Kaboom - Alucinação (Kaboom, EUA, 2010)

O roteirista e diretor Gregg Araki é conhecido por uma série de travessuras hipersexualizadas descoladas de adolescentes. Com Kaboom, Araki volta facilmente ao seu estilo característico, que poderia ser descrito como comédia, embora com tensões de êxtase e traumas que flertam com David Lynch.

O filme é dominado por closes adoráveis ​​de seu ator principal, Thomas Dekker, interpretando Smith, um cara jovem e sexualmente aventureiro em seu primeiro ano de faculdade e que despreza rótulos como "bissexual".

A melhor amiga gay de Smith, Stella (Haley Bennett) é uma colega estudante lacônica, hipercínica e não especialmente simpática que agora está fazendo sexo com a sinistra entusiasta de magia negra Lorelei(Roxane Mesquida). O próprio Smith sente vontade de transar com seu colega de quarto ultra-heterossexual, um surfista louro com o nome ultrajante de Thor, interpretado pelo membro do elenco de Barrados no Baile, Chris Zylka.  Smith está fazendo sexo com um cara gay que conheceu na praia e com uma garota britânica, Juno Temple, que se chama pedantemente London. 

Todo esse sexo que todo mundo está fazendo não é obscurecido e complicado pelas agonias da infidelidade como poderia ser em outro tipo de drama, mas por causas sobrenaturais bizarras e temores de Smith de que estranhos homens mascarados de porco estejam tentando sequestrá-lo. Ele também teme que tudo isso tenha algo a ver com uma misteriosa garota de cabelos ruivos que desapareceu do corpo estudantil alguns meses antes. Em um filme que esbanja um espírito teen, a trilha sonora não poderia ser mais apropriada: Ladytron, Cut Copy, Friendly Fires, The XX, Yeah Yeah Yeahs, Interpol e Placebo, com uma cena icônica ao som de Bitter End.

Com um tom irreverente e um humor agradável e brincalhão, o filme avança alegremente.  Coisas estranhas acontecem. Coisas assustadoras acontecem. E acima de tudo, sexo acontece, muito. Há algo surpreendentemente inofensivo em um filme que tem consciência de sua própria superficialidade e faz piada disso nos momentos finais absurdamente melodramáticos. Apesar da semelhança, Kaboom não ressoa na mente como algo lynchiano, e não tem a intenção de fazê-lo, ele carrega uma leveza satírica que é própria do diretor. Os biscoitos alucinógenos ingeridos pelo protagonista do filme nos conduzem juntos nessa viagem lisérgica e insensata.

The Misandrists(Alemanha, 2017)

Apontado como o primeiro filme feminino do controverso Bruce LaBruce, The Misandrists, traz sim uma certa delicadeza, um maior refinamento estético, porém quando é violento, o diretor radicaliza e vai graficamente além do hardcore.

LaBruce, que frequentemente trabalha na Alemanha escalou a atriz e colaboradora cotidiana Susanne Sachße como Gertrudes também conhecida como Big Mother. Fundadora do Exército de Libertação Feminina, um pequeno grupo separatista radical, ela preside uma casa cheia de professoras bizarras e mulheres mais jovens que se vestem de freiras e colegiais sempre que as autoridades locais aparecem.

Quando as autoridades locais não estão aparecendo, as meninas recebem aulas de partenogênese e "Herstória". As alunas também estudam filmes pornôs gays em preparação para fazer seu próprio, que servirá como propaganda para o movimento anti-masculino.

Neste Éden de Estrogênio, um homem é introduzido. Enquanto brincam no campo, as estudantes Hilde (Olivia Kundisch) e Isolde (Kita Updike) encontram o jovem Volker (Til Schindler), um soldado que está mancando pela floresta após ter vandalizado a Bolsa de Valores. Isolde insiste em levá-lo e escondê-lo no porão da residência para se curar.

O diálogo, sempre provocativo e absurdo, lembra O Exército dos Frutas(2004), pelo seu tom de protesto  e reivindicação, como quando a Big Mother pensa "Só freiras e prostitutas podem escapar do homem ainda sendo submetido a ele. "

The Misandrists é um filme inconfundivelmente político, mas seus objetivos não são ecoar as metas do fictício Exército de Libertação Feminina. Em vez disso, LaBruce utiliza essa linguagem unificadora do cinema queer, para minar os credos do feminismo radical. Seus atores são coloridos como arquétipos lésbicos. Suas recitações das doutrinas da Big Mother são rígidas, encorajando o público a duvidar da sinceridade de sua causa.

