Mía (Argentina, 2011)

Dois temas universais de anseio , querer o que você não tem e querer a liberdade de ser você mesmo, se encontram em um conflito melancólico no excelente drama argentino: Mía. Embora o longa de estreia, do roteirista e diretor Javier Van de Couter, inclua questões transgênero, ele as incorpora não necessariamente como um ponto focal, mas para informar e iluminar as profundezas de uma história envolvente.

Uma mulher trans recatada, catadora de lixo, e atenciosa chamada Alé (Camila Sosa Villada) vive humilde em Villa Rosa, uma comunidade marginalizada para pessoas trans e deslocadas nos arredores de Buenos Aires (foi inspirada por uma favela da vida real destruída nos anos 1990). Mas Alé secretamente anseia por uma vida melhor e é esse desejo que impulsiona as tendências ocultas da narrativa.

Enquanto faz sua busca diária por papelão para reciclar, Alé testemunha um pai, Manuel (Rodrigo de la Serna), brigando com sua filha pré-adolescente, Julia (Maite Lanata), em sua casa de luxo. Quando o pai joga fora um presente de aniversário, Alé o salva, descobrindo um diário escrito por uma mãe suicida chamada Mía. Absorvida e comovida pela história escrita em seu interior, Alé tenta devolver o diário ao destinatário pretendido.

Embora Manuel rejeite seus esforços iniciais, Alé permanece destemida. Enquanto o homem afoga suas mágoas na bebida, Julia, uma rebelde, estabelece uma amizade clandestina com Alé, que rapidamente se transforma em um forte vínculo. Na verdade, Julia desperta instintos maternais tão fortes em Alé que a protagonista é levada a abrir um caminho de felicidade para uma casa implodindo de tristeza.

A tênue aposta de Alé por mobilidade ascendente é ambientada em um cenário de despejo pendente (e assédio policial) enfrentado pelos moradores de Villa Rosa. A residência de Manuel fornece um contraponto astuto à dor de seu coração. Ela está ciente de que não se encaixa confortavelmente na vida de Manuel e Julia , mas isso não a impede de tentar.

O diretor mostra uma mão sensível e equilibrada em manter um tom perfeito durante seu longa-metragem. Em meio a um elenco forte, Sosa Villada discretamente rouba o show com sua performance matizada, discreta e comovente. O filme enobrece não apenas questões LGBTQIA+, mas também humanas que, como a própria Alé, aspiram transcender fronteiras.

Como Sobreviver a uma Praga(How to Survive a Plague, EUA, 2012)

O relato meticulosamente detalhado de David France é como um grupo furioso e ferozmente comprometido de pessoas altruístas e destemidas, que ao enfrentar a indústria farmacêutica e as instituições governamentais, eles fizeram uma diferença real e salvaram incontáveis ​​vidas.

Esta é, obviamente, a história da epidemia de AIDS que trouxe a formação da organização AIDS Coalition to Unleash Power, mais conhecida como ACT UP, um grupo de ativistas gays cujo sucesso contra tantas probabilidades nunca deve ser subestimado, pois gerou resultados muito relevantes.

 

O documentário usa um tesouro de imagens de arquivo (filmadas por cerca de 33 pessoas diferentes) que incluiu muitas das primeiras reuniões do ACT UP e suas grandes demonstrações públicas quando provaram o quão hábeis eram em eventos de alto perfil para atrair a atenção da mídia. O filme mostra, por exemplo, o icônico protesto, realizado durante uma missa.

Seu logotipo Silêncio = Morte falava muito e enquanto eles lutavam contra a hostilidade aberta dos políticos e a indiferença das agências governamentais como o F.D.A., você podia sentir sua raiva crescendo, especialmente porque o número de mortos continuava subindo astronomicamente.

O que surge não é apenas a realidade de que se ressentia da presença do ACT UP, que promovia ‘funerais políticos’, mas o fato de que o governo e a sociedade estavam tão visivelmente desconfortáveis ​​com um grupo minoritário fazendo suas demandas de forma tão agressiva e com indignação tão óbvia e totalmente indispostos a recuar. 

Isso foi eficaz para aumentar a consciência sobre uma calamidade tão estigmatizada que o presidente Ronald Reagan quase ignorava, George H.W. Bush observava como 'comportamental' e Bill Clinton, em campanha eleitoral, mal estava na vanguarda da causa e parecia assustado quando era alvo de manifestações.

Mas o ativismo da AIDS não se limitou a atos políticos. O filme destaca cientistas, pesquisadores e um químico aposentado, nem todos convivendo com HIV, que fez um trabalho inestimável ao chamar a atenção para um protocolo de tratamento e medicamentos promissores em todo o mundo. Surpreendentemente, a ACT UP conquistou assentos em conselhos de supervisão da crise, como observou um funcionário federal: "Eles sabem mais do que nós".

Hoje sabemos que houve um grande manejo incorreto da epidemia naquela época, com drogas ineficazes, caras e difíceis de encontrar e absoluta ignorância no tratamento de pessoas com HIV/AIDS, e sem a defesa brutal do ACT UP, a situação talvez fosse ainda pior.

