanto os que Antonio está preparando com Luca, com quem também tem um affair.

Com um excelente enredo, Maschille Singolare é uma história de amor queer contemporânea que rapidamente nos envolve e nos mantém encantados até o fim. O filme combina uma rara delicadeza e sensibilidade, que o protagonista encarna perfeitamente, com situações mais alegres, divertidas e pop. 

Um filme italiano perfeitamente imerso no tempo em que é pensado, escrito, produzido: verdadeiro para uma época em que já existem divórcios gays. E, embora possa parecer uma comédia leve, Maschile Singolare repousa sobre uma base mais profunda, sobre uma espécie de educação sentimental que não deixa nada ao acaso. 

2 ANOS DE CINEMATOGRAFIA QUEER

Há exatos 02 anos, nascia o CINEMATOGRAFIA QUEER, como um alívio pandêmico, uma forma de expressar opiniões esporádicas e sem compromisso sobre produções que chamassem 'nossa' atenção. Pois bem, a partir do momento que 'começamos' a fazer atualizações diárias, o Blog ganhou proporções inesperadas, fomos para o Instagram, para o Twitter, mas nossa base segue sendo aqui, um espaço para contar histórias, muitas vezes trágicas, mas também de amor, luta e superação. Em meio a centenas de filmes, dezenas de séries, e diversas listas e especiais eu encontrei minha maneira de militar, de abraçar a sigla, transmitindo a cultura, a trajetória e as narrativas LGBTQIA+, pela ótica queer da sétima arte. E que público sensacional! Manter um blog hoje, considerado uma coisa antiga, instigandoa leitura em tempos de lives, stories e podcasts é uma proeza. O reconhecimento disso é algo único, e que nos pega de surpresa quando vem de algum artista ou diretor, e 'nos' alimenta para seguir em frente. Então, parabéns ao Blog, por 02 anos de persistência, resistência, pesquisa e trabalho árduo para entregar algo feito com respeito, carinho e dedicação. E muitíssimo OBRIGADO, do fundo de 'nosso' coração colorido, a cada um que nos acessa, 'nos' curte, compartilha e assiste 'nossas' indicações. Como maneira de festejar o momento, listamos os 10 posts mais acessados no Blog, ao longo desse par de anos.

10 - Firebird(Tuilind, Estônia, 2021)

Ambientado durante a Guerra Fria, nos anos 1970, Firebird, de Peeter Rebane, conta a história de Sergey, interpretado por Tom Prior, um jovem que está cumprindo o serviço militar, nas forças aéreas, em uma base russa. Apaixonado por fotografia e arte, ele está contando os dias e minutos até que ele possa ir embora. No entanto, quando Roman (Oleg Zagorodnii), um piloto bonitão, chega, seu interesse é despertado. Os homens começam uma amizade e eventualmente um relacionamento, mas como a homossexualidade é ilegal na Força Aérea Soviética, eles nunca podem ficar juntos.

09 - Playdurizm(República Tcheca, 2020)

Playdurizm é a estreia do jovem artista Gem Deger, que escreve, dirige e protagoniza este longa absolutamente vanguardista de terror  que dialoga com o público queer, através de uma história estranhamente fascinante. O enredo acompanha Demir (Deger), um adolescente que acorda dentro de uma série de TV, ao lado de seu ator favorito Andrew (Austin Chunn), sua namorada Drew (Issy Stewart) e um leitãozinho, chamado Joshua. A estética do filme é quase uma instalação artística criando um mundo cor de rosa, azul, lilás e neon bastante imersivo, onde acompanhamos uma história de luxúria, drogas e um amor obsessivo.

08 - Ataque dos Cães(The Power of the Dog, EUA/Nova Zelândia, 2021)

Ganhador do BAFTA, do Chitics Choice, entre vários outros, Ataque dos Cães e sua diretora Jane Campion despontam como os grandes favoritos para o Oscar. A produção da Netflix, desconstrói o gênero do faroeste, para contar a história dos irmãos Phil (Benedict Cumberbatch) e George (Jesse Plemons), que são ricos proprietários da maior fazenda de Montana. Enquanto o primeiro é brilhante, mas cruel, o segundo é a gentileza em pessoa. Quando George secretamente se casa com a viúva local Rose (Kirsten Dunst), o invejoso Phil faz tudo para atrapalhá-los, até porque a homossexualidade aparente do recém chegado Pete(Kodi Smit-McPhee), acaba lhe impactando.