A ironia de LaBruce só cessa quando ele mostra seus personagens definhando na fluidez de seus desejos eróticos. O sexo é retratado com franqueza estética, e é por meio do sexo que esses personagens encontram pela primeira vez as limitações de sua ideologia. Lésbicas encontram inspiração subversiva na pornografia gay masculina, mulheres trans experimentam e inspiram paixão por homens e mulheres. Com The Misandrists, LaBruce mostra um cinema conflituoso, pansexual, fluido de gênero, racialmente inclusivo, raivoso e surpreendentemente romântico.

O filme também celebra a solidariedade feminina com uma luta de travesseiros com um tiro amoroso, mas sem ceder ao olhar masculino padrão. Enquanto aguardamos a descoberta inevitável de Volker, os personagens relembram suas histórias, as rivalidades entram em foco e os problemas de identidade se intensificam de maneiras interessantes. 

Nowhere(Colômbia/EUA, 2020)

Viver o sonho americano é o desejo de grande parte da comunidade latina. Escrito e dirigido por David e Francisco Salazar, Nowhere é uma coprodução entre Colômbia e Estados Unidos, que que conta a história de Adrian (Miguel González) e Sebastian (Juan Pablo Castiblanco), um casal colombiano que vive junto em Nova York e como seu relacionamento fica tenso quando o visto de Sebastian expira.

Nowhere abre mostrando-nos uma janela para a vida do casal: eles fazem sexo, tomam o café da manhã, lavam a louça, correm, tomam banho juntos e andam pela rua de mãos dadas. Adrian e Sebastian compartilham uma química elétrica, sentindo-se como um casal autêntico com uma longa história. Eles construíram uma vida juntos na Big Apple. Adrian trabalha com marketing e Sebastian tenta emplacar como jornalista.

A vida feliz do casal é ameaçada quando o visto de Sebastian não é aprovado. Em uma entrevista de emprego, o personagem revela como é terrível sua situação de imigração: "Não posso voltar. Minha família inteira me abandonou e eu morava em uma pequena garagem em Bogotá.", exagera ele.

A Colômbia tem leis que garantem a igualdade no casamento e proíbe a discriminação contra a comunidade LGBTQIA+. Mas embora as leis que protegem os direitos sejam vitais, elas não garantem aceitação ou segurança para pessoas queer, cujo histórico de homofobia na América Latina é extenso.

Adrian e Sebastian consultam um advogado de imigração para obter conselhos. Eles discutem várias opções, como se casar, mas Adrian não é um cidadão e não tem um green card. Eles procuram desesperadamente por uma solução , mais precisamente, Adrian procura, porque ele quer ficar.

Adrian fica chateado com Sebastian quando ele sugere voltar para a Colômbia. O parceiro não aceita o fato dele ainda não ter contado sobre a homossexualidade para os pais. "Estamos seguros aqui", diz Adrian. Mas Sebastian diz que "isso não está funcionando" para ele.

Depois dessa conversa, vemos uma repetição da montagem de abertura, mas parece contrastar agora, com uma fenda crescente se abrindo entre eles. Durante o sexo, vemos o rosto de Sebastian, e ele claramente não está interessado. Eles correm juntos, mas Sebastian fica para trás. Eles lavam pratos, mas agora sem alegria, calor e carinho. O dilema da imigração revela as rachaduras em seu relacionamento. Um casal em dificuldades, potencialmente se aproxima ou se separa ainda mais.

Enquanto eles deitam na cama à noite, banhados por uma luz turquesa, eles são filmados de cabeça para baixo, refletindo visualmente a virada de seu relacionamento e de seu mundo. É uma cena linda, mas melancólica.

Embora finalmente chegue a uma resolução, o filme termina envolto em incertezas. Não sabemos exatamente o que o futuro reserva para esses personagens. A imprecisão continua fazendo parte da vida real, especialmente para os imigrantes que lidam com questões de visto, cidadania e desejos conflitantes.

Sublet(Israel/EUA, 2020)

Sublet, do diretor israelense Eytan Fox, tem muitas coisas a seu favor, incluindo boas performances, alguns insights interessantes e uma apresentação de Tel Aviv que é tão vívida que é difícil não se encantar pela cidade.

Michael (John Benjamin Hickey), um jornalista de meia idade, chega a Israel para passar uma semana pesquisando para um artigo para do The New York Times. Ele aluga um Airbnb, mas quando chega, descobre que o rapaz que mora lá, um jovem estudante de cinema chamado Tomar (Niv Nissim), se confundiu com as datas. O instinto inicial de Michael é sair e se hospedar em um hotel, mas Tomar, que tem pôsteres de Violência Gratuita e A Hora do Pesadelo II, um terrror queer, na parede, acerta tudo para o americano ficar.