Como sobreviver a uma Praga é um filme devastadoramente triste, pois faz reviver a dor avassaladora de perder tantos amigos e te entorpece de choque. Em 1996, após inúmeras tentativas frustradas com o AZT, uma combinação de três remédios foi uma bênção para aqueles que ainda estavam vivos, mas infelizmente, tarde demais para os milhões que já haviam partido.

 

Não é fácil enfrentar essa parte dolorosa do passado recente, mas é uma causa necessária e obrigatória, até porque hoje conviver com o HIV é uma realidade completamente plausível. Muitos dos sobreviventes, como Larry Kramer, que lançou a peça The Normal Heart, mais tarde adaptada para o cinema por Ryan Murphy, seguem a batalha até hoje. E o filme é também uma lição notável sobre o poder de falar e lutar pelo que acreditamos.

Gualeguaychú: El País del Carnaval(Argentina, 2021)

Existe uma conexão metafísica entre todos os filmes de Marco Berger. Seu último longa Gualeguaychú: El País del Carnaval, funciona como uma versão semi-documental de seus trabalhos anteriores. Há um pouco de Taekwondo (2016) nele com corpos seminus de homens bonitos em exibição abundante. O ator Gaston Ré, que estrelou Un Rubio(2019) também tem um papel significativo aqui.

Como esperado e para o deleite de seus fãs, a marca registrada de Marco Berger, sentimento de impalpável tensão sexual está presente em todo o filme. O Carnaval prospera na ideia de contrastes - probabilidade homoerótica em um cenário tradicional. Berger conta uma história de orgulho cultural, bem como o orgulho da escolha sexual e como eles podem compartilhar o mesmo espaço social sem comprometer sua autenticidade. São gays, héteros, mas que na avenida só querem cintilar.

A história - parte realidade e parte ficção - é narrada por dois protagonistas - um gay (Vilmar Paiva) e outro heterossexual (Franco Heiler). Filmados em locações ao vivo no famoso Carnaval Gualeguaychú, da Argentina, os atores-narradores principais enfrentam o olhar do público e as suposições que vêm juntos com ele, de frente, enquanto exibem seus corações em um ritual masculino.

Todo homem que participa do desfile de carnaval deve vestir trajes minúsculos e brilhosos com babados e adereços. E Berger explora isso tudo em closes generosos. Os participantes, especialmente os homens, usam-nos e exibem-nos com alegria, sem demonstrar qualquer sensação de insegurança, vivendo apenas a atmosfera do Carnaval.

Por meio do filme, Marco Berger homenageia sua pátria Argentina e sua raiz cultural, que alimentou sua sexualidade e lhe deu voz e identidade. Sua participação como convidado no filme, como diretor de documentário, adiciona uma camada autobiográfica à obra.

Pequena Mamãe(Petite Maman, França, 2021)

Em sua curta filmografia, com filmes como Lírios D’água(2007), Tomboy(2012) e a obra prima Retrato de uma jovem em Chamas(2019), a cineasta Céline Sciamma imprimiu sua identidade, sempre com um olhar muito feminino e uma poderosa sensibilidade. Sua mais recente obra, Petite Maman, não foge dessas características e marca a volta da diretora ao universo infantil.

Nelly (Joséphine Sanz) tem oito anos e sua avó materna acaba de falecer. Com sua mãe, Marion (Nina Meurisse), e seu pai (Stéphane Varupenne), ela se despede de todos no funeral, para depois se hospedar na casa da avó, onde Marion cresceu. Do banco de trás, Nelly sem palavras coloca lanches na boca de sua mãe enquanto ela dirige, até mesmo oferecendo a ela um gole de sua caixa de suco - atos mudos de cuidado que falam muito sobre sua proximidade e sobre a empatia incomum de Nelly por sua mãe em luto.

É uma corrente que flui para os dois lados. Mais tarde, Nelly confessa seus sentimentos de confusão e culpa por não ter dito um adeus apropriado - esta história também é uma excelente evocação do primeiro encontro de uma criança com a morte - e então ela e Marion reencenam uma despedida adequada, com Marion como a procuradora de sua própria mãe .

Na casa, uma espécie de recanto de conto de fadas próximo a uma floresta, a presença do pai é periférica, mas gentil. Há cenas lindas em que Nelly o ajuda a se barbear ou pede que ele lhe conte um segredo. Mas, principalmente, isso é sobre Nelly e Marion, e o fascínio da menina pelas histórias que sua mãe lhe conta sobre sua própria vida, em particular uma cabana que ela construiu na floresta adjacente na época em que fez uma operação para corrigir uma doença hereditária .

Quando Marion vai embora antes que Nelly acorde no dia seguinte, seu pai diz a ela que não é por muito tempo, e então ela engole sua preocupação e vai brincar na floresta. Lá, ela conhece uma menina de oito anos que se parece muito com ela (Gabrielle Sanz: as jovens atrizes são gêmeas) e está construindo uma cabana. O nome dela é Marion, e ela mora na mesma casa em que Nelly está hospedada, acessada apenas de uma maneira diferente, totalmente mobiliada e habitada pela versão mais jovem da avó(Margot Abascal) da protagonista.

