Os Camarões Brilhantes(Les crevettes pailletées, França, 2019)

No filme de Cédric Le Gallo e Maxime Govare, Matthias (Nicolas Gob) é um campeão da natação, por mais que ele reconheça que errou ao fazer comentários homofóbicos sobre um rival. Ele está no topo de seu esporte, apesar de atingir a idade em que é hora de começar a pensar em opções de carreira a longo prazo. Quando o comitê disciplinar ordena que ele treine uma equipe de polo aquático só para gays, para se redimir de  seus comentários, ele enfrenta uma série de desafios que o mudarão de maneiras que ele nunca poderia ter previsto.

Esta equipe são Os Camarões Brilhantes e como Matthias logo percebe, há um problema maior do que o confronto entre sua extravagância e sua retidão autoconsciente - eles realmente não são muito bons. O polo aquático é um esporte altamente exigente e eles mal conseguem passar a bola quando não há mais ninguém na piscina.

Ele descobre algo sobre um dos jogadores que o faz perceber por que a competição é importante, e sua filha adolescente se interessa, tão animada com a perspectiva dele transformar os homens em estrelas que seu desejo de fazê-la feliz começa a superar seu preconceito.

À medida que as subtramas gradualmente se movem para o primeiro plano, expressões explícitas de sexualidade são usadas. O que o filme faz bem é deixar de lado rapidamente o simples conflito decorrente do preconceito de Matthias e abrir espaço para outros tipos de desenvolvimento de personagens.

Matthias nunca é um monstro, simplesmente um homem que não examinou as atitudes com as quais cresceu, e grande parte da alegria do filme vem de vê-lo gradualmente se abrir para o mundo e descobrir que não há problema em expressar suas emoções.

Com toda uma equipe de polo aquático para lidar, o filme não tem espaço para contar a história de todos em profundidade, mas conhecemos alguns, um deles está determinado a transar com o maior número possível de companheiros, há outro cujo relacionamento está sob pressão e que não quer decepcionar seus filhos, uma mulher trans que é convencida a voltar ao time como estrela e coreógrafa, um homem mais velho que é ridicularizado pelos outros por não acompanhar os tempos. Através de suas histórias, temos um senso de comunidade em contraste com o que Matthias conheceu como atleta para construir conexões humanas.

Lantejoulas e natação realmente não combinam, mas de alguma forma Os Camarões Brilhantes consegue funcionar, adicionando uma pitada de música pop brega, um número de dança e um cenário fabuloso.

O elenco é ótimo. A humanidade de suas emoções, o toque cômico e a simplicidade do roteiro fazem com que o entretenimento flua fácil. Enquanto os personagens definitivamente se aproximam do estereótipo, há muitas piadas sexuais, bumbuns nus e insultos internos que o roteiro permite. 

Bent(Reino Unido/Japão, 1997)

Tão pungente, como  de cortar o coração, Bent começa com flashbacks, testemunhamos o jovial hedonista Max(Clive Owen) aproveitando ao máximo os prazeres da Berlim pré-guerra, onde praticamente tudo acontecia. 

Até que é a infame perseguição nazista  encontra lutando por sua vida, ao lado de seu amante Rudy(Brian Webber). Implorando por ajuda de parentes relutantes, como o tio Freddie(Ian McKellen), eles são forçados a procurar abrigo na floresta, apenas para que os Dobermans os entreguem nas mãos da SS e uma vida no campo de concetração que Rudy nunca veria.

À medida que o poder dos nazistas aumenta, a vida fica cada vez mais difícil para os gays e a rede se aproxima de Max, que acaba sendo preso e enviado para Dachau. Uma vez lá, ele nega que seja gay, preferindo a estrela amarela de David dizendo que é judeu ao triângulo rosa admitindo que é gay, pois sabe que os judeus têm mais chances de sobreviver do que os homossexuais.

Lá ele conhece Horst (Lothaire Bluteau), que não tem vergonha de usar seu triângulo rosa e, apesar das dificuldades e tormentos da vida no campo de concentração, os dois homens formam um vínculo complexo.

Adaptado para a tela por Sean Mathias, da premiada peça de mesmo nome de Martin Sherman, esta obra emotiva detalha um capítulo abominável da história humana, ou seja, a perseguição de milhares de homossexuais durante a Segunda Guerra Mundial. 

Mick Jagger, que também assina a produção, surge como a vibrante cantora drag Greta aka George. Que tanto o filme quanto a peça de teatro falam muito sobre a resiliência do espírito humano, mesmo nas circunstâncias mais sombrias, não é preciso dizer. 