Ao longo dos cinco dias percorridos no filme, Tomar mostra a Michael sua visão da cidade e os dois vão se conhecendo. Superficialmente, eles não poderiam ser mais diferentes. Michael é quieto e reservado, liga para o marido todas as noites e claramente tem algo que do passado que o incomoda.

Tomar, por outro lado, é um hedonista atrevido que parece não ter nada em mente a não ser os prazeres do momento, como fumar baseados e procurar sexo no Grindr.  Ele também não está disposto a considerar ou contemplar aqueles no movimento gay que vieram antes dele, como Michael, e pavimentaram o caminho para seu estilo de vida atual. 

Com o tempo, uma amizade se desenvolve, assim como uma possível atração sexual. As cenas entre os dois homens de gerações diferentes procurando algum tipo de terreno comum são facilmente as mais interessantes do filme com conceitos que chegam a chocar Michael, como a jovem judia que sonha em morar em Berlim.

O ângulo romântico assume um papel fundamental para a conclusão do longa. Sublet é sobre o poder de uma viagem em ser transformadora e tornar o jovem mais consciente e maduro e o mais velho ainda mais experiente e sábio.

Diamantino(Portugal/França/Brasil, 2018)

Cães fofos, são manifestações na mente de Diamantino (Carloto Cotta), o artilheiro da seleção portuguesa, que lhe permitem filtrar todas as distrações e acertar os chutes que o tornaram um ídolo ao nível do futebolista português Cristiano Ronaldo. Infelizmente, um dia, o poder dos cachorros fofinhos falha e Diamantino perde um pênalti, o que impede seu time de avançar para a final da Copa do Mundo e ele se torna um pária em seu país e motivo de chacota em todo o mundo. 

Na tentativa de fazer o bem e homenagear seu pai recentemente falecido, Diamantino decide acolher uma refugiada para viver em sua mansão palaciana, para consternação de suas irmãs gêmeas cruéis e abusivas (Anabella e Margarida Moreira). A “refugiada” é Aisha (Cleo Tavares), uma agente lésbica do Serviço Secreto que trabalha disfarçada como uma adolescente de Moçambique para investigar suspeitas de que Diamantino está envolvido em um esquema de lavagem de dinheiro. Isso, sem surpresa, é obra de suas irmãs e, se isso não bastasse, as duas envolveram seu irmão em uma conspiração de nacionalistas portugueses para deixar a UE.

Tal esquema inclui uma elaborada campanha publicitária focada em Diamantino como o epítome da masculinidade portuguesa, bem como maquinações de um cientista louco determinado a colher a fonte de sua grandeza que acaba por questionar certos aspectos de sua virilidade.

Diamantino é tão estranho quanto pode ser. Há um quê de Michel Gondry. O material envolvendo a natureza mutante da relação entre Diamantino e Aisha, é bizarro e encantador.  A dupla de diretores, Gabriel Abrantes e Daniel Schmidt visam claramente, um filme lúdico que desafia os padrões narrativos enquanto faz uma deliciosa sátira à ícones da cultura POP.

Como uma colisão cômica entre os mundos não totalmente diferentes da cultura política e popular e o caos que pode resultar quando os dois se entrelaçam, o filme tem uma energia excêntrica agradável que é ainda mais impulsionada por um estilo visual estranho que parece um algodão doce.

Mas o melhor de tudo é que tem uma atuação de Carloto Cotta como Diamantino perfeitamente calibrada para que ele apareça menos como um idiota, e mais como um garoto ingênuo capaz a se submeter à bizarras experiências genéticas.

Drag Race España (Espanha, 2021)

Depois de expandir sua franquia para Tailândia, Reino Unido, Canadá, Holanda e Oceania, chegou a vez do premiado reality RuPaul’s Drag Race desembarcar na Espanha. Produzido pela AtresMedia Premium, a primeira edição do programa teve a missão de manter o formato original, que já apresenta certo desgaste, porém com tempero ibérico.

Na ausência de sua hostess oficial, o programa foi conduzido por Supremme DeLuxe, uma carismática e humanizada surpresa, e contou no painel de jurados com, os criadores da série Veneno, o casal Javier Calvo e Javier Ambrossi, ´Los Javis’, além da estilista em ascensão na Europa, a blasé Ana Locking. Coube a produção adaptar os bordões de RuPaul para o espanhol, como “Felicidrags” , “No la Cagueís” e terminar cada edição do programa entoando o icônico hino gay da Espanha, “A quien le importa”.