As crianças, muitas vezes codificadas por cores em tons primários entre azulados, castanhos e laranjas ardentes da floresta outonal, na sublime fotografia de Claire Mathon, lembram muito fábulas. Mas Sciamma buscou inspiração na obra do influente animador do Studio Ghibli, Hayao Miyazaki, e sua maneira única de retratar crianças em filmes como Meu Amigo Totoro(1988) e A Viagem de Chihiro(2001). Outra obra, da produtora de animação, que parece se conectar diretamente com o filme é As Memórias de Marnie(2014), de Hiromasa Yonebayashi e Yuichiro Kido.

Há aspectos de realização de desejos aqui, como quando a criança-Marion tranquiliza Nelly que ela não é responsável pelas tristezas de sua mãe adulta. Mas, ao lado de momentos de sabedoria precoce, há um naturalismo preciso nas interações das meninas. Ambas aceitam seu pequeno milagre sem questionar e se comportam como qualquer garota cuja repentina amizade floresça no decorrer de uma tarde. Elas brincam com barcos a remo e panquecas e representam cenários hilariantes e intrincados num inocente faz de conta de ‘marido’ e ‘mulher’.

Petite Maman é um minúsculo fragmento suspenso no tempo, contado em apenas 70 min, mas ampliado em alta resolução até que o microscópico se torne imponente e gigante, e o mistério do amor de uma criança por sua mãe se torne o mistério do amor do mundo. 

Julieta (Espanha, 2016)

Julieta, o vigésimo filme de Pedro Almodóvar, sem dúvida não é sua maior obra prima, mas reafirma o poder que o artista exerce no controle total sobre o seu trabalho, maduro, refinado e marcado por sutilezas. 

Como a maioria dos filmes do diretor, este centra-se nas mulheres. Sua premissa narrativa pode ser simplesmente declarada: uma mulher enfrenta o doloroso mistério do longo afastamento de sua filha. Mas este é apenas um fragmento de um drama que cresce firmemente mais rico, mais ressonante e complexo como o cineasta elabora.

Julieta (Emma Suárez), uma mulher de meia-idade e de classe média, planeja mudar-se para Portugal com o namorado Lorenzo (Darío Grandinetti), que quer discutir seus próximos passos. Mas esta é uma fuga que não é. Quando a protagonista encontra Bea(Michelle Janner) casualmente na rua e fica sabendo notícias de sua filha desaparecida, Antía, ela resolve ficar em Madri, e esperar por notícias. 

Três décadas antes, Julieta (agora Adriana Ugarte), uma professora de literatura , sai em uma viagem de trem noturna que vai mudar sua vida. Quando um homem mais velho tenta conversar, ela foge para o bar, onde conhece Xoan (Daniel Grao), um jovem, e bonito, pescador. Os dois fazem amor naquela noite, mas algo mais acontece: o homem que ela conheceu comete suicídio - criando uma centelha de culpa que levará outras formas mais tarde na história.

É uma história que varia ao longo de muitos anos e várias localidades. Quando Julieta se muda com Xoan para sua linda casa à beira-mar, ela encontra a vida complicada pela proximidade de uma bela artista, Ava (Inma Cuesta) e a governanta Marian(Rossy de Palma) que parece para se ressentir da felicidade de qualquer outra pessoa.

Julieta e Xoan têm uma filha, Antía(Priscilla Delgado\Blanca Pares), que tem uma infância feliz. Mas depois que a interrupção da família impulsiona uma mudança para Madri quando a garota é adolescente, um abismo começa a abrir entre ela e sua mãe, por outro lado, os laços com a amiga, Bea(Sara Jiménez) que conheceu em um acampamento só se estreitam.

Onipresente, o vermelho aparece elegantemente em objetos, como toalhas, carros e roupas. Mas há um grande cuidado com a escolha das obras de arte, junto com a fotografia de Jean-Claude Larrieu, edição de José Salcedo e trilha de Alberto Iglesias, cuja atmosfera de mistério acompanha o filme. Há também uma grande cena, que marca a transição das duas atrizes que interpretam Julieta.

O roteiro de Almodóvar foi baseado em três histórias da escritora canadense Alice Munro, mas se conecta intrinsecamente com sua cultura espanhola, bem como as ideias expressas em seus filmes anteriores, com comidas, cozinhas e diálogos muito característicos. Além de traçar um novo curso em sua carreira, Julieta é impregnado de feminilidade com a confiança casual de um mestre do cinema.

Elephant Song(Canadá, 2014)

Filmes baseados em peças teatrais muitas vezes dependem fortemente de seus atores para carregá-los, pois eles são reflexivos de obras que não podem fazer uso de cinematografia ou definição na mesma medida. O diretor canadense/belga, Charles Binamé, apresenta um mistério absolutamente fascinante em Elephant Song, com base na peça de mesmo nome do dramaturgo e roteirista Nicolas Billon. Este thriller psicológico possui um conceito simples, mas é tão cheio de reviravoltas que o público se vê envolvido em um verdadeiro quebra-cabeças.