Como obviamente não havia muito dinheiro para cenários caros, muitas das configurações são feitas de forma expressionista, o que funciona até certo ponto, mas é difícil não sentir que o filme está limitado em parte porque o roteiro oscila entre o realismo e ser tão simbólico quanto os cenários.

No entanto, algumas das melhores coisas sobre a peça funcionam extremamente bem no filme, talvez a mais famosa, uma cena entre Max e Horst, onde eles ficam um ao lado do outro e fazem sexo verbal. É uma cena dolorosa, mas absurdamente sexy. 

Blonde(EUA, 2022)

Blonde, de Andrew Dominik, ultrapassa os limites da narrativa biográfica. Esta versão ficcional, da vida de Marilyn Monroe, baseada no romance de Joyce Carol Oates, é bruta, poderosa, dolorosa e incrivelmente bela e cínica em seus momentos mais fortes.

O filme começa com a infância dura de Norma Jean (Lily Fisher) que inclui uma tentativa de afogamento e abandono por sua mãe (Julianne Nicholson), para então começar uma jornada de abuso da adulta Norma, agora Marilyn, nas mãos de homens. A obra explora a relação entre esses personagens (Norma Jean e Marilyn Monroe) e seu ambiente misógino através de uma exibição cruel de trauma e violência onde uma mulher é abusada repetidamente.

Ana de Armas tem seu maior desafio como intérprete até aqui. A atriz, que incorpora uma semelhança quase fantasmagórica, saboreia plenamente sua fusão de Norma Jeane Mortenson e Marilyn Monroe, duas personagens que, embora residam no mesmo corpo, representam espectros diferentes. Norma Jean anseia pelo amor e pela vida normal que lhe foi tirada desde a infância. Marilyn Monroe é um símbolo sexual no comando de uma cultura machista.

A encenação é colorida e surreal. Em constante transição do preto e branco para o colorido, brinca com o contraste de sua paleta, orquestra sequências tão perturbadoras quanto visualmente deslumbrantes e reproduz cenas famosas de Monroe com o apoio da ótima produção e figurino. A trilha etérea, de Nick Cave e Warren Ellis, é, sem dúvida, um elemento forte do filme.

Entre os maridos de Marilyn estão Arthur Miller(Adrien Brody).Ele é alguém que realmente se apaixona por ela e não apenas pelo personagem fictício, como o astro do beisebol Joe DiMaggio (Bobby Cannavale) fez antes.

O sexo é uma parte importante da narrativa. O chefe do estúdio, Zanuck (David Warshofsky) ataca a ainda desconhecida jovem atriz, assim como John F. Kennedy (Caspar Phillipson) mais tarde. O encontro com o presidente dos EUA, em particular, é desconfortante.

Ao mesmo tempo, Dominik também usa o sexo para ilustrar os poucos momentos felizes da vida de Norma. O relacionamento a três com os filhos das lendas do cinema Charlie Chaplin e Edward G. Robinson deixa Norma brilhar brevemente, e na cama sua própria luxúria está em primeiro plano. Mas o desastre está sempre à espreita no horizonte. 

Dominik usa os filmes mais conhecidos da estrela para neutralizar a imagem pública de Monroe com a da Norma Jeane privada. As cenas se fundem umas nas outras, borradas e misturadas. Então ele coloca vários clássicos sob uma luz e óticas diferentes. 

Em algum momento tudo se torna um borrão: Norma, Marilyn, os homens, o sexo, as drogas, os abortos, as conversas com o bebê que nunca nasceu e as cartas anônimas do pai, cada vez prometendo um primeiro encontro em breve. 

É empolgante, imersivo e único em seu atrevimento colossal, tanto que não é apenas um filme doloroso sobre Marilyn Monroe, mas sobre fama.  Como um pesadelo aterrorizante sobre sucesso, poder, misoginia, Hollywood e seus processos desumanizadores, Blonde é um longa eficaz e anárquico.

Yossi(Israel, 2012)

O filme de 2002 de Etyan Fox, Delicada Relação, tornou-se um clássico  gay, 10 anos depois, ele alcança um dos personagens-título do original: Yossi. O filme anterior seguiu dois homens do exército israelense que se apaixonam em um cenário militar que não parece favorável a relações gays. Agora, Yossi (Ohad Knoller) é um médico em um hospital, levando uma vida solitária que gira em torno de seu trabalho, pornografia na internet e procura de uma noite casual.