Barcelona, Madri, Valencia, as Ilhas Canárias e outras regiões da Espanha foram representadas. The Macarena, Drag Vulcano, a trans boliviana Inti, Arantxa Castilla La Mancha, a conceitual Hugáceo Crujiente, Dovima Nurmi, Sagittaria, a genérica de Aquaria, Pupi Poisson, a mais famosa do cast, Killer Queen e Carmen Farala, competiram semanalmente pela coroa.

Os desafios foram similares com os do formato americano, com números musicais, costura, comédia, roast, uma sátira da série espanhola Física o Química, o makeoker com um time de Rugby e um famigerado Snatch Game, onde as personagens mais conhecidas eram a Duquesa de Alba e a Monalisa, de Hugáceo Crujiente, que mal sabia sorrir. Parece que a equipe de roteiristas ainda precisa melhorar e usar referências, que mesmo espanholas, sejam mais universais.

Por outro lado, a passarela trouxe a tão esperada autenticidade hispânica ao programa. Ícones como a Veneno e Rosalia foram homenageadas, além das Drags precisarem recriar suas raízes espanholas e reinventarem, em roupas, obras de grandes pintores do país, como Dalí, Velásquez e Miró.

No episódio Mocatriz, divertido conceito para Modelo, Cantante y Actriz, inspirado na música de Ojete Calor, banda do ator Carlos Aceres, de Os Amantes Passageiros, a boliviana Inti, não suportou as críticas e desistiu da competição, deixando o palco para Dovima Nurmi brilhar enquanto todos os outros integrantes celebravam a canção.

Além de Carlos Aceres, convidados relevantes participaram da bancada: Paca la Piraña, Bad Gyal, Alaska, um dos maiores ícones LGBTQIA+ no país, Jon Kortajarena, a comediante Suzi Caramelo e a ganhadora do Drag Race Holanda: Envy Peru. As drags Samantha Hudson e Kika Lorace participaram do Snatch Game e o ator Brays Efe, de Paquita Salas, atuou como coach num desafio de comédia.

Pela primeira vez na herstória de Drag Race todas as músicas dubladas foram em espanhol: teve Mónica Naranjo, La Veneno, Bad Gyal, Fangoria, Ojete Calor, Rosalia e Chenoa. O pouco número de episódios, no entanto, impediu de explorar grandes divas do passado, como Lola Flores e Sara Montiel, ainda que o melhor ficasse guardado para o final.

Nunca se ouviu tanto a palavra ‘maricón’ na TV aberta. As piadas de duplo sentido, muitas vezes soaram grosseiras, e sem graça. Por mais que seu time de apresentadores tenha uma ótima química, estão longe do timing que há entre RuPaul e Michelle Visage, mas isso certamente irá melhorar em caso de novas edições, energia e entusiasmo para isso eles demonstraram.

Popular na Espanha, Pupi Poisson, conhecida por ser caricata e muito irreverente, acabou recebendo a faixa de Miss Simpatia. Carmen Farala, Sagittaria e Killer Queen chegaram à grande final. O último maxi challenge foi apresentado por uma irreconhecível Valentina, no telão. As drags iriam fazer um próprio clipe de U wear it well, música de RuPaul, coreografado por Carmelo Segura. Apesar de simples o vídeo ficou bonito, com as três terminando a dublagem no palco principal, para depois desfilarem seus melhores trajes drag.

Antes da decisão final, Carmen Farala, Killer Queen e Sagittaria tiveram que interpretar o sucesso La Gata bajo la lluvia, de Rocío Durcal, com todas as participantes reunidas no palco. Uma música maravilhosa para fechar a primeira edição do programa, apostando nas raízes e se apropriando do formato. Carmen Farala, além do trajeto impecável, consistente e maior número de vitórias, durante todo o programa, fez a performance mais impressionante, com a implacável troca de peruca, e acabou ganhando o cetro, a coroa e o prêmio de 30.000 euros.

Apesar dos detalhes a serem lapidados, a verdade é que poucos poderão dizer que Drag Race España não foi uma boa adaptação do formato original. No meio do caminho entre o estilo americano e o humor e as referências espanholas, o programa enfrenta agora um novo desafio: atrair a atenção do grande público. No final das contas, seria maravilhoso se as mensagens mais do que necessárias que as concorrentes têm lançado sobre leis trans, combate ao bullying ou as realidades de sexualidade e gênero, alcancem uma audiência que realmente precise aprender sobre isso.