Quando o psiquiatra Dr. Lawrence (Colm Feeure) desaparece sem deixar traços do hospital onde trabalha, Dr. Green (Bruce Greenwood) é chamado para descobrir seu paradeiro. A melhor chance de resolver este mistério parece ser através de uma entrevista com o paciente Michael, Xavier Dolan em grande interpretação, um indivíduo que afirma ter informações a seu respeito. Green está despreparado para os jogos da mente complexa e manipuladora que Michael está pronto para jogar, no entanto, ignorando conselhos prudentes da enfermeira Susan Peterson (Catherine Keener), que trabalha em estreita colaboração com Michael, ele segue a diante. À medida que sua troca continua, Michael revela sua incrível inteligência e aumenta seu controle da situação.

Elephant Song é um filme afortunado o suficiente para possuir dois atores cativantes em seus papéis de chumbo. Xavier Dolan retrata Michael como mentalmente perturbado, mas verdadeiramente brilhante, e há uma qualidade inegavelmente sedutora em seu desempenho. O Dr. Bruce Greenwood combina a intensidade do seu antagonista, mas de uma maneira completamente diferente.

O enredo do filme torna-se ainda mais complicado, uma vez que se percebe a antiga natureza da relação entre o Dr. Green e a enfermeira Peterson. E o que dizer então da suposta relação entre Michael e o Dr. Lawrence?

Este trabalho apresenta muitas camadas diferentes de mistério e complicação, pois todos os fatos são revelados lentamente e cada personagem parece ter algo a esconder. A cinematografia é simples, permitindo que o foco do filme permaneça sempre nos atores, enquanto uma intensa escore orienta e aumenta as respostas emocionais.

Com um mistério intrigante este filme te mantém verdadeiramente preso, para não perder um único momento com suas reviravoltas psicológicas. O longa sem dúvida, é mais uma grande e intimista obra na cena do cinema canadense, e é um trabalho que este país pode oferecer ao mundo com orgulho.

Totally F***ed Up(EUA, 1993)

Totally F *** ed Up, destina você a interpretar os asteriscos da maneira mais conveniente, ainda que pareça muito claro.  Anunciado nos créditos como "Outro filme homo por Greg Araki”, o longa acompanha a vida cotidiana de seis amigos gays que vivem no início dos anos 1990, em Los Angeles.

Como um docudrama, o filme observa seus personagens principais na conversação ou no lazer, e registra as suas opiniões sobre uma variedade de questões, incluindo o amor , HIV, drogas, sexo, masturbação, relacionamentos e atitudes sociais correntes para a homossexualidade.

Cada um dos membros do grupo se apresenta para a câmera como parte do projeto de vídeo do curso de Steven(Gilbert Luna). A qualidade degradada da imagem e da brevidade dos clipes permite apenas uma leitura superficial de cada entrevistado. E conhecê-los definitivamente faz a abordagem segmentada que inicialmente pode sugerir uma falta de estrutura narrativa, começar a encaixar numa história que evolui.

No centro está Andy(James Duval) curiosamente enigmático, com olhares de popstar que, como tantos de sua idade é uma confusão de contradições. Ele descarta a ideia do amor como "propaganda de besteira", apesar das evidências claras em contrário, fornecida pelo casal lésbico alegre e dedicado Michelle(Susan Beshid) e Patricia(Jenee Gill) e sua própria paixão subsequente.

Ainda há Deric(Lance May) e Steven, cuja relação aparentemente sólida está sendo colocada em risco pela infidelidade deste último e o despreocupado Tommy(Roko Belic), que faz parceria com o abandono de um junkie transformando vício em prazer.

Apesar de sua estrutura episódica, o longa flerta com muitos filmes adolescentes dos anos 1980 e 1990, mas o faz do ponto de vista não representado por filmes mainstream e até mesmo independentes, em 1993, quando o New Queer Cinema explodia.

Mas o que realmente fica é a energia primordial do filme e senso de diversão otimista e honesto em uma apresentação de Los Angeles teen gay.  Uma excelente trilha sonora de shoegazer rock dá ao filme seu batimento cardíaco. Talvez a conquista mais significativa de Gregg Araki é que ele nos envolva com um grupo que, embora compartimentalizado e marcado como "diferente" pela sociedade por nada mais do que a sua preferência sexual, são tão fáceis, amáveis, amantes, divertidos e f***dos, como qualquer um nessa idade.

O Amor é Estranho(Love is Strange, EUA, 2014)

O amor é Estranho, dirigido por Ira Sachs, de Deixe a Luz Acesa(2012), e co-escrito com Mauricio Zacarias, tem a confiança em sua bela e emocional história para contar simplesmente. É sobre muitas coisas: envelhecer, Nova York, família, trabalho, amizades. Mas é realmente sobre o amor. E o amor não é estranho, é o que temos, se tivermos sorte.