Ele nunca superou o que aconteceu com Jagger e se sente particularmente perdido depois que a mãe de seu antigo amante chega ao hospital para um check-up. Yossi decide sair de férias para a área perigosa, ao redor da Península do Sinai, mas antes de chegar lá acaba dando carona a quatro jovens militares. Ele hospeda no mesmo resort que os jovens e aos poucos faz amizade com um deles, o belo Tom (Oz Zehavi), mas sua falta de autoestima faz com que ele não consiga ver que talvez o jovem esteja interessado em algo mais.

Há um ar bastante melancólico que paira em torno de Yossi, indo fundo na vida de um homem que pode ajudar outras pessoas como médico, mas é quase tangencial como pessoa. Mesmo quando alguma forma de conexão com o resto da humanidade é apresentada a ele, ele está tão perdido que mal consegue ver ou confiar nele. Mas também há uma sensação de esperança e possibilidade trazida por Tom, que é abertamente gay no exército, algo que não era possível para Yossi e Jagger.

Certamente ajuda se você já viu o anterior, pois embora Yossi funcione como um filme independente, definitivamente há mais a se tirar se você conhecer Delicada Relação. Isso é particularmente verdadeiro nos estágios iniciais, quando Yossi está tentando se conectar com a mãe de Jagger e você percebe como ele ainda é assombrado por seu antigo amor. Tom não representa apenas uma nova chance para Yossi, mas é essencialmente tudo o que ele não poderia ter e ser quando era jovem – e exatamente por que ele não acha que poderia ter isso agora.

O filme é ajudado enormemente por Ohad Knoller, que dá um desempenho tremendamente sincero no papel-título. Quase no momento em que ele entra na tela, seu coração se solidariza com esse homem que parece tão perdido que nem percebe que existe outra maneira de viver além da beira da depressão.

Tecnicamente, o filme é forte. Cenas ocasionais parecem redundantes. No entanto, o ritmo lento é resgatado pelas tomadas bem colocadas e lindamente construídas. Yossi é uma produção confiante, apesar dos momentos em que a narrativa desanda um pouco, o final é compensador.

Manhãs de Setembro 2ª Temporada(Brasil, 2022)

Cassandra(Liniker) está na estrada com Leide(Karine Teles) e Gersinho (Gustavo Coelho) no começo da segunda temporada de Manhãs de Setembro, série de Andrea Barata Ribeiro e Bel Berlinck para a Amazon. O carro para e é preciso que chame o pai da trans, surge então Seu Jorge, como Lourenço.

O progenitor acolhe a filha, e a família ainda sem sabe bem lidar com a questão trans, porém é receptivo, assim como a esposa interpretada por Samantha Schmutz. No final do episódio vislumbramos um dueto, entre Liniker e Seu Jorge, em nada menos que Travessia, de Milton Nascimento.

O tom é dado logo no início, a temporada é sobre família, Cassandra está reestabelecendo seus laços de sangue, mas também sendo acolhida por aquela família que escolheu, cuja matriarca Roberta(Clodd Dias), é a dona do bar Metamorfose, onde se apresenta, já sem tanta paixão, pois Manhãs de Setembro é também sobre as mazelas da vida.

São Paulo está menos cinza, a metrópole está luminosa oferecendo possibilidades para Leide, por exemplo que não as deixa escapar. Mas Cassandra é menos otimista, ela coloca sempre mais dificuldade e peso nas situações. Há uma voz(Eloisa Lucinda) na sua cabeça, a da cantora Vanusa e Cassi só consegue se libertar quando começa a cantar.

O casal Décio(Paulo Miklos) e Ari(Gero Camilo), ganham mais tempo e espaço de tela, dando uma leve pincelada no assunto geriatria LGBTQIA+. Nomes da música como Martn’ália e Ney Matogrosso fazem breves, porém, bonitas participações.

A música é o centro e a série segue homenageando o legado de Vanusa com algumas de suas mais famosas canções, além de que dá título à atração, Travessia, Esperando Aviões, Atômico Platônico e Mudanças. Também há novidades no repertório, como uma versão de Ex-My Love, de Gaby Amarantos, por Pedrita, personagem de Linn da Quebrada.

Cassandra precisa de aqué. A personagem tem que tomar decisões difíceis ao longo da temporada. Seu relacionamento com Ivaldo(Thomas Aquino), que deixou a mulher e agora vive sozinho com a filha lésbica parece não evoluir, embora haja uma cena bastante quente entre os dois.

Manhãs de Setembro mostra um salto de qualidade de uma temporada para a outra, a série é rápida, acontece, porém o humor de sua protagonista define o tom, o que neste caso seria bastante adequado à realidade de uma pessoa negra, trans mas que está sempre na luta buscando além da música e do consolo da família o poder se reerguer.