AS TRILHAS DE XAVIER DOLAN

Xavier Dolan é um dos jovens autores mais eletrizantes do cinema e seus longas-metragens são definidos pelo uso cativante da trilha sonora. A qualidade da música caracteriza seu trabalho, emprestando aos seus filmes uma estética musical e absolutamente cinematográfica.

Acima de tudo, Dolan estrutura as canções como parte do corpo do filme. Dentro dessa estética única de videoclipe, Dolan cria um mundo visual esplendoroso que é continuamente moldado e formado por melodias e ritmos.

A música de Xavier Dolan transmite primorosamente a vida de seus personagens e como eles percebem o mundo ao seu redor. Por meio da melodia, podemos sentir sua dor, êxtase, alegria e fúria. Dolan mostra como pode ser extraordinário quando a magia da música e do cinema se unem.

Eu matei minha mãe(J'ai tué ma mére, Canadá, 2009)

A estreia semi-autobiográfica de Dolan como diretor, Eu matei minha mãe, segue um adolescente astuto e temperamental chamado Hubert que descobre sua homossexualidade enquanto mantém uma relação de amor e ódio com sua mãe controladora e adoradora de decoração kitsch. A frenética Noir Désir, da banda belga Vive la Fête, acompanha uma cena enquanto Hubert destrói o quarto de sua progenitora e os gemidos da vocalista se transformam em um grito ensurdecedor. A trilha ainda inclui Maman, la plus Belle du Monde de Marino Marini, Des roses rouges pour toi maman de André Hebet, Composições de François Graham & Dave Douville e músicas das alternativas Surface of Atlantic e Crystal Castles.

Amores Imaginários(Les Amours Imaginaires, Canadá, 2010)

Bang Bang! A icônica canção de Dalida embala o triângulo de Amores Imaginários, que pode ou não ter sido uma referência ao curta Vestido de Verão. de François Ozon. A partir desse filme, sequências musicais ganham mais espaço na narrativa dos filmes do diretor, e vemos os personagens se divertindo ao som de bandas alternativas como The Knife, Fever Ray, Indochine e novamente Vive la Fête. Os clássicos abrem uma janela com Frances Gal e se estendem até Bach.

Laurence Anyways(Canadá, 2012)

O longa traz umas das trilhas mais ricas da filmografia de Xavier Dolan. Somos apresentados as batidas experimentais da banda Moderat, mas também há espaço para clássicos da década de 1980, como Depeche Mode, Duran Duran, The Cure e Bette Davis Eyes, com Kim Carnes. Com Vivaldi, Bethoven e Tchaikovsky o longa ganha um tom erudito, mas um dos momentos mais significativos é o baile onde Fred arrasa ao som do new wave Fade to Gray, do Visage.

Tom na Fazenda(Tom à la Ferme, Canadá, 2013)

A cena mais sedutora do quarto longa de Xavier Dolan é um tango entre o protagonista e o irmão brutamontes de seu falecido namorado ao som de Santa Maria, do Gotan Project, o filme ainda inclui a música Diferente, do projeto argentino. O clássico de Corey Hart, Sunglasses at Night toca numa das cenas e a linda Going to a town de Rufus Wainwright também está inclusa.

Mommmy(Canadá, 2014)

Nesse filme, Dolan faz o uso mais audacioso da música. O hino arrebatador dos anos 1990 Wonderwall, do Oasis, apoia a libertação dos demônios do protagonista e muda inclusive o formato da tela.  A trilha sonora inclui ainda Craig Armstrong, Dido, Céline Dion, Eiffel 65, Beck, Lana del Rey, Counting Crows, Andrea Bocceli,  além dos eruditos Shubbert e Vivaldi.

É Apenas o fim do mundo(Juste la fin du monde, Canadá, 2016)

Um dos filmes mais melancólicos de Dolan é embalado por músicas da cantora francesa Camille, Blink 182, Grimes, Exotica, Foals e Moby. Baseado numa peça de Jean Luc Lagarce, o filme conta a história de Louis, interpretado por Gaspard Ulliel. Após 12 anos, ele regressa a casa da família para anunciar que vai morrer, onde reencontra a mãe(Nathalie Baye), o irmão Antoine(Vincent Cassel), Suzanne(Léa Seydoux) e conhece a cunhada, Catherine(Marion Cotillard).