Depois de 39 anos juntos, Ben (John Lithgow) e George (Alfred Molina) se casam. Ben, um pintor, está ansioso, e luta com tristeza a cada momento. George, um professor de música, está lá para o manter focado e olhando para o lado positivo. O desempenho entre esses dois atores imediatamente nos permite saber quem é esse casal, e quem eles são uns para os outros. Quando eles dizem seus votos, a felicidade no pequeno grupo de amigos e familiares que se reuniu é palpável.

Mas logo depois, George perde seu trabalho como diretor de coro em uma escola católica. O padre (John Cullum) considera George seu amigo, mas a arquidiocese exigiu que, devido ao casamento, o professor saia, e ele não pode dizer não aos seus chefes. Com a perda de renda, Ben e George têm que vender seu apartamento e bater nos sofás das pessoas à medida que procuram novas moradias no mercado imobiliário confuso e brutal de Nova York. Separadamente. Sua separação é temporária, no entanto. Pelo menos é o que todo mundo diz.

O filme possui um coração agridoce, e o mesmo desejo quase urgente que exige que os idosos sejam tratados com mais respeito. O casal ao "abrir caminho para o amanhã" é dividido por razões semelhantes relacionadas ao imobiliário, têm que pechinchar com seus parentes adultos, e se tornarem desorientados em um mundo solitário sem o parceiro.

Ben vai parar com seu sobrinho Elliott (Darren E. Burrows), um produtor de vídeo que raramente está em casa, e sua esposa, Kate (Marisa Tomei), uma romancista lutando com seu próximo livro. Eles têm um filho adolescente estranho chamado Joey (Charlie Tahan) que só tem um amigo, o russo Vlad (Eric Tabach). Ben é removido de seu ambiente familiar, de seu parceiro e de sua rotina e começa a se deteriorar.

George tem um pouco mais de resiliência emocional, mas ele começa a desmoronar também ao ficar hospedado com um casal gay muito mais novo (Cheyenne Jackson e Manny Perez) que trabalham para a Polícia de Nova York. George tenta dormir no sofá em uma atmosfera de casa de festa, com pessoas vindo e indo.

John Lithgow e Alfred Molina parecem tão confortáveis ​​em seus papéis que você não tem dúvidas de que esses homens estão juntos por metade de suas vidas. Eles capturam a facilidade de tal relacionamento, mas também a irritabilidade, a aparência rápida telepática, e então os súbitos e inchados momentos de intimidade
.

No cinema, são os detalhes que muitas vezes trazem momentos de transcendência, iluminados pela profundidade ou graça. O Amor é Estranho, é um filme corajoso, que nos oferece um olhar maduro sobre a homossexualidade e  que desencadeia emoções enormes.

 Love

Veneza (Brasil, 2019)

Em seu segundo longa-metragem, codirigido por Hsu Chien Hein, Miguel Falabella conseguiu um fato inusitado: reunir a outrora musa de Almodóvar, Carmen Maura com o notável talento brasileiro de Dira Paes. Veneza, baseado na peça de Jorge Accame, se passa em algum lugar no interior do Brasil, onde a atriz espanhola interpreta Gringa, a debilitada dona de um Bordel, que sonha em ir à cidade italiana encontrar o único homem que já amou, Giácomo (Magno Bandarz).

Tonho(Eduardo Moscovis) e Rita(Dira Paes) controlam o prostíbulo com mãos de ferro. A partir do momento em que o personagem leva uma jukebox para o estabelecimento, percebemos uma luz onírica se aproximando.

Em meio a um surto da Gringa, Tonho e Rita prometem levá-la até Veneza, porém precisarão contar com a ajuda das prostitutas Jerusa (Danielle Winits), que representa uma mulher resistente, em constante negação, e Madalena(Carol Castro).

A propósito de Madalena, ela protagoniza o romance fluído do filme. Júlio (Cario Manhente) sofre com o amor que sente pelo sexo oposto, sempre pedindo para se vestir como mulher na hora da relação. Sonhadora, a personagem vê no garoto, uma oportunidade para sair dali e viver em São Paulo.

Com Veneza, Miguel Falabella encanta o público em uma locomotiva de sonhos. O ambiente circense entra em cena, para trazer uma série de pequenos arcos, além de momentos decisivos para o desfecho, sensível da Gringa.

Veneza consegue emocionar , comover e irradiar luz em tempos sombrios, ainda que toque em temas mais pesados como violência contra mulher, homofobia e misoginia. Falabella encontra uma forma muito particular de trazer otimismo e esperança, com lirismo e muita licença poética para narrar sua história.

Entre Frestas(Hyacint, Polônia, 2021)

Em um período obscuro para a comunidade LGBTQIA+ na Polônia, a polícia comunista, da década de 1980, os levou à clandestinidade quando iniciou uma operação secreta em massa para criar um banco de dados nacional de todos os homossexuais poloneses.

De 1985 a 1987, cerca de 11.000 pessoas foram documentadas à força e obrigadas a assinar declarações de que eram gays, o que arruinou completamente suas vidas. A chamada Operação Hyacinth  pode ter cessado há muito tempo, mas os registros permanecem intactos em algum lugar com as autoridades polonesas se recusando a destruí-los.