Justiceiras(Do Revenge, EUA, 2022)

A diretora Jennifer Kaytlin Robinson teve o atrevimento de pegar emprestado o enredo de Pacto Sinistro(1951), de Alfred Hitchcock, para criar uma comédia ácida adolescente, sobre vingança, humilhação e vidas destruídas.

Camila Mendes, de Riverdale, estrela como Drea Torres, uma estudante da Rosehill Private School que está obcecada em entrar em Yale. Mesmo bolsista, ela é a rainha de um grupo que inclui Tara (Alisha Boe), Meghan (Paris Berelc) e Montana (Maia Reficco).

Drea é popular, mas parece ser principalmente temida, e tem ansiedades secretas. Ela é uma mexicana-americana que vive em uma pequena casa da qual se envergonha. Ela conseguiu chegar ao topo da hierarquia em uma escola secundária predominantemente branca e privilegiada, apesar de ser atormentada por preocupações raciais e de classe. 

Então alguém vaza um vídeo de Drea tirando a roupa para o deleite de seu namorado igualmente popular, e um tanto misógino, Max (Austin Abrams). Tudo o que Drea conseguiu se esvai, e ela fica quebrada e mortificada. Drea assume que Max vazou o vídeo. Max nega.

Surge Eleanor (Maya Hawke), uma lésbica branca e desengonçada, em roupas desleixadas, que ainda está traumatizada por um incidente que ocorreu no acampamento de verão anos atrás. Eleanor e Drea se tornam amigas improváveis, e trocam planos de vingança.

Há ecos de Patricinhas de Beverly Hills(1995), Atração Mortal(1988) e Meninas Malvadas (2004) por toda parte, mas também de Segundas Intenções, quando Sarah Michelle Gellar surge como a diretora da escola, dando conselhos à Drea, ou quando toca Praise You, do filme de 1999.

Imperdível a trilha de Justiceiras mistura Billie Eilish, Alessia Cara, Tony K, Maude Latour, Rosalia, Hole, Robyn,Olivia Rodrigo, Le Tigre, Caroline Polachek, MUNA, Fatboy Slim, Meredith Brooks e The Cranberries.

O diretor de fotografia Brian Burgoyne e a editora Lori Ball conspiram com a diretora para manter o filme constantemente avançando, ao mesmo tempo em que permite notas elegantes, em seus visuais vintage e tons pasteis.

As emoções dos personagens continuam ameaçando atrapalhar os objetivos que eles estabeleceram para si mesmos, sejam saudáveis ou não, e o que as muitas discussões francas sobre engano, representação e desempenho são tanto texto quanto subtexto. Há uma expressão ótima a ‘Glennergy’, que seria a energia de Glenn Close, em Atração Fatal(1987).

Onde Justiceiras peca é no tempo de execução. Mesmo assim é uma comédia ambiciosa, sombria, espirituosa e surpreendente. E embora à primeira vista pareça mais um filme adolescente, a verdade é que tem um toque original e realista, cumprindo perfeitamente seu objetivo de entreter. 

Morte.Morte.Morte.(Bodies Bodies Bodies, EUA, 2022)

Há muita diversão desagradável no slasher do momento, da A24, Morte. Morte. Morte. A estreia em inglês da diretora holandesa, Halina Reijn, faz a difícil pergunta de saber se há algo realmente novo a fazer com o subgênero, e a resposta chega no final.

Abrindo com um beijo apaixonado entre Bee (Maria Bakalova) e Sophie (Amandla Stenberg), Morte. Morte. Morte. é refrescantemente aberto sobre seu estado de adolescentes, queers, mimados. E ricos, por sinal.

As duas estão indo para uma festa de fim de semana na luxuosa casa de David (Pete Davidson), o melhor amigo de Sophie. Também estão a namorada rainha da beleza, de David, Emma (Chase Sui Wonders), a competitiva e um tanto deslocada Jordan (Myha'la Herrold), a falante podcaster, Alice( Rachel Sennott) e, estranhamente, seu “namorado” de 40 anos Greg (Lee Pace).

Mas à medida que a tempestade se instala, a devassidão toma conta, e o grupo bebe, e se droga para chegar a uma trégua desconfortável. Como a única sóbria, depois de sair recentemente da reabilitação, uma Sophie faminta por diversão decide que é hora de um jogo: Morte. Morte. Morte. As regras são simples: todos recebem um pedaço de papel, um é marcado com X, o que significa que ele é o assassino, e então as luzes se apagam.