07 - Verão de 85(Eté 85, França, 2020)

François Ozon é um dos principais realizadores franceses da atualidade, Verão de 85 traz novamente uma tema recorrente em sua obra: a morte. Baseado livremente no romance do autor britânico Aidan Chambers, Dance on My Grave, Ozon volta aos anos 1980, onde na ensolarada Normandia, na França, ao som de In Betwen Days do The Cure, nos apresenta Alexis(Felix Lefebvre). O personagem logo se meterá em apuros, ao pegar o barco de um amigo e acabar ser sendo salvo por Davi, (Benjamin Voison). Bifurcado em duas fases temporais, Alexis conta através da escrita, assim como Dentro de Casa(2012), do mesmo Ozon, sua relação com Davi. 

06 - Veneno(Espanha, 2020)

A série espanhola, produzida pela Atresmedia Premium, e distribuída no Brasil pela HBO MAX é um fenômeno. Criada por Javier Calvo e Javier Ambrossi, Los Javis, a produção conta a história de Cristina Ortiz, ‘La Veneno’, uma das mais famosas transexuais que a Espanha já viu, pelo ponta de vista da ativista trans, Valéria Vega, autora do livro, ¡Digo! Ni puta, ni santa. Las memorias de La Veneno, e uma das personagens mais importantes, interpretada brilhantemente por Lola Rodriguez. A protagonista é vivida por três diferentes atrizes, para caracterizar bem suas diferentes fases: Jedet Sanchez, Daniela Santiago e, a recém falecida, Isabel Torres, que a interpreta mais velha é que realmente dá um show.

05 - Sagat: The Documentary(França, 2011)

Astro Pornô. Ator. Performer. Ícone Gay Internacional. Sagat: The Documentary, de Pascal Roche e Jérôme M. De Oliveira desvenda a personalidade por trás do símbolo sexual e nos apresenta  François Sagat despido de seu personagem. Modelo de virilidade, Sagat se tornou um fenômeno underground com uma personalidade rebelde e criativa e sua tatuagem única na cabeça, que simula um corte de cabelo. O artista seduz e inspira artistas, fotógrafos de moda e cineastas.

04 - O Caçador(El Cazador, Argentina, 2020)

Marco Berger é um dos principais cineastas do movimento queer na Argentina na atualidade, sua obra é permeada por um sutil homoerotismo e tensão sexual. No entanto, O Caçador, disponível no catálogo da Netflix, é diferente. O filme mostra os dias de Ezequiel(Juan Pablo Cestaro), um garoto de 15 anos que está sozinho em casa enquanto os pais estão na Europa. Ele leva os amigos mas é quando conhece Mono(Lautaro Rodriguez) que permite que o sexo e o desejo aflorem. O diretor troca as paixões lúdicas e arrebatadoras por um tema tabu, que é a pornografia infantil, e torna o filme desconfortante quando o coloca dentro da narrativa.

03 - Mães Paralelas(Madres Paralelas, Espanha, 2021)

Pedro Almodóvar é absolutamente o diretor favorito desse Blog, e sua obra é de cera forma uma válvula que move a paixão pelo cinema desse que vos escreve. É uma alegria que o texto sobre sua última obra prima, figure no pódio de nosso TOP 10. Mães Paralelas trouxe mais visibilidade para o cineasta espanhol por ter sua estreia na Netflix e assim alcançar uma gama diferente de seu público habitual. O longa conta a história de Janis, Penélope Cruz indicada ao Oscar, e a adolescente Ana, as duas entrelaçam seus destinos na maternidade para iniciar uma narrativa coberta de feminilidade e o mais importante, de forma doce trazer um resgate à ancestralidade e aos horrores do franquismo e da guerra civil espanhola.

02 - Vento Seco(Brasil, 2020)

O ousado Vento Seco de Daniel Nolasco, é marcado por erotismo, nudez e sexo, explícito muitas vezes. Esses elementos que constroem o filme, lhe garantem uma estética atrevida, que acompanha a jornada sexual do personagem principal, Sandro(Leonardo Faria Lelo). O filme é declaradamente fetichista lembrando as tirinhas de Tom of Finland. De maneira lúdica ele mostra o universo da submissão e dominação. Do couro. Do urso. Do policial. Do sexo em lugares públicos. Vestiários. Chuveiros. Urina. Sêmen. Vento Seco não tem medo de expor os desejos humanos, para contar uma linda história sobre amor e solidão

01 - TOP 10 FILMES LGBTQIA+ 2021

O post mais acessado do Blog é relativamente recente. Nosso TOP 10 foi impulsionando por vários compartilhamentos, retuítes e indicações. Para a alegria dos cinéfilos, mostreiros e do público em geral, 2021 foi um grande ano para o cinema! Festivais Internacionais deram luz à produções dos mais longínquos países, além de celebrar o trabalho de aclamados diretores e revelar novos talentos. A temática LGBTQIA+ vem cada vez mais ganhando terreno, força e relevância. E no último mês de 2021, elegemos nossos favoritos do ano que terminou, na lista figuram obras como Titane, Flee, Deserto Particular, Benedetta, e muitos outros. Confira!