A morte e vida de John F. Donovan(The Life and Death of John F. Donovan, Canadá, 2018)

O filme internacional de Xavier Dolan começa ao som do mega hit Rolling in the Deep, de Adele, com quem o diretor havia trabalhado no clipe de Hello. A triste história de um ator famoso que vive no armário e troca cartas com um menino de 11 anos, tem na trilha sonora músicas de Cat Power, Florence and the Machine e The Verve, com Bitter Sweet Symphony, canção que ficou marcada pelo filme Segundas Intençôes(1999)

Matthias & Maxime(Canadá, 2019)

Mais recente filme de Dolan, a obra não possui o impacto visual de suas anteriores, no entanto, mantém características que tornam o trabalho do diretor único, a trilha é uma delas. Além das composições de Jean-Michel Blais, as cenas são animadas por músicas de Arcade Fire, Phosphorecent, Pet Shop Boys, e o hino de Britney Spears: Work Bitch.

Andy Warhol's Trash (EUA, 1970)

Andy Warhol e o roteirista e diretor Paul Morrissey foram colaboradores prolíficos nos anos 1960 e 1970, alcançando o apogeu comercial de sua parceria com os exagerados Flesh for Frankenstein (1973) e Blood for Dracula (1974). Mais típico da estética Warhol/Morrissey, no entanto, é uma trilogia de docudramas subversivos sobre moradores de rua, todos estrelados por Joe Dallesandro.

Tipificando uma certa estética do centro da cidade, graças a locais sujos, narrativas em ruínas e atores sem glamour, Flesh (1968), Trash e Heat(1972) oferecem olhares inabaláveis ​​sobre o que as pessoas heterossexuais classificariam como estilos de vida desviantes. Essas são imagens desafiadoras de assistir, não apenas porque muito do que é mostrado na tela é transgressor, mas também porque Morrissey utiliza ferramentas bem mais explícitas que a nudez de Dallesandro.

Trash é a história de um dependente químico em desordem. Dallesandro interpreta Joe, um perpetuamente perplexo viciado em heroína, de Nova York, que passa o filme entrando e saindo de situações sexuais, embora seu único tipo de interesse seja conseguir drogas. O estilo é definido bem na primeira cena, porque a imagem de abertura é um close-up das nádegas de Joe enquanto ele recebe sexo oral de uma dançarina bem torneada. Incapaz de obter a resposta desejada, a artista realiza um strip-tease, mas o protagonista apenas fica deitado no sofá, ainda sem conseguir ter uma ereção.

Uma vez que esta sequência sem sentido segue seu curso, Joe vagueia em outras situações, eventualmente passando a maior parte de seu tempo com sua namorada subsexuada, Holly (interpretada pela transexual  Holly Woodlawn). Vários momentos bizarros incluem Holly se satisfazendo com uma garrafa de Coca-Cola ou Joe procurando a veia certa para picar.

Trash tem um sabor grotesco em tempo real. A imagem tem uma qualidade levemente satírica, às vezes zombando dos excessos desleixados dos moradores de rua e às vezes deturpando o comportamento ridículo de diletantes ricos que se jogam no lixo por diversão. O efeito da soma de todo esse acampamento no nível da sarjeta é que Trash parece um filme de John Waters sobre dependentes. (Para quem não sabe, muitos dos personagens da clássica canção de Lou Reed "Walk on the Wild Side", notadamente uma certa trans  chamada Holly e um bonitão chamado Joe, foram inspirados por membros da turma de Warhol.)

Contendo vários momentos de risada em voz alta, Trash é um retrato horrível de Nova York, quando era cheia de viciados e prostitutas. Assistir os protagonistas chafurdar na imundície traz uma estranha sensação, que é complementada pelos outros dois filmes dessa escatológica , porém única, trilogia. 

Direito de Amar (A Single Man, EUA, 2009)

Direito de Amar, filme de estreia do famoso estilista Tom Ford, é contado do ponto de vista de seu herói, George (Colin Firth), o homem solteiro, do título original, porque é homossexual. Já se passaram oito meses desde que seu amante morreu, e ele ainda sofre. Ele está vazio. Sua única amizade é com Charley (Julianne Moore), uma triste alcoólatra de certa idade com quem uma vez, por um breve período, teve um caso acalorado. Ela lhe dá gim e simpatia, mas é mais ritual do que conforto. Ela tenta beijá-lo, diz que talvez "ainda possamos fazer isso", mas isso é uma mentira em que ninguém acredita.

O filme começa no que pode ser o último dia da vida de George, em 1962. A visão de um revólver esperando em uma gaveta torna isso inconfundível. Ele executa seu ritual matinal de se arrumar e se vestir com um gosto impecável, e se mostra para o mundo como o próprio modelo de perfeição.