Não demora muito para que os corpos comecem a se acumular de verdade, mas o que revigora é uma compreensão extraordinariamente firme dos personagens. Há um peso relativo aqui com um conjunto de jovens, de vinte e poucos anos, claramente desenhados, embora insípidos ou profundamente empáticos.

Capturar as ansiedades modernas da cultura obcecada por mídia social de hoje parece fácil para Stenberg, Bakalova e, mais notavelmente, Sennott, que continua a mostrar porque seu papel de destaque em Shiva Baby(2020) não foi por acaso. É um terror da Geração Z, sempre preocupado com o sinal do celular ou no mínimo com os aparelhos ligados para fornecer alguma luz.

Embora o roteiro de Sarah DeLappe não crie o mistério mais complexo, compensa com uma sagacidade venenosa que soa natural vinda desses personagens. Com um elenco de tantas estrelas em ascensão, o filme  possui várias performances fortes e se propõe também a fazer uma crítica à toxicidade das amizades.

Dahmer: Um Canibal Americano( Dahmer - Monster: The Jeffrey Dahmer Story, EUA, 2022)

Glamourizar um assassino pode ser algo problemático. Mas não é o que Ryan Murphy e sua grandiosa equipe(que inclui os nomes de Jennifer Lynch e Gregg Araki na direção) fazem, em Dahmer: Um Canibal Americano. A nova parceria do aclamado produtor de Pose, com a Netflix, é um exame profundo de uma mente doente, perversa e sádica.

Não é uma história fácil de assistir. É macabra! Começa em Milwaukee, em 1991: Jeffrey Dahmer(Evan Peters) atrai um homem para seu apartamento. Cheira a podridão, ele tranca a porta, brinca com a vítima e quer matá-lo. Mas o homem consegue escapar, chama a polícia e volta. Dahmer é preso.

Jeffrey Dahmer entendeu que ser branco e homem poderia lhe permitir imenso privilégio desde jovem. Quando ele também descobre que simplesmente dizer “coisas gays” ou “nós, homossexuais” faz os policiais recuarem, ele tem uma combinação de dois golpes para manter os olhares indiscretos longe.

Junto de Ryan Murphy está Ian Brennan. Ambos também trabalharam em Ratched(2020), que era caracterizada por um verde, na fotografia. Aqui aparece um amarelo louco, febril, doente, hepático e intenso como marca estética.

Dahmer: Um Canibal Americano funciona nos mostrando como os estágios do protagonista evoluem. Isso é feito por meio de saltos temporais, que às vezes são separados por uma década. E também mostra como ele espera ser pego várias vezes. Apenas para  descobrir que pode se safar.

O que segue é um olhar em como Jeffrey Dahmer aos poucos se tornou e aprendeu a ser quem ele era, como ele procurou, seduziu e assassinou, no mínimo 15  vítimas, como era sua complicada relação com o álcool e como ele foi julgado, o que isso significou para as famílias de suas vítimas e como ele terminou.

Evan Peters, ganhador do Emmy, por Mare of Easttown(2021), já ofereceu performances insanas junto de Ryan Murphy em temporadas de American Horror Story. Mas é diferente aqui, ele encarna o brilho louco dos olhos do psicopata, ele assusta, ele intimida, ele irrita, ele canibaliza.

Além do pai Lionel(Richard Jenkins) e da avó Catherine(Michael Learned), outro papel fundamental da série é o da vizinha Glenda Cleveland(Niecy Nash) que fez inúmeras tentativas de chamar a atenção da polícia para o lugar onde o massacre estava acontecendo, no entanto nunca com sucesso, por se tratar de um bairro habitado por negros. O elenco ainda tem Molly Ringwald, como a madrasta, e Penelope Ann Miller, como a mãe.

O banquete macabro está servido ao som da trilha original de Nick Cave e Warren Ellis, além de KC and the Sunshine Band, Sade, The Jesus and Mary Chain, Enigma, Crystal Waters, Suzy Quatro, Technotronic, Seduction, Lisa Stanfield e outros.

E como de costume na obra de Ryan Murphy, ele não ignora os fantasmas da época, no caso o HIV, que se propagava pelos EUA, enquanto Dahmer cometia seus crimes, é abordado em algumas ocasiões. Na mais impressionante quando o próprio assassino aparece representando a doença e o medo da comunidade LGBTQIA+.

Dahmer: Um Canibal Americano é uma série incrivelmente bem-sucedida que não romantiza o perpetrador, mas também se concentra em suas vítimas e ao fazer isso, ela consegue algo que falta em muitas adaptações cinematográficas das façanhas de serial killers, ela cria um pouco de justiça, porque não se deve lembrar do assassino, mas sim de suas vítimas.