Esta caça às bruxas em particular é o cenário para um novo e excelente thriller. O premiado cineasta polonês Piotr Domalewski captura o desespero sombrio de Varsóvia na história de Robert (Tomasz Zietek), um ambicioso jovem sargento da milícia policial que está bem no meio dessa repressão cruel. Mas isso também não vai acabar bem para ele, e sua ruína é que ele está sempre tentando muito agradar a todos em sua vida.

Ele mora em uma ala do apartamento de sua família sob o olhar atento de seu pai Edward (Marek Kalita), um poderoso coronel da Força Policial que tem grandes planos para seu filho. A noiva policial de Robert, Halinka (Adrianna Chlebicka), está ansiosa para levá-lo ao altar o mais rápido possível, mas o jovem policial ignora sua pressão.

Então, quando um homem gay rico é assassinado, há coação para que Robert e seu parceiro possam resolver rapidamente o crime, mesmo que isso signifique bater em um homem inocente para assinar uma confissão. Isso não se coaduna com Robert, que quer fazer uma investigação real, enquanto o resto da Força está feliz por fazer parte da Operação Hyacinth, invadindo banheiros públicos e clubes apenas para arrebanhar mais gays para torturar.

Quando há um segundo assassinato, as autoridades não querem reconhecer que estão lidando com um seria killer e desejam que o caso seja encerrado, mesmo que isso signifique condenar um inocente. Robert de alguma forma, consegue permissão para se disfarçar para satisfazer suas próprias suspeitas, mas ele está totalmente despreparado para saber aonde isso vai levar.

Robert faz amizade com Arek (Hubert Milkowski), um jovem estudante universitário gay que, sem suspeitar de nada, o apresenta a seu círculo secreto de amigos. O que Robert não espera é que isso desencadeie sua própria estranheza latente com consequências muito inesperadas.

Domalewski e seu roteirista Marcin Ciaston não decepcionam. Ao contrário das autoridades policiais da história, eles não têm pressa em fazer um final planejado e mantêm um ritmo perfeito para nos manter totalmente engajados até os créditos finais rolarem.

A Morte e Vida de Marsha P. Jonhson(The Death and Life of Marsha P. Johnson, EUA, 2017)

O documentarista David France fez uma estreia impressionante, em 2012, com Como Sobreviver a uma Praga uma história muito complexa do ativismo da AIDS nos EUA, com uma narrativa convincente, raivosa e inspiradora. A Morte e a Vida de Marsha P. Johnson, parece inicialmente ter uma perspectiva mais macro dos direitos dos homossexuais e realmente conta uma grande trajetória.

Johnson, que morreu em 1992, e que a polícia declarou como suicídio depois que seu corpo apareceu perto do cais da Christopher Street onde ela passou muito tempo, um dia ou mais após sua morte real, era uma mulher trans que nasceu Malcolm Michaels, em 1945 .

Marsha, amigável, extrovertida, ultrajante, vivia o tipo de vida itinerante não incomum para pessoas trans em Nova York, nos anos 1960 e 1970. Ela vivia na pobreza, mas ao mesmo tempo flutuava com a turma de Warhol e foi uma das principais figuras na batalha de Stonewall, no verão de 1969. Naquela época, apenas sair para a rua em plena luz do dia, travestido, ou como uma pessoa trans, era uma forma de ativismo, mas Marsha fez mais. Até sua misteriosa morte.

O filme mostra isso para o espectador antes de ir para os dias atuais e para os escritórios do Projeto Anti-Violência da Cidade de Nova York. Lá, uma mulher trans chamada Victoria Cruz, que trabalha ali desde o final dos anos 1990, depois que ela mesma foi vítima de agressão em uma casa de repouso onde trabalhava, está se preparando para a aposentadoria. Mas ela tem alguns negócios pendentes para resolver. Como quase todo mundo fora das autoridades oficiais, ela não acredita que Marsha P. Johnson se matou. Ela decide prosseguir com este caso arquivado. “Justiça para Marsha”, ela diz várias vezes.

O diretor começa a construir uma narrativa que gruda em você como um bom drama policial. Victoria visita pessoas da “vida”, por assim dizer, em vários locais. Em Hoboken, ela fala com Randy Wicker, que aceitou Marsha como colega de quarto, na década de 1980. Uma rainha, Srta. Kitty, é entrevistada em uma prisão. Sylvia Rivera, boa amiga de Johnson e outra veterana de Stonewall, morreu na década de 1990, mas o uso de imagens de arquivo dela é surpreendente. O tempo todo o filme justapõe com pertinência o passado e o presente..

Hoje em dia, há uma demonstração notável de unidade nos movimentos pelos direitos LGBTQIA+, que se acolhe embaixo de um arco-íris. Mas até que ponto isso é igualmente verdadeiro em todos os lugares? É um fato que na década de 1970, gays não estavam necessariamente ansiosos para ter pessoas trans no movimento. O filme não foge disso; inclui algumas imagens surpreendentes de Rivera no Washington Square Park, reprimindo ferozmente uma multidão em um comício. 