Ele dá uma aula na faculdade sobre Aldous Huxley. Ele trabalha em um subtexto sobre aqueles que não se conformam. Nenhum aluno está interessado, exceto Kenny (Nicholas Hoult), que pode estar menos interessado na palestra do que no professor.

Indicado ao Oscar, Firth interpreta George soberbamente. Ninguém verá nada fora do lugar no personagem. Tendo crescido na Grã-Bretanha nas décadas de 1920 e 1930, ele deve ter encontrado poucas pessoas com quem pudesse compartilhar sua verdadeira natureza. Agora, na Califórnia, ele tinha apenas seu amante, e seu amante está morto. A vida é obsoleta e sem perspectiva.

Sua noite é passada com Charley, que está sempre um pouco embriagada. Ela se preparou para o encontro deles, e está impecavelmente arrumada, sua maquiagem perfeita e o jantar elegante. A estética refinada e perfeccionista do filme é uma característica de Ford . Ela oferece uma simpatia que ele mal sente. É horrível que este seja o relacionamento mais significativo agora em qualquer uma de suas vidas.

Ele se vê como impecável, reservado, irônico, resignado, distante. Ele projeta uma fachada fria e impenetrável. Charley é vista do jeito dele, que pode não ser como ela realmente é. Quando acontecem eventos que interrompem sua rotina, ele tenta manter seu comportamento inalterado. Seu jogo é aparentemente completar este dia da forma como planejou.

Monsoon(Reino Unido, 2019)

Carros e motocicletas trafegam em torno uns dos outros como redemoinhos e ondulações em um curso de água corrente, e à deriva está Kit (Henry Golding). Nascido no Vietnã, mas criado no Reino Unido, o jovem está em Saigon pela primeira vez desde que seus pais fugiram após a reunificação, quando ele tinha oito anos. Chegando como turista para devolver as cinzas dos pais  à sua terra natal, o filme trata temas delicadamente observados como luto, deslocamento e identidade conflitante. Tais elementos só enriquecem o longa-metragem do diretor cambojano-britânico Hong Khaou, Monsoon .

Kit é um homem gay que, embora claramente muito confortável com sua sexualidade, tem que reconciliar essa identidade com o limbo de ser um imigrante em sua casa atual e um estranho na anterior. "Já quase não reconheço este país", lamenta, tendo anteriormente de admitir com vergonha que o seu vietnamita não é tão bom hoje em dia e que precisa de ajuda para traduzir.

Monsoon parece uma expressão precisamente considerada da experiência desenfreada da migração - sem dúvida devido muito de sua observação aguda à própria história pessoal do diretor- e a dificuldade de se ancorar quando sua vida e arredores parecem ser um mar constantemente agitado. Quase nada disso é explicitamente comunicado; em vez disso, os temas se acumulam lentamente por meio de momentos arrebatados por chamadas do Skype em quartos de hotel, exposições fragmentadas e passeios silenciosos por bairros antigos.

A câmera frequentemente permanece no rosto do protagonista, enquanto ele observa, e transmite precisamente o que  está pensando em cenas sem palavras. A fotografia, de Benjamin Kracun, o captura em planos médios e amplos, enfatizando a posição ao seu redor, ou o atirando através de janelas para indicar seu isolamento.

O mais próximo que o protagonista chega do flerte é em uma série de encontros românticos e sexuais com Lewis (Parker Sawyers), que vem com seu próprio conjunto de identidades conflitantes - ele é um expat afro-americano que vive no Vietnã, onde seu pai serviu durante a guerra .

Seu relacionamento em desenvolvimento é complicado por suas histórias familiares. "Não sou um desses ianques", afirma Lewis após Kit questionar por que ele gostaria de se lembrar da Guerra do Vietnã com orgulho. É uma corrente política que percorre Monsoon, turvando ainda mais as águas do drama sob uma superfície serena.

Bernard e Doris - O Mordomo e a Milionária(Bernard and Doris, Reino Unido/EUA, 2006)

Doris Duke era a garota mais rica do mundo quando seu pai, gigante, da indústria do tabaco, James Buchanan Duke deixou para ela cerca de US$ 100 milhões, em 1925 aos 12 anos. Bernard e Doris - O Mordomo e a Milionária, telefilme da HBO, dirigido por Bob Balaban, é sobre os últimos anos da mulher raramente feliz e foca no relacionamento (platônico) que se desenvolveu durante esse período entre seu mordomo, Bernard Lafferty, e ela.