Perdidos na Noite(Midnight Cowboy, EUA, 1969)

Perdidos na Noite é baseado em uma premissa simples, cujos elementos, um garoto do campo perdido na cidade grande, uma amizade próxima se formando entre dois homens muito diferentes - já foram explorados muitas vezes antes. O que o destaca é a narrativa, juntamente com o fato de ter se aventurado em território raramente reconhecido no cinema mainstream dos EUA em um momento em que grandes mudanças culturais estavam em andamento.

Não há como contestar o fato de que o filme funciona de forma diferente hoje. A classe média dos Estados Unidos não está mais chocada com as representações da pobreza urbana ou da vida de forasteiros, embora ainda seja cada vez mais raro ver profissionais do sexo como heróis. Outras questões, no entanto, vieram à tona, com o público muito mais propenso a ficar chocado com as representações do tratamento de personagens gays.

Os gays não estão realmente no radar do jovem Joe Buck (Jon Voight) enquanto ele viaja da zona rural do Texas para a Big Apple planejando ficar rico vendendo seus serviços sexuais. Mas sua imagem de caubói é de icônico apelo de fetiche gay.

Joe tinha uma garota lá atrás e por um tempo foi feliz, então ele imagina que deve haver muitas mulheres solitárias na cidade que ele poderia agradar. Bem-humorado e sem vontade de ser cruel, no entanto, ele é muito fácil de se apressar, e as coisas parecem sombrias até que ela conhece o vigarista 'Ratso' Rizzo (Dustin Hoffman). Embora sobreviver na cidade seja difícil e seus sonhos pareçam distantes, essa amizade sustenta os dois.

Não há interesse amoroso convencional aqui, o foco emocional do filme é inteiramente na relação entre os dois amigos, o que contrasta com a falta de intimidade emocional nas cenas de sexo e com o peso da solidão que Joe descobre na cidade, onde a promessa de oportunidade parece falhar completamente para muitas pessoas.

Ele se sente cada vez mais solidário com marginais de todos os tipos, e o filme foi importante em sua época por destacar a angústia e a solidão causadas pela homofobia - mas quando a saúde de Rizzo se deteriora e sua situação se torna cada vez mais desesperadora, a simpatia é um luxo que Joe não pode pagar. .

A direção confiante de John Schlesinger traz à tona um lado da cidade de Nova York que foi amplamente ignorado pelo cinema desde os filmes noirs dos anos 40. é um retrato vívido cuja crueldade frequente é equilibrada pela edição brilhante de Hugh A Robertson, com montagens que transmitem todo o barulho e vertigem da experiência urbana para um recém-chegado que nunca encontra seus pés completamente. 

Xenia(Grécia/França/Bélgica, 2014)

Duas semanas depois que sua mãe albanesa bebeu até a morte, Danny(Kostas Nicouly), de 15 anos, com um pirulito na boca e seu coelho branco de estimação enfiado na mochila, pega Ferry(Giannis Stankoglou) em Creta. para ir a Atenas para dar a notícia a seu irmão Odysseas(Nikos Gelia) que agora mora lá.

Danny é um garoto magro e confiante com seu cabelo tingido de dois tons e roupas descoladas e está claramente orgulhoso de ser gay. Seu lindo irmão mais velho Odisseyas é quieto e reservado e não poderia ser mais diferente.

Nenhum dos meninos tem os documentos certos para morar na Grécia agora que sua mãe faleceu, então eles tiveram a ideia de rastrear seu pai grego que abandonou a família 12 anos antes, para que eles possam provar sua dupla nacionalidade. .

 

A última vez que se ouviu falar de seu pai, ele supostamente ficou rico e estava morando em Tessalônica, então os jovens partiram para encontrá-lo. Danny também convence Ody, que tem uma voz em tom de mel, a entrar em uma grande competição de canto… uma espécie de programa de uma espécie de The Voice que acontece dentro do filme

Ao longo do caminho, eles fazem uma visita domiciliar para ver Tassos(Aggelos Papadimitriou) um velho amigo da família que tem sido como um tio para eles. A boate meio surrada de Tassos oferece uma oportunidade para os dois garotos entrarem em outra rotina de música e dança: uma das várias que são apimentadas por esse drama muito sério que tem todos esses tons bobos.

Todos eles parecem obcecados com a música Eurotrash em geral e, particularmente, com os sucessos de uma diva pop italiana dos anos 1960 chamada Patty Pravo, que esses meninos foram ensinados por sua mãe a idolatrar.