Ney à Flor da Pele(Brasil, 2020)

Quando o longa, de Felipe Nepomuceno, abre com imagens da ditadura ao som de Ave Maria, na voz de Ney Matogrosso, vislumbramos que uma crítica social está por vir. A luz, porém, irradia quando a tela corta para os Secos e Molhados, e sua representação libertária de androginia.

Contemplativo, o filme é construído  em cima de um rico e raro arquivo audiovisual, com imagens da trajetória de Ney. O cantor, que explodiu com os Secos e Molhados, alçou carreira solo e foi rebolar sozinho nos palcos, sempre acompanhado de maquiagem, performances poderosas e um certo enigma sobre sua personalidade.

Reportagens televisivas dos anos 1970 e 1980, falam sobre a relevância de suas letras e de questionar limites entre feminino e masculino. Participações de Cid Moreira, Ronnie Von e Leda Nagle, ainda que antigas, enriquecem o filme, que traz também imagens de Cazuza, Caetano, Chico Buarque, Ângela Maria e Milton Nascimento, acenando para contar uma fatia da história da cultura POP, no país. 

A narrativa é conduzida, além do acervo de imagens, por músicas de Ney Matogrosso, como sequências ao som de Como 2 e 2, Sangue Latino, Rosa de Hiroshima, Tem gente com fome, O mundo é um moinho e até Imagine, em dueto com Simone. Não há depoimentos recentes, ou seja o documentário é um longo e primoroso trabalho de pesquisa.

O filme acredita no poder das imagens, como veículo perpétuo de registro histórico e de arte. Assim como Ney Matogrosso quebrou e segue quebrando paradigmas, Nepomuceno transmite em sua obra um frescor em forma de homenagem, ainda que não totalmente biográfica, sobre a evolução da obra do maior performer/artista/cantor brasileiro da atualidade.

Sem dissecar o ídolo, o documentário reúne imagens, entre 1973 e 2019, e destaca que Ney, sempre manteve uma forma pacífica de lutar contra toda a forma de opressão. Como o próprio mesmo diz, em uma das raras cenas em que o diretor lhe dá a fala: “A liberdade que eu prezo tanto para mim, eu ofereço para as pessoas”.

Máquina do Desejo – 60 Anos de Teatro Oficina (Brasil, 2021)

Através de um riquíssimo acervo audiovisual, Máquina do Desejo, de Lucas Weglinski e Joaquim Castro, revisita mais de seis décadas e avalia a importância do Teatro Oficina Uzyna Uzona na cena cultural do país. A companhia, comandada por Zé Celso Martinez, revolucionou a linguagem teatral no Brasil, causando sempre furor, beleza e polêmica.

O arquivo de imagens passeia pela história do Teatro Oficina, sempre símbolo de resistência. Podemos presenciar, momentos de ditadura, o incêndio que marcou uma reviravolta, além de personalidades como Marieta Severo, Claudia Wonder, Chico Buarque, Fernanda Montenegro, José Wilker, Elke Maravilha, Caetano Veloso, Glauber Rocha, Zé do Caixão, entre muitos outros.

O longa abre o baú de subversidade e acompanha a trajetória de um dos mais vanguardistas movimentos brasileiros.  Provocar é uma necessidade, e o espaço localizado no bairro do Bixiga, em São Paulo, é uma verdadeira máquina de ousadia.

O mais importante, porém, no filme é destacar a importância do Teatro Oficina na cena nacional. Um movimento que enfrentou a ditadura, o conservadorismo, o governo e até mesmo uma proposta de compra de Silvio Santos.

Máquina do Desejo – 60 Anos de Teatro Oficina, derruba mitos e mostra toda a contribuição da instituição para a cidade de São Paulo, além de registros históricos de suas montagens, sempre com apelo político, sexual e underground. É uma pena, que após tantos anos de luta e glória, a batalha ainda continua. 

Antropofágico, o longa nos proporciona um transe carnal e delirante, ao retratar a trajetória do icônico Zé Celso Martinez, desmistificá-lo, e compreender que assim como a História do Brasil, o Teatro Oficina, também teve que se moldar e se reinventar, mas nunca sem deixar sua essência e sinônimo de potência.

Hello World(Hei Verden, Noruega, 2021)

Qual é realmente a sensação de ser a única pessoa abertamente queer em toda a escola? No documentário Hello World, acompanhamos a vida de Runa, Viktor, Dina e Joachim ao longo de três anos, enquanto eles frequentavam a escola. Contado através dos olhos dos quatro jovens, o filme nos dá uma janela para entender como é crescer como um gay na Noruega hoje.

O que passa pela sua cabeça quando você finalmente decide assumir para seus amigos na escola, mas seu professor pede que você espere para que eles possam "se preparar" para a notícia? Quando seus companheiros de equipe o acusam de observá-los no chuveiro? E como você vai encontrar um par para o baile quando você é o único na escola que saiu do armário? A vida como um queer assumido se tornará mais fácil com o tempo? Hello World é uma história de amadurecimento divertida, envolvente e comovente sobre ser verdadeiro consigo mesmo.