O filme se passa no final dos anos 1980 e início dos anos 1990. Conhecemos Doris Duke (Susan Sarandon) como uma mulher mimada que intimida seus funcionários e os dispensa sem compaixão quando a comida está fria. O novo mordomo logo chega, Bernard Lafferty (Ralph Fiennes). Ele parece ter excelentes referências, Peggy Lee e Elizabeth Taylor o recomendam, e é muito bom em seu trabalho.

Mesmo assim, leva um tempo para Doris perceber o bem que adquiriu. Lentamente, seu apreço por seu funcionário cresce. Ela o envolve cada vez mais em tarefas pessoais, ela pode até levá-lo em suas viagens e sentir afeto. O passado de Doris a ensinou a suspeitar, mas quando Bernard garante que só quer cuidar dela e não de seu corpo ou dinheiro, ela decide confiar nele. Graças a ela, Bernard aparece, se veste cada vez mais extravagantemente, deixa um rabo de cavalo crescer e até usa maquiagem.

No início de Bernard e Doris já se diz que a história é parcialmente verdadeira e parcialmente criada. O roteirista, Hugh Costello. pintou um quadro bastante romantizado do relacionamento entre Bernard, que acaba de se recuperar do vício do álcool, e a socialite que não pensa em examinar mais de perto seu consumo.  Ninguém sabe o que realmente aconteceu entre os dois, mas é fácil imaginar que a história real não está longe do filme.

Doris muda de uma megera aparentemente fria para uma mulher que mostra ser perfeitamente capaz de manter uma amizade calorosa. E Bernard - embora seu problema com o álcool cresça à medida que o filme avança - também é tão cativante quanto pode ser com sua chefe. O filme, no entanto,  carece de mais profundidade, sobre o passado do mordomo.

Moffie(África do Sul/Reino Unido, 2019)

 "Estou planejando minha fuga", Nick (Kai Luke Brummer) brinca com sua mãe nos momentos iniciais do evocativo Moffie, de Oliver Hermanus. Este sensível jovem de 18 anos deve deixar sua casa para cumprir o serviço militar no dia seguinte e seria sensato seguir seu plano, porque estamos na África do Sul, em 1981, e ele está prestes a entrar no inferno escaldado de uma sádico treinamento do exército, de dois anos, destinado a moldar jovens em soldados prontos para lutar contra o comunismo e o "perigo negro" que se dirigem para a fronteira com a Angola.

A viagem de trem de Nick para o quartel, onde ele passa por brincadeiras de garotos adolescentes bebendo, brigando e vandalizando, cria o clima para o ambiente tóxico exclusivamente masculino em que ele está prestes a entrar. O longa é baseado na autobiografia de André Carl van der Merwe.

É claro, porém, que há mais acontecendo do que brincadeiras de macho quando o trem para em uma estação rural e um grupo de jovens se pendura na janela para lançar calúnias racistas e jogar um saco de vômito num homem negro.

Relutância em participar do racismo da era do Apartheid não é a única coisa que diferencia Nick de seus colegas. Ele é gay, ou um 'moffie' - gíria homofóbica do Afrikaans que é traduzida como 'bicha' nas legendas. Seu temível sargento berra repetidamente a palavra ao expor as leis da base. A pena por ser pego em uma posição comprometedora com outro recruta varia de punição corporal cruel a uma visita ao temido Ward 22, uma instalação anárquica que parece ter sido modelada em asilos para lunáticos da Grã-Bretanha vitoriana.

O caos deste campo de treinamento é pontuado por um flashback ensolarado de um momento formativo no despertar sexual do jovem Nick.  No entanto, quando as atividades de treinamento incluem nadar nu no lago local, sessões suadas de vôlei sem camisa e treinamento de sobrevivência, onde os soldados se aninham em trincheiras de terra para se aquecer, controlar seus impulsos naturais não é tão fácil. É durante o último exercício, que Nick compartilha uma noite íntima com o robusto Dylan (Ryan de Villiers). Este encontro desperta os desejos reprimidos do protagonista, mas também coloca os dois homens em perigo.

Moffie desequilibra-se desde os segundos iniciais, graças à partitura de Braam du Toit que induz ataques cardíacos, com cordas atonais que parecem emanar da cabeça ansiosa de Nick. A fotografia ricamente texturizada e desbotada pelo sol, de Jamie Ramsay, combina com a intensidade musical, favorecendo close-ups de mão tão íntimos que você pode ver os poros dos atores suando. Faixas clássicas de Bach e Vivaldi em sua forma mais barroca contribuem para a atmosfera febril do filme.