 

Enquanto Ody tenta sua grande chance, seu irmão mal-humorado secretamente sai para seguir uma pista que ele tem de encontrar seu pai errante. Danny já se meteu em uma situação perigosa ao brandir uma arma, e agora se mete em problemas potencialmente mais sérios quando reage mal quando a reunião na casa de seu pai não sai como ele havia planejado.

 

Este delicioso road-movie, peculiar, do cineasta grego Panos H. Koutras, é bem-sucedido porque combina habilmente tantos elementos diferentes. Há sua visão da agitação social na Grécia com a reação de um elemento de direita que está tornando a apátrida dos imigrantes um problema tão controverso.

Contra isso, e a comovente história de dois jovens tentando encontrar suas raízes e sua identidade, há também o tópico da homofobia. Koutras justapõe tudo isso com uma camada inteira de cenas ultrajantes e sincroniza tudo perfeitamente numa sequência musical.

É fato que há momentos em que o filme leva seu drama e adornos surreais ao extremo, mas não cai no ridículo nunca. Felizmente, as ocasiões que poderiam parecer falsas muitas vezes têm uma doçura e emoção surpreendentes, como Dany conversando com o coelho gigante, personificação de seu coelhinho de infância.

Morte Em Buenos Aires(Muerte en Buenos Aires, Argentina, 2014)

Nada é o que parece, diz a frase promocional de Morte em Buenos Aires, primeiro trabalho atrás das câmeras de Natalia Meta. A publicidade não engana, porque se há uma descrição que cai como uma luva nesse arriscado coquetel de film noir em seu aspecto mais clássico, romance homossexual impossível e surpreendentes gotas de humor, essa é a imprevisível .

Apoiado por um orçamento generoso que  reflete em um cenário perfeito e um visual interessante, o filme se passa em Buenos Aires, na década de 1980, mostrando como a corrupção e a duplicidade de critérios invadiram as mais altas esferas da justiça e as classes sociais mais ricas.

A história começa com o aparecimento do corpo sem vida de um milionário maduro que, aparentemente, foi assassinado em sua cama enquanto fazia sexo com um de seus amantes ocasionais. O escândalo seria enorme se os detalhes do crime fossem divulgados, então a polícia é forçada a manter uma discrição sobre isso. Dois personagens muito diferentes são encarregados da investigação.

Por um lado, o inspetor Chávez, com uma longa história atrás dele, rude. Do outro, o jovem e impulsivo agente Gómez, vulgo El Ganso, cujo físico poderoso é perfeito para interferir nos ambientes gays onde a vítima se movia, a fim de tentar se aproximar do assassino.

O mexicano Damién Bichir se coloca no papel de Chávez, enquanto Chino Darín, consegue roubar todas as cenas graças ao seu olhar magnético e habilidades sedutoras que são úteis para seu caráter ambíguo.
A química entre os dois é marcante, respirando uma tensão sexual insuspeita ao lidar com dois papéis, em princípio, heterossexuais, com suas respectivas famílias criadas. A galeria de personagens está muito animada, desde o comissário viciado em cocaína Sanfilippo –que um espirituoso Hugo Arana dá vida– à Kevin, um artista homossexual que será relevante na execução da investigação. Este último é encarnado com grande sucesso por Carlos Casella, que também está encarregado de interpretar os temas musicais que compõem a trilha sonora espetacular e muito oitentista do filme.

É curioso como as canções acompanham, quase como uma novela, a evolução da relação entre os dois companheiros de patrulha, com a tensão inicial e a inimizade dando lugar a sentimentos mais próximos do desejo e do ciúme obsessivo.

Morte em Buenos Aires é um filme atípico de camaradagem que parece mais preocupado em extrair momentos homoeróticos inestimáveis ​​de Darín do que com a tradicional troca de tiros e ação típica desse tipo de abordagem A diretora conduz muito bem suas cenas, bebendo do filme noir americano dos anos 40, seus ambientes e seus tiques, para acabar oferecendo algo totalmente novo e diferente.

Pelo Malo(Venezuela/Argentina/Peru/Alemanha, 2013)

Com delicadeza, Pelo Malo, se concentra em um menino de nove anos explorando questões de identidade e desejo, que ele ainda não entende, e a mãe exausta socialmente condicionada a suprimir sua autodescoberta.

A roteirista e diretora venezuelana Mariana Rondon constrói um olhar nada sentimental para essas duas figuras amorosas, mas conflitantes, vistas no contexto vívido de uma cidade hostil e superpovoada. O resultado é um drama neorrealista sobressalente que prende a atenção e o envolvimento emocional com seu hábil equilíbrio de rigidez e sensibilidade.