Como lidar com a pressão e os comentários negativos nas redes sociais? Com uma festa de crianças e adolescentes que ousam ser diferentes, seja para se destacar como gay, pintar o cabelo de azul, ou se vestir com roupas que costumam ser usadas pelo sexo oposto.

O filme acompanha como esses jovens perseguem seus desejos e ambições pessoais durante esses três anos que são cobertos pelo documentário. Kenneth Elvebakk fez um trabalho bastante decente aqui, e é um filme muito saudável de se ver.

Apesar de todos os personagens terem seus momentos de protagonismo, é Robert, um fã declarado de RuPaul’s Drag Race, que acaba por representar a libertação juvenil. Quando vai a um show e conhece as participantes do programa Latrice Royale, Sharon Needles, Valentina e Shangela, o garoto que ensaia seus primeiros passos como drag tem momentos de êxtase.

Propositalmente o filme evita a presença de adultos, embora pareça que os quatro adolescentes aqui sejam bem aceitos por sua família. No final, o filme, vencedor do Oslo Pix 2021, deixa uma poderosa mensagem de inclusão e iniciativa.

Desaprender a Dormir (Brasil, 2021)

Provocativo, audacioso e absurdo. Desaprender a Dormir, de Gustavo Vinagre, começa com Hypnos(Carlos Escher) alertando para os distúrbios do sono: “Dormir ao invés de carregar as baterias, porque dormir é muito mais”, o início é um prelúdio da viagem lisérgica que começaremos a presenciar.

Flertando com o universo Underground e HARDCORE, do cineasta canadense Bruce laBruce, Vinagre conta a história de um casal, formado por Flávio, interpretado pelo próprio diretor e José(Caetano Gotardo). Enquanto um, perde o apetite sexual por editar filmes pornôs gays o outro investiga possibilidades de vida em Marte. A relação de ambos discute o limite de prazer X trabalho.

Um voluptuoso pênis aparece em cena e mostra que José está carente de sexo. Ele se aventura pelo Grindr e começa a marcar encontros com garotos, sempre interpretados por Rafael Rudolf, que também assina a fotografia, além de protagonizar intensas cenas de homoerotismo e sexo explícito.

Com uma magnética estranheza e uma poética melancolia, o filme também não nos poupa de momentos escatológicos e absolutamente sexualizados. Como quando há uma conversa, online, sobre a higienização de Dildos.

“Vai trabalhar bee”, diz uma das clientes de Hypnos, em referência ao hino Work Bitch, de Britney Spears, antes de pegar no sono. Parece que o influencer tem realmente o poder da cura para a insônia, já que também auxilia dois Camboys, com seus pesadelos recorrentes de monetização, um deles interpretado por Fábio Leal, que codirige Deus Tem AIDS(2021), ao lado de Gustavo Vinagre.

Fetichista, sexual e grotesco, o filme explora os desejos homoeróticos de Flávio e José através de metáforas, que são muitas vezes autoexplicativas e há uma evidente crítica social. Certamente não é um filme para qualquer estômago, porém há de encontrar um público disposto a embarcar nesse imersivo e libidinoso sci-fi.

Sweetheart(Reino Unido, 2021)

Marley Morrison faz sua estreia com Sweetheart, um filme que narra as experiências juvenis e a descoberta pessoal de uma jovem LGBTQIA +. Mas esqueça os dramas complexos da Geraçação Z, já que o filme pertence ao clássico gênero britânico de férias em família sexualmente estranhas e pesadelos à beira-mar. 

April Jane ou AJ (Nell Barlow), como ela prefere ser conhecida, é inteligente o suficiente para fornecer três provas indiscutíveis de que o mundo não é plano na queda de seu chapéu mole. No entanto, ela ainda tem aquela insegurança adolescente que precisa exagerar para parecer mais interessante. Escondendo-se com roupas largas, ela é arrastada para a umas férias, onde a diversão em família é comandada pela mãe.

AJ está apenas atingindo o ponto em que sua família pensa que ela é gay. A própria não sabe quem ela está se tornando e prova isso sabotando todas as oportunidades que ela tem de encontrar a garota dos seus sonhos. A garota em questão é Isla(Ella-Rae Smith), ágil e adorável com todos os atributos esperados de uma salva-vidas feminina.

O clima de férias e a bebida em excesso  leva a verdades sendo ditas, segredos sendo revelados e paixões sendo liberadas. Além disso, vergonha, libertação e ressacas deveriam ensinar lições, mas nunca o fazem.

Sweetheart é doce,  terno, engraçado, malicioso e familiar no bom sentido, trazendo de volta todos os horrores estranhos da angústia adolescente com carinho. Se você não conseguir aprender a lição central sobre ser você mesmo, pelo menos lembre-se das três razões pelas quais a Terra não pode ser plana. É importante.

A marca registrada do filme move-se ao longo de um lado independente, influenciado por um estilo relacionado ao coming of age, tão explorado em outros filmes. Portanto, há aquele influxo de cores azuladas e esverdeadas, acompanhadas de locais frescos e abertos, que servem de acompanhamento perfeito nesta viagem vital de amadurecimento.