O filme de Rondon lida com o fascinante tema do despertar queer pré-sexual, com toda a confusão e vergonha resultantes. , constrangimento e isolamento. Mas enquanto a homofobia em uma cultura machista de pobreza e violência é central para a história, isso não é de forma alguma um tratado sociopolítico. É um estudo de personagem rigorosamente sem julgamento, cujo final melancólico traz um soco silencioso.

Preso com um cabelo rebelde que é o legado de seu pai negro morto, Junior (Samuel Lange) é obcecado em ter o cabelo alisado para combinar com sua imagem de fantasia de um cantor pop dos anos 1960, Henry Stephen. Ele aproveita a foto de identificação exigida para o novo ano letivo como o momento ideal de reforma, mas esbarra em um muro ao tentar levar sua mãe, Marta (Samantha Castillo), a bordo.

A individualidade de Junior não combina com a crença de Marta em modos rígidos de comportamento masculino-feminino. Sua constante agitação com o cabelo bem encaracolado, que ele está desesperado para alisar, e a obsessão geral pelo espelho são uma das principais fontes de atrito entre mãe e filho. 

Ele recebe um tratamento mais indulgente de sua avó paterna, Carmen (Nelly Ramos), cuja oferta de criar o menino parece motivada tanto por sua necessidade de companhia quanto por seu bem-estar. Ela capta os olhares saudosos que Junior lança para o belo adolescente (Julio Mendez) cuidando da banca de jornal local. Quando sua mãe também se dá conta da paixão, o medo e o pragmatismo frio a levam a tomar medidas duras para proteger o filho.

A filmagem em estilo documental, de Micaela Cajahuaringa, cria um pano de fundo texturizado do ambiente pouco acolhedor dos personagens, desde as calçadas densamente lotadas de Caracas e ruas congestionadas até os blocos habitacionais desumanizantes onde famílias pobres vivem como se estivessem empilhadas em caixas. 

Embora Rondon tivesse um roteiro, ela nunca o mostrou ao elenco, preferindo trabalhar com eles por meio da improvisação. Os resultados são uma prova das habilidades de todos os envolvidos, e as performances são uniformemente fortes, desde Junior de Lange, lutando com sua identidade enquanto anseia pelo amor de sua mãe, até Samantha Castillo, ferida e sem orientação, mas sem vontade de baixar a guarda. 

O Despertar de Um Assassino(My Friend Dahmer, EUA, 2017)

Baseado em uma versão de uma história real, My Friend Dahmer. O Despertar de um Assassino, é um retrato de um serial killer quando jovem. Envolto na inevitabilidade inerente, é carregado inteiramente nos ombros curvados e na franja loira de Ross Lynch.

O longa adapta o livro de John 'Derf' Backderf, o filme traça um caminho difícil em torno de pistas que sabemos levar a um monstro. Há a tentação de colocar a culpa, de atribuir a causa. aos pais Joyce e Lionel, Dallas Roberts e Anne Heche, que proporcionam uma inquietação que aninha, habita, apodrece.

Este é um filme não apenas intensamente observado, mas também interessado em observar e discutir o ato, um filme que foca em como as coisas são vistas. É expressa a preocupação de que o jovem Jeff passa muito tempo em sua própria companhia, mas um vislumbre em sua própria cabeça é um momento de horror, admiração e, de uma maneira muito específica, paz.

O trabalho do diretor Marc Meyers encontra um excelente lugar para mostrar o olhar, mas há uma sutileza real nas distinções que Meyers desenha aqui - até mesmo o simpático médico da vizinhança, uma mudança mínima, mas fundamental, de Vincent Kartheiser, tem um papel a desempenhar. 

Embora baseado em um livro de alguém que estava lá, a caracterização muitas vezes parece surpreendentemente justa. Há, sem dúvida, invenção, mas a vez de Alex Wolff como Derf é mais sutil, mais justo, mais matizado e até crítico do que se poderia pensar. 

Em uma breve janela do final dos anos 1970, extraída das memórias de Derf, isso ainda é um pedaço da vida. Mesmo no diálogo há multiplicidade, metatextualidade e liminaridade abundam, em molduras e vistas e horizontes, em detalhes pequenos e técnicos. Há dificuldades aqui, bem exploradas na arte, mas não na vida. 

Com um naturalismo de tom em sua representação tanto da letalidade quanto do ensino médio, lembra a distância e a postura de Elefante(2003), de Gus Van Sant, uma história de um serial killer que evita a lúgubre sobrenaturalidade. É algo diferente, deslocado, estranho, mas ainda assim poderoso.